adolfo payés - artes

Ante la majestuosa pulcritud de tu presencia...

2011-08-05T02:14:00.002-04:00

Compartiendo un poco de mis pinturas... "Ante la majestuosa pulcritud de tu presencia".

Arlequín niño de aventuras y sueños coloridos...

2011-06-17T19:26:00.000-04:00

Compartiendo un poco mis pinturas... ¨Arlequín niño de aventuras y sueños coloridos...¨

Un esfuerzo colectivo por la PAZ...

2010-08-11T19:48:00.001-04:00

Un grito a la PAZ es necesario... Copia y pega la imagen en tu blog.

Pintor Victor Wang

2010-02-26T14:21:00.008-05:00

Pintor Victor Wang

Es un artista plástico, de origen chino, se conoce muy poco sobre su persona, su biografía. Pero en sus trabajos artísticos es un personaje muy importante en esta época, sus obras son tan expresivas, con colores impresionante dejando en evidencia el manejo del pincel y sobre todo el color en su máxima expresión, Wang es sin lugar a dudas un artista que se debe de seguir muy cerca por cu capacidad de transmitir por medio de sus personajes, las expresiones y sentimientos mas sublimes del ser humano.
En sus lienzos explotan los colores inimaginables en la pintura, con los colores deja perplejo a todo aquel que lo aprecia, por primera vez.

“Mi camino por la vida ha sido de aventuras, emocionante y onírico. Vengo de China y como la mayoría buscando una mejor oportunidad, ha sido una experiencia totalmente desafiante y grande. Para mí, lo que yo imaginaba de América y lo que realmente fue haber tenido un gran vacío, enfrentando así una batalla entre el asentamiento físico y la ansiedad mental. En mis trabajos recientes, he tratado de mostrar ambivalente este tipo de drama emocional con la mezcla de tensiones, confusas y desesperantes.

Yo crecí en medio de los campos de girasol que rodeaban mi casa, en el norte de China. En mi niñez, me acuerdo jugar bajo el brillo del sol, ante los girasoles amarillos, con mis hermanos todos los días. Los girasoles, siempre siguiendo el movimiento del sol, los girasoles en esa época fueron utilizados durante la Revolución Cultural como una alegoría política, de manera que las personas debían seguir a Mao, que representaba el sol. Poco a poco, el pueblo de China se dio cuenta de que este símbolo de los seguidores al culto a la persona, era realmente un engaño. Por lo tanto, para superar mis sentimientos y complejos, yo uso los girasoles como una metáfora. para connotar mis antecedentes y la etapa emocional.

Mi deseo es visualizar la sensibilidad humana de los sentimientos perdidos y encontrados en mi experiencia de vida. A pesar de que a menudo obtienen un gran placer en el proceso de la pintura, es más importante a desarrollar expresamente esos sentimientos dentro de mí.”
Victor Wang

Iman Maleki Pintor Iraní. (Teherán, 1976)

2009-12-27T00:02:00.011-05:00

Iman Maleki (Teherán, 1976) Pintor Iraní. De este pintor se conoce muy poco, pero sus obras son unas obras de artes maravillosas, que para cualquier pintor es un grito magnifico a las arte plasticas

Desde muy niño sintió la vocación por la pintura; se graduó en la Universidad de Arte de Teherán como diseñador y estudió con el mejor pintor hiperrealista de Irán, Morteza Katouzian, perfeccionando una minuciosa técnica de realismo casi fotográfico. Fue galardonado con el premio William Bouguereau y el “Chairman’s Choice” en la II Competición Internacional de Art Renewal Center. Algunos le consideran el mejor pintor de arte realista del mundo. Sus cuadros muestran la sencillez del pueblo iraní y la crudeza de la realidad en que se mueven, con ocasionales toques poéticos y surrealistas, pinta lo cotidiano del pueblo Iraní, es considerado por mucho como un pintor realista con sus toques perfectos en sus trazos, expresiones y matices perfectos, en sus trabajos, presenta con sus creaciones una realidad en la pintura que muy pocos pintores han podido alcanzar, es uno de los pintores iranies con una capacidad exceptional en las artes..

Algunos le consideran el mejor pintor de arte realista del mundo. “Sus dibujos compiten con las cámaras digitales de 10 Mega píxeles”, aseguran los entendidos en la materia.
Otros lo consideran un pintor hiper-realista.

Arte realista
El arte realista se configura como un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX.

El nacimiento del realismo

Ya desde épocas anteriores se apreciaba un cansancio de los valores románticos y el deseo, entre los artistas más inquietos, de incorporar las experiencias más directas y objetivas en sus obras. El proceso es gradual aunque rápido, y entre el romanticismo y el realismo se establece una continuidad, sin embargo sus planteamientos ideológicos y formales serán muy distintos.

También se establece una relación compleja entre el realismo y el academicismo, debido a que todavía existe entre los dos una competencia evidente. También es cierto que se influyen mutuamente. Así, aunque los pintores realistas sean excluidos de las grandes muestra oficiales, la pintura académica evidenciara una atención mayor hacia la observación directa de la naturaleza y la realidad del momento.

La ideología del arte realista

Desde el punto de vista ideológico, el realismo queda vinculado a las ideas socialistas más o menos definidas. Aunque con claras diferencias entre los distintos autores, en general se aprecia un interés por la situación de las clases más desfavorecidas de la sociedad surgida de la Revolución Industrial. Algunos, adoptan una actitud absolutamente comprometida con los intereses del proletariado, participa en acontecimientos políticos del momento y hace un arte combativo. Otros, mantienen una postura más moderada, y endulzan de alguna forma su visión de la realidad.

Todos ellos comparten una estética basada en la representación directa de la realidad. La manera cómo se materializa este principio básico varia desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Mollet. En cualquier caso, todos comparten la radicalidad de los temas: ante la trascendencia que conceden al tema romanticismo y academicismo, el arte realista entiende que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.

Este planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura está sometida a reglas extraordinarias de la crítica oficial: los temas, las actitudes, las composiciones y hasta las medidas de los cuadros tiene que ajustarse a estos rígidos criterios. Ante esta situación, los pintores realistas defienden una pintura sin argumento, una captación simple de la realidad, en la cual lo fundamental es la forma en que se representa la imagen y el sonido, y no su desarrollo narrativo.

Los artistas realistas

Gustave Courbet (1819-1877) es el pintor realista que mantiene un compromiso político personal más firme. Como Delacroix, cree que la pintura es un instrumento muy eficaz en la lucha para defender sus ideas. Sin embargo, Courbet se distancia clarísimamente de sus predecesores en la forma de entender el arte.

Courbet rechaza la realidad que le rodea, pero, en vez de huir, lo que haces es mostrárnosla en toda su crudeza para que compartamos con él los mismos sentimientos de rechazo y, en consecuencia, reaccionemos en contra.

Jean-François Mollet (1814-1875) es una de las figuras más discutidas del realismo francés. Su pintura tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del público. Sin embargo, críticos e historiadores le han acusado de traicionar el verdadero espíritu realista poruq endulza en exceso la vida de los campesinos –su gran tema- para hacerla aceptable al gusto burgués.

Honoré Daumier (1808-1879) es otro de los grandes del arte realista. Era pintor, escultor y caricaturista, y en todas sus facetas se mostraba como un observador agudo de la realidad dispuesto a criticarla con dureza, aunque también con un punto de ternura.

Hiper-realismo
Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiper-realismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El Hiper-realismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.

Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiper-realismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.

Los artistas hiper-realistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiper-realismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiper-realismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.

SÉRAPHINE LOUIS (Séraphine de Senlis) 1864-1942

2009-11-12T13:04:00.007-05:00

El siguente texto es un resumen extraído de:BIHALJI-MERIN, Oto: El Arte Naïf, ed. Labor, Barcelona, 1978. ISBN: 84-335-7558-9; pp. 45-46

Las notas al pie son de Mercedes García Bravo.
“Séraphine Louis, algunas veces citada como Séraphine de Senlis, nació en 1864 en Assy (Oise). Jamás estudió pintura, ni durante los tiempos de su niñez, cuando fue pastora, ni posteriormente, cuando trabajaba como sirvienta.[1] ¿Cuándo empezó a plasmar con formas y colores sus sueños y sus impulsos? ¿Por qué lo haría? Sabemos muy poco del drama íntimo de su pequeño ser. Y quizás todavía sabríamos menos de su arte si el azar no la hubiera reunido con aquél hombre que, impresionado por las imaginaciones de Rousseau, seguía la huella de los modernos primitivos.

El ignorante mundo la tomó por la humilde sirvienta de Senlis. Pero ella había sido llamada para ver, para mirar, a través de los bastidores perecederos de lo temporal, y para anunciar la eternidad. (…)”

NOTAS:

[1]-Séraphine Louis nació en Arsy (Oise) el 3 de septiembre de 1864. Su padre era obrero-según la partida de nacimiento- y su madre procedía de una familia de campesinos. Cuando Séraphine tenía a penas un año murió su madre. Su padre, que había vuelto a casarse, murió seis años después. Huérfana, vivía con su hermana mayor. Empezó a trabajar como pastora, y a partir de 1881 trabajó como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia, en Clermont (Oise). En 1901 comenzó a trabajar como criada en diferentes casas de Senlis.

[2]-Willhem Uhde: Coleccionista, marchante, galerista y crítico de Arte, el nombre de Wilhelm Uhde se asocia con la vanguardia artística parisina de principios del siglo XX. En 1908 se casó con la pintora Sonia Delaunay. Tras dedicarse a comprar y exponer la obra de impresionistas y cubistas, comenzó a consagrar gran parte de su energía y de su fortuna a los pintores “naïfs” o ingenuos, a los que prefería llamar “primitivos modernos” y a los que también llamó “pintores del Sagrado Corazón” en la primera exposición que les dedicó en París, en 1929 , con obras de Henri Rousseau, Séraphine de Senlis, Camille Bombois, Louis Vivin, André Bauchant...
Más: Biografía de Wilhelm Uhde (Colegas invitados)

[3]-Su técnica, completamente particular, consistía en el uso de la pintura Ripolin –la más común del mercado-, mezclada con la cera de velas que cogía en la iglesia, tierra extraída del cementerio y otros campos, de su propia sangre, que extraía de sus heridas y daba vida a sus cuadros…

[4]-Séraphine comenzó a pintar, según decía, por indicación de los ángeles y la Virgen. Cuando salía del aislamiento de su habitación iba a hablar y abrazar a los árboles y las flores.

[5]-Séraphine Louis, que había nacido el mismo año que Camille Claudel, vivió sus últimos años, como la escultora, que sólo le sobrevivió un año, internada en un asilo mental. Murió el 11 de diciembre de 1942, a los 78 años, en un anexo del hospital de Villers-sous-Erquery, a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas y la falta de alimento durante la ocupación alemana de Francia en la II Guerra Mundial y que fueron fatales para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. Fue enterrada en una fosa común.
(La casa de Séraphine Louis en Senlis)

En el año 1912 Wilhem Uhde [2] se trasladó a Senlis para descansar en la paz de esa vieja y pequeña ciudad de la Ile de France, cercana a Paris y, al mismo tiempo, alejada del Barullo. Cada mañana acudía una mujer para limpiarle la vivienda. Uhde apenas se fijó en ella. Un buen día vió en una casa de Senlis un bodegón de manzanas que le llamó la atención. Preguntó el nombre del pintor. << ¡Es su asistenta Séraphine!>> Hasta ahí le había guiado el destino a ciegas. Ahora podía cuidarse Uhde de que los estáticos ramos de flores crecieran hasta convertirse en poderosos árboles de fantasía. (…)
Uhde señala que Séraphine guardaba rigurosamente el secreto de su pintura. Nadie podía mirar cuando ella pintaba, cuando mezclaba los colores y preparaba el lienzo para que todo se efectuara con perfección artesana.[3] Vivía con un recogimiento monacal en su pequeña habitación, sobre cuya chimenea siempre ardía una eterna luz a la Virgen.[4]
Pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro, pintaba en una especie de trance, como jardinero místico, los flamantes ramilletes tras los cuales se oculta la tentación de todo lo sagrado. Plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas, en cuyo resplandeciente nervio se abren ojos. Extraña malla de susurrantes y concupiscentes ramajes con sartas de perlas compuestas por bayas del arbusto de la ternura, y umbelas estrelladas del jardín de los placeres. (…)
(…) Todas las luces y las brasas de sus sueños se apagaron un día. Entonces vagó de casa en casa y predicó el fin del mundo. Su espíritu había quedado vacío y desequilibrado. En 1934 murió en el asilo de ancianos de Clermont.[5]
Para Séraphine el arte fue como una revelación. Para ella la pintura –igual que para Van Gogh- era un acto afectivo. Era como si se redimiera mediante el acto de la creación. Con los ojos inmensamente abiertos caminaba a ciegas por la uniforme monotonía de su insignificante vida.

Luz y tragedia de Séraphine de Senlis

octubre 27, 2008 | 7 Comentarios

SéraphineLuis, hacia 1920.

Descubrimiento tardío pero muy emocionante de Séraphine Louis, Séraphine de Senlis (Arsy,1864 - Villers-sous-Erquery, 1942). Qué trágico destino el suyo…

[ .. ]

Séraphine fue una mujer pobre, huérfana, sin educación, sirvienta, que pintaba a solas, a ciegas, en una soledad infinita. Hasta que la descubrió un gran marchante, coleccionista y hombre de sensibilidad, Wilhelm Uhde, el hombre que conquistó para ella un puesto en la historia del arte. Antes que ella se precipitase en el pozo sin fondo de la locura.
Su obra no era completamente desconocida. Hay cosas suyas en el MoMa neoyorquino, desde hace muchos años. En su día se publicó una biografía de referencia (Alain Vircondelet, Séraphine de Senlis,1986).

Repentinamente, este otoño, el Museo Maillol le consagra una gran retrospectiva, se publica una nueva biografía (Françoise Cloarec, Séraphine - La vie rêvée de Séraphine de Senlis, 2008), incluso se estrena con cierto éxito una película consagrada a su vida, sus relaciones con Wilhelm Uhde, y su trágico fin en un asilo psiquiátrico.

El flaneur que descubre por azar sus obras misteriosas, inquietantes, por momentos, de una belleza rara, muy poderosa, se pregunta por su puesto en la historia del arte: el de una luz muy pura, luciendo en un firmamento de estrellas muertas.

Séraphine Louis (1864-1942) representa un caso único en la historia de la pintura. Completamente autodidacta, Séraphine empezó a pintar a los 42 años de edad porque “escuchaba una voz que se lo pedía”. Como a la antigua usanza, se hacía ella misma las pinturas a base de mezclar tierras, pigmentos y toda clase de productos de los que guardó siempre un celoso secreto. Huérfana desde los siete años, se crió con su hermana. Trabajó limpiando en casas de la burguesía y empezó a pintar flores, plantas y árboles de una forma absolutamente personal. Séraphine no parece que reciba influencias de otros pintores, sino que se muestra como única en su género.

seraphine-louis
Séraphine Louis en 1920

Su obra se dio a conocer gracias a que sus primeros cuadros, bodegones de pequeño tamaño, caen por casualidad en las manos de un coleccionista alemán Wilhelm Uhde, amigo de Braque y de Picasso, en la casa donde va a limpiar.

Desgraciadamente Séraphine que lleva una vida sumida en la miseria, cae poco a poco en la locura, y es internada por “psicósis crónica” en el hospital psiquiátrico de Clemont donde continúa pintando.

Muere el 11 diciembre de 1942 con 78 años de edad en el hospital de Villers-sous-Erquery bajo las duras condiciones de los asilos en Francia bajo la ocupación nazi, siendo enterrada en una fosa común.

De Séraphine Louis, existen entre 70 a 80 cuadros dispersos entre el museo de Maillol, el museo de arte naïf en Niza y el museo de arte de Senlis.

Francis Bacon - Pintor Irlandes - 1909 - 1992

2009-10-07T14:33:00.006-04:00

Francis Bacon

(Dublín, 1909 - Madrid, 1992) Pintor inglés de origen irlandés, figura destacada de la denominada Nueva Figuración, tendencia que se desarrolla a lo largo de los años sesenta, tras el agotamiento del informalismo. En el panorama del arte de la posguerra, el expresionismo figurativo de Bacon ocupa un lugar aparte, difícilmente relacionable con algunas de las distintas tendencias artísticas que recorren estos años. Toda la trayectoria pictórica de Bacon se caracteriza por una profunda independencia, que hace de su pintura un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo XX. Bacon, además, influyó en gran medida en los artistas del movimiento Pop inglés.

Tras una infancia marcada por la soledad y la enfermedad, Bacon pasó su juventud en su Irlanda natal. En 1925 se establece luego en Londres, donde trabaja como decorador. Se interesa en seguida por la pintura, sobre todo tras sus estancias, en los años veinte, en Berlín y París, donde junto a los expresionistas (Otto Dix, Max Beckmann), queda impresionado por la obra de Picasso, lo que debe valorarse si se considera la formación autodidacta de Bacon.

Aunque sus primeros ensayos datan del período comprendido entre 1929 y 1944 (la mayoría de estas telas serán destruidas por el propio pintor), es durante la posguerra cuando da a conocer el tipo de pintura que le hará célebre. Ya en sus Tres estudios de figura en la base de una crucifixión, de 1945, aparecen las claves a las que responde su pintura en las décadas siguientes.
La visión atormentada de Bacon había de llamar necesariamente la atención de un público traumatizado por la experiencia de la guerra y todos sus males; pero así como los pintores informalistas orientan su angustia existencial hacia la indeterminación de la abstracción matérica, Bacon elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a deformaciones y alteraciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del expresionismo. Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos o en composiciones más complejas, los cuerpos mutilados, los órganos atrofiados y todo tipo de anomalías anatómicas dan como resultado una imagen del horror que se inserta en un espacio indefinido, de fondos monocromáticos, que comunica una sensación de aislamiento y claustrofobia.

La apuesta de Bacon por la figuración se formula desde la más absoluta subjetividad, tomando de la vanguardia aquellos elementos que le convienen para conseguir expresar la torturada realidad del hombre contemporáneo. Para la construcción de los seres que pueblan sus lienzos hace uso de la gestualidad del informalismo, la distorsión expresionista y la evocación onírica surrealista (la emotividad en sus diversas formulaciones). Tales seres quedan superpuestos a grandes superficies de color plano, ordenados muy cuidadosamente; para ello sigue normas extraídas de la tradición abstracta geométrica más austera, siguiendo la más rigurosa racionalidad compositiva. Emotividad y racionalidad confluyen pues en la pintura de Bacon y se conjugan en un equilibrio extraordinariamente fértil y atrayente.

A partir de aquellos Tres estudios de figura en la base de una crucifixión en los que masas de carne humana se retuercen sobre sí mismas para acabar convertidas en grito exacerbado de angustia y de dolor, Bacon utilizaría a menudo fondos rojizos para ubicar sus torturadas figuras. Un buen ejemplo de ello es otra obra posterior, Mujer vaciando un cuenco y niño paralítico gateando según Muybridge (1965, Stedelijk Museum, Amsterdam), en la que las masas corpóreas que representan a la madre y al hijo se sostienen en un difícil equilibrio sobre una frágil estructura oval, o el más tardío Estudio del cuerpo humano (1982, Museo Nacional de Arte Moderno, París), en el que el cuerpo masculino aparece reducido al sexo y a las extremidades inferiores.

El interés de Bacon por los autorretratos de Rembrandt y por toda la obra de Velázquez se evidencia tanto en el uso de los empastes pictóricos como en la reinterpretación de obras como el retrato de Inocencio X, del que en 1961 realizó una espeluznante versión que, sin embargo, según él mismo confesó, no consiguió superar la obra original de Velázquez.

Las fuentes iconográficas en que Bacon se inspiraba para realizar sus obras podían provenir, como se ha dicho, de la historia de la pintura, pero eran los álbumes fotográficos de Muybridge (con sus estudios sobre el movimiento humano y animal) y las fotografías anónimas de diarios y revistas o los fotogramas de películas de Eisenstein o de Buñuel lo que constituía su archivo fundamental.

Piet Mondrian Pintor holandés. 1872-1944

2009-09-08T14:24:00.006-04:00

Piet Mondrian Pintor holandés. 1872-1944

Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido, intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia. Nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872 y su nombre verdadero era Pieter Cornelis Mondriaan. Decidió emprender la carrera artística a pesar de la oposición familiar y estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop, comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a París en 1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como Árboles (1912-1913) y Andamios (1912-1914).
Por educación y trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.
Tras contemplar las primeras obras cubistas de Picasso y Braque, en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del cubismo, interesado en reducir las formas individuales a una fórmula general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas, desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo del referente externo.
Poco a poco se fue alejando del seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. La aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras como Composición en rojo, amarillo y azul (1921, Gemeentemuseum), en la que la pintura, compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un efecto monumental a pesar de la escasez de los medios, voluntariamente limitados, que emplea. Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo.La Primera Guerra Mundial le hizo regresar a los Países Bajos, donde conoció a Theo van Doesburg. Junto a él y otros dos artistas (Van der Leck y Huszar), fundó la revista y movimiento De Stjil, desde los cuales defendieron el rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra y la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos básicos. Este estilo, bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo, pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista.
Abandonó la severidad de las líneas en negro para yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse claramente en la última obra que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie (1942-1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York, MOMA).Tras residir varios años en París y Londres, en 1940 se trasladó a Nueva York, donde su obra se vio influida por el dinamismo de la vida urbana y por los ritmos de la música estadounidense, factores que implicaron una mayor atención a las posibilidades constructivas del color. Por influencia de la tradición puritana holandesa y de la Sociedad Teosófica, con la que estuvo en permanente contacto a lo largo de su vida, dio forma a un proyecto que se extendió más allá de lo pictórico hasta acabar por convertirse en una empresa ética: el arte como guía para la humanidad a través de la pureza y la claridad.
Mondrian ha sido uno de los artistas de mayor repercusión en el siglo XX. Sus teorías sobre la abstracción y la simplicidad no sólo alteraron el curso de la pintura, sino que tuvieron una profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York

Paul Signac - Pintor Francés 1863-1935

2009-08-10T06:53:00.007-04:00

Paul Signac nace en 1863 en Paris, donde su padre tenía un negocio de guarnicionería. Sus estudios de bachillerato se veran interrumpidas por una temprana vocación artística, alentada por la contemplación de las obras de los impresionistas. AI parecer, en 1879, cuando tenia 15 años, Signac acudió a la cuarta exposición impresionista y realizó algunos bocetos a partir de obras de Degas; la airada intervención de Gauguin, que expulsó al muchacho de la sala al grito de "¡aquí no se copia!" , no terminaría con sus deseos de convertirse en pintor. Con este propósito ingresa en 1882 en la Escuela de Artes Decorativas y comienza a asistir al taller libre de Bin, un pintor de cierto prestigio que era, a la sazón, alcalde de Montmartre. En sus primeras obras se descubre la intluencia de Pissarro, de Renoir y, sabre todo, de Monet, pintores a los que aún no habia conocido. El año 1884 va a ser fundamental en su carrera: participa en la primera exposición del grupo de los independientes y conoce al que sería su compañero en la aventura del divisionismo, Georges Seurat.

Los Independientes
Siguiendo el ejemplo de los impresionistas, los rechazados en el Salón oficial -certamen anual organizado por la Academia de Bellas Artes del que sistemáticamente eran excluidos los artistas que se atrevían a cuestionar los preceptos academicos- constituyeron una asociación con el fin de exponer sus obras de forma alternativa. Sin embargo, a diferencia de Degas y sus amigos, no trataban de formar un grupo homogeneo, sino de convocar, sin ningún tipo de filtro, a todos los artistas independientes. En la primera muestra de los Independientes, Seurat expuso su Baño
Asniéres. Pese a que la obra se alejaba de la práctica impresionista de utilizar sólo colores puros e intensos, Signac quedaría prendado de su técnica, que se adentraba en las mismas investigaciones acerca del contraste de los colores que venían preocupándole en esa época.

Pasión divulgadora
Desde este momento, Signac pasa a ser el principal defensor de la causa del divisionismo, consiguiendo atraer a una figura del prestigio de Camille Pissarro. Precisamente, el gran pintor impresionista sintetizaría bien la posición de Signac dentro del grupo cuando afirmó: "Todo el peso del neoimpresionismo recae sobre usted! (...). A Seurat no lo atacan porque siempre guarda silencio; a mí me desdeñan como se hace con los viejos chochos, pero siempre van a por usted porque es beligerante". La conversión de Pissarro abrió a los jóvenes divisionistas las puertas de la Ultima exposición de los impresionistas, en 1886. Su participación en la muestra generó un considerable escándalo, tanto en el público como en una crítica que apenas había digerido el impresionismo y para la que, en el mejor de los casos, la nueva técnica no pasaba de ser un curioso ejercicio de virtuosismo. Los encendidos ataques que recibieron Signac y sus compañeros no hicieron más que alentar la solidaridad de toda una nueva generación de artistas, como los que en Bélgica se reunieron bajo el nombre de Los XX, con los que Signac expondría asiduamente desde 1888, siendo el primer extranjero que, dos años después, recibiría el honor de ser admitido como miembro del grupo. La creciente aceptación de la técnica divisionista, en gran parte fruto de la activa labor de proselitismo llevada a cabo por Signac, acarrearía las primeras divergencias con Seurat, quien veía en ello un riesgo para su originalidad. El desacuerdo entre los dos pintores no se limitó al orden personal: hacia finales de la década de los ochenta, Signac comienza a cuestionar el minucioso puntillismo de su compañero, que, en su opinión, confería a sus composiciones "un aspecto menguado y mecánico". Pese a estos problemas, surgidos en gran parte por el contraste entre el carácter reservado y un tanto altivo de Seurat y el temperamento abierto de Signac, este siempre manifestaría su admiración por el gran genio del divisionismo; su temprana muerte le sumió en un estado de profunda tristeza.

La luz del Sur
No obstante, Signac fue pronto consciente de que, tras la muerte de Seurat, él pasaba a ser el lider del divisionismo y se dedicó a rebatir a quienes, como Lucien Pissarro, creían que esta pérdida significaba el fin del movimiento. Superado el abatimiento, recupera su vocación marinera -a lo largo de su vida poseyó más de treinta barcos- y emprende numerosos viajes. Fruto de uno de ellos es el "descubrimiento" de Saint- Tropez, por aquel entonces un tranquilo pueblecito de pescadores, donde compra una casa en 1893. La luz mediterráneo invade unas obras en las que el "punto" divisionista se va ampliando, al tiempo que se enfatizan los contrastes cromáticos. Hacia 1896, el cambio se hace más evidente; una nueva mirada crítica a Las Modelos de Seurat le persuade de la necesidad de alejarse de su finísima pincelada para dotar al conjunto de una mayor luminosidad.
Viajes y pintura
En esta misma época comienza a pintar a la acuarela empleando una técnica muy ágil de grandes manchas de color, que nada tienen de divisionistas. Estos "excursos" no implican una perdida de fe en la trascendencia de su método: en 1899 publica De Delacroix al Neoimpresionisno, un texto en el que expone de forma minuciosa los principios de su pintura, demostrando que los reproches que esta recibió son herederos de los que, en su día, se dirigieron contra Delacroix, a quien considera el auténtico precursor del divisionismo. La labor difusora de Signac servirá para que un buen número de pintores -como Matisse, que pinta en Saint- Tropez su obra divisionista Lujo, calma y 'Voluptuosidad- se apoyaran en sus enseñanzas para desarrollar apuestas más radicales. Las últimas décadas están marcadas por sus dos grandes pasiones: los viajes y la pintura. Constantinopla, Venecia, los puertos del Mediterraneo o las costas bretonas serán escenarios de sus obras. Los años no aplacan su talante combativo: partidario de Dreyfus en el escándalo que agitó a la opinión pública francesa a fin de siglo, pacifista durante la Primera Guerra Mundial, participó con Andre Gide en el comité de intelectuales antifascistas. El respeto de sus colegas le lleva en 1908 a la presidencia de la Sociedad de los Independientes, un cargo que ejerció hasta su muerte, acaecida en 1935.

Dorothea Lange: Fotógrafa del pueblo

2009-07-19T18:14:00.006-04:00

Dorothea Lange
Nueva Jersey 1895 - California 1965

Fotógrafa del pueblo.
Así constaba en su tarjeta de visita.

La Fotógrafa del pueblo, como ella misma hacía constar en su tarjeta de visita, fue una de las iniciadoras del documentalismo social y pionera en el reportaje.

Dorothea Lange, nace en Hoboken (Nueva Jersey - USA) en el año 1895 y fallece en San Francisco (California – USA) en el año 1965.

Con tan solo siete años contrae la poliomielitis, enfermedad que le daña el desarrollo de la pierna derecha, mancándola este hecho de por vida.

En 1917 estudia en la Clarence White School (Nueva York), de marcada tendencia pictoralista.[1] Aunque las verdaderas señas de identidad de su trabajo se las proporciona su faceta como reportera, que comenzaría a ejercer dos años más tarde, en 1919 cuando abre un estudio en San Francisco.

Antes de ello, en el año 1918, se dedica a dar la vuelta al mundo. Afición que compaginará con su trabajo de reportera más adelante.

En 1920 se casa con su primer marido, el pintor Maynard Dixon, con quien tiene dos hijos.

En Taos, México conoce a Paul Strand, quien tendrá una cierta influencia en su trabajo. También establece relación con Imogen Cunninghan, quien junto con Margrette Mather y Laura Gilpin son exponentes de un pictorismo moderno e híbrido en el que confluyen las atrevidas formas de la modernidad y del esteticismo hermético y la suavidad atmosférica del pictorismo.

Posiblemente influenciada por sus frecuentes contactos, a partir de 1933, con el grupo f/64 (también llamado 64f) empieza a reflejar su entorno mediante documentos fotográficos de las condiciones laborales de la época, dedicando especial interés en captar a los más afectados por la grande presión norteamericana de los años 30.

En 1934 ofrece su primera exposición, en al gal

ería de Willard Van Dike. Y un año más tarde trasladará su residencia a Carlifornia, Berkey, tras casarse con Paul Taylor.

Desde el año 1935 al 40 estuvo trabajando para la administración de Franklin Delano Roosbelt, mediante su programa de recuperación económica, el New Deal y sobretodo mediante la Farm Security Admnistration (FSA), cuya sección fotográfica fue mucho más allá de dejar constancia de las actividades de esta y constituyó un impresionante archivo gráfico que abarcaba todos los aspectos de la vida en el campo.

En esta época es cuando Lange prepara junto a su marido “A American Exodus, A Record of Human Erosión”. Libro, editado en 1939, donde se combinan junto a las fotografías textos que ofrecen un análisis del fenómeno migratorio así como microfilms donde se recogen fragmentos de conversaciones escuchadas en el momento en que se tomaba la fotografía.

A mediados de los años 40 Lange que había sido contratada para documentar a los japoneses-americanos en los campamentos es censurada por parte de Autoridad de Reubicación de la Guerra, al mostrar los campos de internamiento de los americanos de origen japonés.

A partir de esta fecha empieza a tener problemas relacionados con su salud, hecho que determina que su objetivo fotográfico se vuelque hacía temas cercanos como su familia.

En la década de los 50, mientras su estado de salud se lo permitió, realizó diversos trabajos para revistas en América Latina, Así y África, así como un estudio sobre el sistema judicial californiano.

A partir de 1964, tras tener conocimiento de que padece un cáncer, se dedica a lo que sería sus dos últimos proyectos: organizar una retrospectiva de su obra en el MOMA y ha documentar su vida. Mediante estos escritos que recogió explica su ideario fotográfico, su forma y manera

de ver, percibir y vivir la fotografía. En ellos se autodescribe como una fotógrafa totalmente purista y defensora de la fotografía directa, objetiva y sin pasar por ningún tipo de manipulación
Lange que no sufría las limitaciones de las grandes y pesadas cámaras fotográficas, comentó:

El 11 de octubre de 1965 fallece en San Francisco.

El verdadero éxito de la obra de Dorothea Lange no se da hasta el año 1972, cuando el Museo de Whitney incorpora 27 obras en la exposición “Executive Order 9066” destinada a mostrar el

internamiento japonés. El entonces crítico del New York Times, A.D. Coleman, describió las fotografías de Lange como: “documentos de tan alto nivel que compenetran los sentimientos de las víctimas y también los hechos del crimen.”

Lange dejó aproximadamente 25,000 negativos que ahora son parte trascendente de la historia de Estados Unidos

Biografía: Joaquín Sorolla y Bástida

2009-06-18T02:11:00.010-04:00

Biografía: Joaquín Sorolla y Bástida
Joaquín Sorolla y Bástida supo captar la luz del Mediterráneo de forma única. Nace en Valencia en 1863, en el seno de una familia modesta. A los dos años queda huérfano y es recogido por sus tíos maternos. Los estudios no le llaman la atención, sintiendo gran inclinación por el dibujo y la pintura. El director de la escuela aconseja que el pequeño Joaquín sea matriculado en la Escuela de Artesanos, donde asiste a las clases nocturnas de dibujo del escultor Cayetano Capuz. En los años siguientes trabajará como cerrajero y coloreando fotografías mientras asiste a las clases en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. Una visita en 1881 al Museo del Prado provoca su admiración por Velázquez, Ribera y El Greco. Su carrera artística empieza a cosechar premios y medallas, obteniendo una pensión para estudiar en Roma y París. Contrae matrimonio con Clotilde García del Castillo en 1888, con quien tendrá tres hijos. Los premios son cada vez más importantes, obteniendo una Medalla de Primera Clase en 1895 con Aún dicen que el pescado es caro, obra con la que participa en el realismo social tan en boga aquellos años. Poco a poco alcanza su madurez artística, realizando en Madrid un importante número de retratos - como los de Aureliano de Beruete o María Guerrero - con los que obtiene el reconocimiento en la capital de España y en París. Su fama internacional llegará con las exposiciones de París (1906) y Nueva York (1909), en las que alcanza un importante éxito de ventas y de crítica. Su estilo luminista es admirado por todos. La luz valenciana, las gentes del pueblo y sus actividades protagonizarán sus cuadros, en los que la luz y el color - aplicado con largas pinceladas - serán los elementos principales, como bien se aprecia en Niños en la playa. Su obra más importante la realiza para la Hispanic Society de Nueva York, donde decora las paredes con paneles de temática regional española. Trabajará sin descanso en este encargo entre 1912 y 1919, constituido por catorce paneles por los que recibió 150.000 dólares. En estas obras se dejó los últimos años de su vida ya que al finalizar, sufrió un ataque de hemiplejía en su casa de Madrid (17-VI-1920) falleciendo tres años después en su hotelito de Cercedilla, en la sierra de Guadarrama, sin apenas disfrutar del nombramiento como profesor de colorido y composición en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid (septiembre de 1919), ni de la inauguración de su obra maestra en Nueva York, tres años después de su muerte
Pintor español vinculado al impresionismo, del que hace una interpretación personal basada en el protagonismo absoluto de la luz y de la plasmación del movimiento de las figuras. Nació en Valencia el 28 de febrero de 1863. Inició su aprendizaje artístico en 1877 con el escultor Cayetano Capuz para después formarse en la Academia de Bellas Artes de San Carlos. Desde su juventud se interesó también por la pintura al aire libre (en plein air), con la que trataba de captar la luminosidad mediterránea, tanto en la huerta valenciana como en la playa, al igual que hacían por entonces los impresionistas franceses. Completó su educación en París y Roma y, tras volver a España en 1890, se afincó en Madrid, donde empezó una trayectoria profesional jalonada de éxitos, premios e importantes encargos: primera Medalla Nacional de Bellas Artes en 1892 y 1895, y el Gran Prix de la Exposición de París de 1900, entre otros muchos reconocimientos. Por estos años pintó obras de crítica social, como Y aún dicen que el pescado es caro (1894, Museo del Prado), que le otorgaron un cierto prestigio en Madrid y París. Su popularidad se extendió por toda Europa, realizando exposiciones en París (1906), Berlín y Colonia (1907) y Londres (1908), para después exhibir sus cuadros en varias ciudades de Estados Unidos. El éxito en Nueva York le proporcionó un importante encargo: la decoración de la sala principal de la Hispanic Society of America, presidida por Archer Milton Huntington, formada por catorce grandes paneles dedicados a representar las gentes y costumbres de las diversas regiones de España. Elegido académico de Bellas Artes de San Fernando en 1914, cayó gravemente enfermo en 1920 y murió el 10 de agosto de 1923. Artista de ingente producción, cuya pintura reflejó fielmente las circunstancias históricas y las contradicciones de un fin de siglo en crisis. Sus contactos con el mundo europeo le permitieron superar pronto valores y temáticas tradicionales para vincularse a los nuevos procesos de creación. La pintura en plein air de los impresionistas influye en su estilo, que, sin el interés científico de los franceses, puede considerarse como un realismo a plena luz. Relevante retratista, Aureliano de Beruete (1902, Museo del Prado, Casón del Buen Retiro). Entre sus temas preferidos destaca, no obstante, su dedicación al paisaje levantino, de ambiente costero, siempre con presencia humana, que plasma con un protagonismo absoluto de la luz, que hace vibrar los colores y marca el movimiento de las figuras: Niños en la playa (1910, Museo del Prado), Paseo a orillas del mar (1909) y El baño del caballo (1909, Museo Sorolla, Madrid).

Julio Romero de Torres - Pintor Español (Córdoba, 1880 - 1930)

2009-06-07T03:36:00.008-04:00

Julio Romero de Torres

(Córdoba, 1880 - 1930) Pintor español. Era hijo del pintor y maestro andaluz Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de Córdoba, quien le inició en el sendero de la pintura desde muy temprana edad. Así, ya en 1907 pudo concurrir el joven Julio Romero de Torres a la exposición de pintores independientes celebrada en el Círculo de Bellas Artes (Madrid).
El realismo melodramático de sus primeras composiciones (como Conciencia tranquila o Vividoras del amor) no parecía preludiar el estilo personal, tan marcado y característico, que luego sacó a relucir en su obra de madurez. En efecto, a raíz del lienzo titulado Musa gitana -que obtuvo el Primer Premio en una Exposición Nacional celebrada en Madrid-, el pintor cordobés adoptó una línea nacionalista y folclórica, atenta a los tópicos meridionales y centrada, principalmente, en el retrato de la mujer andaluza. Se trata de un estilo en el que predomina la mezcla del retrato realista con un cierto aire idealista que sitúa a sus figuras en un vago halo intemporal, como si pretendiera hacer de las características físicas de la mujer andaluza un arquetipo universal de la belleza femenina.
Aupado por los cánones modernistas vigentes en su tiempo, logró éxitos -no exentos de una virulenta controversia crítica que siempre acompañó al enjuiciamiento artístico de su pintura- en varias exposiciones nacionales e internacionales, como las realizadas en Barcelona (1911), en Madrid (1912) y en Munich (1913). Pero lo cierto es que en su tiempo fue aclamado por pintores, escritores y contempladores de su obra, quienes celebraban la exaltación de los tópicos nacionalistas difundidos por la obra de Romero de Torres; para probarlo, baste con recordar que las monografías de su pintura y los catálogos de sus exposiciones venían autorizados por comentarios elogiosos de autores como Jacinto Benavente, Ramón María del Valle Inclán, Gregorio Martínez Sierra o Santiago Rusiñol.

Abanderado de un romanticismo ciertamente trasnochado en la actualidad, pero muy del gusto de la gente de su tiempo, Julio Romero de Torres resolvió en cada uno de sus cuadros un problema planteado en forma de copla andaluza, lance de toreo o episodio de romancero gitano. Hizo, además, especial hincapié en los sentimientos trágicos y legendarios propios de la religiosidad y la cultura de sus paisanos, lo que explica la inmensa popularidad de que gozó tanto en vida como muchos años después de haber desaparecido.
Los hogares más populares de la España rural exhibieron durante mucho tiempo reproducciones de las principales obras de Romero de Torres, casi siempre decorando las extensas páginas de unos enormes almanaques. Su recuerdo quedó vivo, además, en coplas y tonadillas folclóricas, y se hizo presente durante algún tiempo en las ilustraciones de sellos y papel moneda. En la actualidad, una buen parte de su obra -bastante desprestigiada por la crítica moderna- puede contemplarse en la Casa Museo que la ciudad de Córdoba ha dedicado a uno de sus artistas más universales.

Diego de Silva Velázquez - Sevilla, 1599 - Madrid, 1660

2009-05-21T13:26:00.016-04:00

Maestro sin par del arte pictórico, el sevillano Diego Velázquez adornó su carácter con una discreción, reserva y serenidad tal que, si bien mucho se puede decir y se ha dicho sobre su obra, poco se sabe y probablemente nunca se sabrá más sobre su psicología. Joven disciplinado y concienzudo, no debieron de gustarle demasiado las bofetadas con que salpimentaba sus enseñanzas el maestro pintor Herrera el Viejo, con quien al parecer pasó una breve temporada, antes de adscribirse, a los doce años, al taller de ese modesto pintor y excelente persona que fuera Francisco Pacheco. De él provienen las primeras noticias, al tiempo que los primeros encomios, del que sería el mayor pintor barroco español y, sin duda, uno de los más grandes artistas del mundo en cualquier edad.

Diego Velázquez fue hijo primogénito de un hidalgo no demasiado rico perteneciente a una familia oriunda de Portugal, tal vez de Oporto, aunque ya nacido en Sevilla, llamado Juan Rodríguez, y de Jerónima Velázquez, también mujer de abolengo pero escasa de patrimonio. En el día de su bautismo, Juan echó las campanas al vuelo (previo pago de una módica suma al sacristán), convidó luego a los allegados a clarete y a tortas de San Juan de Alfarache y entretuvo a la chiquillería vitoreante con monedas de poco monto que arrojó por la ventana. No le había de defraudar este dispendio y estos festejos el vástago recién llegado, que se mostró dócil a los deseos paternos durante su infancia e ingresó en el taller de Francisco Pacheco sin rechistar.

El muchacho dio pruebas precocísimas de su maña como dibujante y aprendía tan vertiginosamente el sutil arte de los colores que el bueno de Pacheco no osó torcer su genio y lo condujo con suavidad por donde la inspiración del joven lo llevaba. Entre maestro y discípulo se estrechó desde entonces una firme amistad basada en la admiración y en el razonable orgullo de Pacheco y en la gratitud del despierto muchacho. Estos lazos terminaron de anudarse cuando el viejo pintor se determinó a otorgar la mano de su hija Juana a su aventajado alumno de diecinueve años.
Sobre las razones que le decidieron a favorecer este matrimonio escribe Pacheco: "Después de cinco años de educación y enseñanza le casé con mi hija, movido por su virtud, limpieza, y buenas partes, y de las esperanzas de su natural y grande ingenio. Y porque es mayor la honra de maestro que la de suegro, ha sido justo estorbar el atrevimiento de alguno que se quiere atribuir esta gloria, quitándome la corona de mis postreros años. No tengo por mengua aventajarse el maestro al discípulo, ni perdió Leonardo de Vinci por tener a Rafael por discípulo, ni Jorge de Castelfranco a Tiziano, ni Platón a Aristóteles, pues no le quitó el nombre de divino."
A la conquista de la corte
Pronto se le hizo pequeña Sevilla a Velázquez e intentó ganar una colocación en la corte, donde se había instalado recientemente Felipe IV, rey de pocas luces diplomáticas aunque muy aficionado a las artes y que con el tiempo llegaría a sentir por el pintor una gran devoción y hasta una rara necesidad de su compañía. En su primer viaje a Madrid no tuvo suerte, pues tenía menester de muchas recomendaciones para acceder a palacio y se volvió a su tierra natal sin haber cosechado el menor éxito. Hubiera sido una verdadera lástima que su protector y suegro no le hubiese encarecido y animado a intentarlo de nuevo al año siguiente, porque de otro modo el prometedor Diego hubiera quedado confinado en un ambiente excesivamente provinciano, ajeno a los nuevos aires que circulaban por los ambientes cosmopolitas de las cortes de Europa.
En Sevilla, durante lo que se ha dado en llamar, con artificio erudito de historiador, su primera época (aunque la obra de Velázquez es el resultado de una búsqueda incesante), su estilo sigue al de los manieristas y los estudiosos del arte veneciano, como Juan de Roelas, pero adoptando los claroscuros impresionantes de Caravaggio, bien que esta última influencia haya sido discutida. No obstante, Velázquez se decantará pronto por un realismo barroco, seguido igualmente por Zurbarán o Alonso Cano, audaz y estremecido, grave y lleno de contrastes.

Dicho realismo, en su vertiente más popular, había sido frecuentado por la literatura de la época y ese mismo aire de novela picaresca aparece en los Almuerzos que guardan los museos de Leningrado y Budapest, así como en Tres músicos, donde, sin embargo, desaparece el humor para concentrarse el tema en la descripción de la maltrecha dignidad de sus protagonistas. Más curioso es aún cómo, también por aquella época, utiliza los encargos de asuntos religiosos para arrimar el ascua a su sardina y, dejando en un fondo remoto el episodio que da título al cuadro, pasan a un primer plano de la representación rudos personajes del pueblo y minuciosos bodegones donde se acumulan los objetos de la pobre vida cotidiana. Es el caso de Cristo en casa de Marta y María, cuadro en el que adquiere plena relevancia la cocina y sus habitantes, el pescado, las vasijas, los elementos más humildes.
El Museo del Prado guarda igualmente pinturas del período sevillano, como el espléndido lienzo La adoración de los Reyes Magos, fechado en 1619, poco después de su matrimonio y de que Juana le diese descendencia, y donde se ha querido ver, sobre todo en los rasgos infantiles del Niño Jesús, un homenaje a su familia y un hálito de la felicidad del flamante padre. Es seguro, por lo demás, que los Reyes Magos son auténticos retratos, no idealizaciones más o menos convencionales, y en ello se revela también la verdadera vocación de quien sería el más grande retratista de su tiempo. En su segunda intentona en Madrid, ya convenientemente pertrechado de avales, recibió Velázquez las mercedes y favores del conde duque de Olivares, quien le consiguió su gran oportunidad al recomendarle para que hiciera un retrato del nuevo monarca.
Felipe IV quedó tan complacido por esta obra que inmediatamente lo nombró pintor de la corte, obligando a Velázquez a trasladar su residencia a la capital y a vivir en el Palacio Real. En sus primeros años madrileños el artista fue sustituyendo sus característicos tonos terrosos por una insólita gama de grises que con el tiempo sería su recurso más admirable y un vivo exponente de su genio sutil.

Hacia 1629 pinta Velázquez su primer gran cuadro de tema mitológico, llamado Los borrachos porque el asunto dedicado a Baco se convierte en sus manos en una estampa de las francachelas populares de la época; al año siguiente llega a Madrid Rubens, con quien mantuvo una buena y leal amistad; Rubens le recomienda que no deje de visitar Italia, donde su arte podrá depurarse y ennoblecerse. Empeñado desde entonces en ello, consigue, tras mucho insistir, licencia del rey y, saliendo del puerto de Barcelona, desembarca en Génova en 1629. Visita Verona, Ferrara, Loreto, Bolonia, Nápoles y Roma, sin apenas pintar nada, pero estudiándolo todo, memorizando gamas de colores, audaces composiciones, raras atmósferas, luces insólitas.
Probablemente entonces, aunque hay quien sostiene que fue en su segundo viaje a Roma, pinta las maravillosas Vistas del jardín de la Villa Médicis en Roma. En estos deliciosos parajes vivió el español gracias a la recomendación de su embajador y, allí, al aire libre, tomó sus apuntes geniales. Son, en realidad, paisajes románticos, melancólicos, intemporales, casi impresionistas por su libertad de trazo, pese a ser en más de dos siglos anteriores a los cuadros de ese estilo, y quizás aún más perfectos en la captura del instante luminoso huidizo, del aire limpio y quieto apresado por la tupida vegetación y la escenográfica arquitectura. Y lo más asombroso es que estas imágenes que hoy conserva el Museo del Prado, inolvidables cuando se han visto una sola vez, fueron pintadas como al desgaire, como ejercicio ocioso y gratuito, sobre pequeños lienzos que no alcanzan el medio metro de alto y poco menos de ancho, pero que resumen, con impecable evidencia, la suprema sabiduría alcanzada en aquellos años por Velázquez.
Bien es cierto que, a su regreso a España, realizó obras de mayor envergadura y empaque, como La rendición de Breda, también conocida por Las lanzas, pero en esta pintura de compromiso, terminada en 1635 para el Salón de los Reinos en el recién inaugurado Palacio del Buen Retiro, también conmueve más lo anecdótico que la pomposa rememoración del pasado triunfo de un predecesor de Felipe IV.

Durante los años treinta y cuarenta del siglo fue Velázquez el pintor no sólo de su abúlico rey, sino de las "sabandijas de palacio", de los bufones y el Niño de Vallecas, y después de su segundo viaje a Italia para comprar obras de arte en nombre de Su Majestad, su paleta produjo tres obras maestras insuperables y sumamente conocidas. La Venus del espejo, conservada encomo El Bobo de Coria, Diego de Acedo el Primo la National Gallery de Londres, es célebre por ser uno de los pocos desnudos de autor español de la época que se han conservado, aunque se le supongan hasta tres más al pintor sevillano, para el cual tal vez sirviera de modelo la escandalosa y bella actriz Damiana, amante del alocado marqués de Heliche.
Para la realización de Las Hilanderas, radicada actualmente en el Museo del Prado, Velázquez plantó su caballete en la Fábrica de Tapices de la calle de Santa Isabel de Madrid. La representación del momento irrepetible de las mujeres alrededor de la rueca giratoria hizo pronto olvidar que se trataba de un tema mitológico (la fábula de Palas y Aracne) creyéndose desde antiguo que se trataba de un cuadro de género.

De entre los retratos que realizó de la familia real, hay uno que goza de inmensa fama, y se ha convertido en el paradigma de la obra del pintor: Velázquez y la familia real o Las Meninas. Este cuadro, que ha dado lugar a multitud de interpretaciones, tiene como marco espacial la habitación más importante del apartamento del palacio Real en el que vivía el pintor. En la obra aparece el mismo Velázquez frente al caballete con la cruz de la Orden de Santiago, aunque la distinción fue añadida después a su muerte por orden del rey, ya que Velázquez todavía no la había recibido cuando pintó el cuadro.
En el fondo de la habitación, un espejo refleja la imagen del rey y de la reina; en el centro aparece la infanta Margarita acompañada por dos doncellas reales, y a la derecha del cuadro, en primer plano, figuran la enana Mari-Bárbola y el enano Nicolás de Pertusato, que intenta despertar con el pie a un mastín tumbado en el suelo. Detrás de este grupo hay dos figuras y finalmente, al lado de la escalera, vemos al mayordomo de la reina.

La composición es de una gran complejidad y constituye un extraordinario ejemplo de pintura de una pintura: los reyes se representan indirectamente, vistos a través de un espejo, mientras que por lo que respecta a los protagonistas de la obra, la infanta y sus acompañantes, no se sabe si son el tema del cuadro en que está trabajando Velázquez o bien si están mirando pintar al artista. Por último, el espectador se siente incluido en el espacio del cuadro, ya que el espejo con las imágenes de los reyes le hace suponer que están contemplando la misma escena que él pero a sus espaldas. Dicho de otro modo, el espectador ocupa ilusoriamente el lugar de los retratados, el lugar de los reyes, y este hecho ha dado pábulo a incesantes especulaciones. Desde el punto de vista de la factura, es una obra de prodigiosa ejecución, incluso dentro de la pintura del artista. Las pinceladas son como toques de luz que modelan los vestidos y los cuerpos, dotándolos de una gran vivacidad.
Por empeño personal de Felipe IV, Velázquez recibiría, un año antes de morir en Madrid el 6 de agosto de 1660, la preciada distinción de caballero de la Orden de Santiago, un honor no concedido nunca ni antes ni después a pintor alguno. Y aunque, al demoler la iglesia, nadie recordaba que sus restos habían sido sepultados en la Parroquia de San Juan Bautista, cuando en 1990 se organizó una magna retrospectiva de su obra en el Museo del Prado, miles y miles de personas llegadas de todos los puntos cardinales afluyeron incesantemente para reír el gesto idiota del bufón Calabacillas, admirar la pincelada que plasma el vestido de una infanta, interrogar la estampa ecuestre del conde duque de Olivares y respirar el aire penumbroso del siglo XVII aquietado e inmortalizado en los cuadros de Velázquez.

Británico Antonio Salas Díaz

2009-05-13T17:29:00.008-04:00

Nace en Caracas el 8.5.1887
Muere en Caracas el 18.3.1974
Conocido pintor de temas históricos, en opinión de Arturo Uslar Pietri su virtud como artista plástico ha sido pintar para enseñar la historia. Su verdadero nombre era Británico Antonio Salas Díaz. Sus padre José Antonio Salas, fue uno de los primeros comerciantes que establecieron en Venezuela una industria cervecera. Los estudios de pintura los inició en la Academia de Bellas Artes de Caracas. Luego de obtener el primer lugar del certamen anual de dicha Academia (1901), viaja a París en 1905 para inscribirse en la Academia Julian donde tuvo como maestro a Jean Paul Laurens. Durante este tiempo asiste también a la escuela de La Grande Chaumière donde recibió clases de los pintores Lucien Simon, Courtois y Prinet. Ese mismo año, envía una obra al Salón Oficial de París. En 1906, obtuvo una medalla de oro por su composición La San Genaro. En este período viaja a Italia, donde es impactado por la obra de los pintores Tiépolo, Tintoretto, Tiziano, sobre todo, por el género histórico cultivado por estos maestros.
Entre 1907 y 1908, viaja a España, donde pinta una serie de obras basadas en la observación de escenas y costumbres del país. En 1908, obtiene la medalla de oro de la Exposición de Bruselas. Retorna a Venezuela en 1911 y trae consigo el tríptico de Simón Bolivar que se encuentra actualmente en el Palacio Federal. El historiador Vicente Lecuna, encargado de asesorar los trabajos de restauración de la Casa Natal de Bolívar, le encomienda a Tito Salas la labor de decorar los muros del inmueble con algunas escenas de la vida del Libertador (1913). En este lapso, Salas elabora entre otras, las siguientes pinturas: La emigración a Oriente, El Matrimonio de Bolívar y María Teresa, La Expedición de los Cayos, El terremoto de 1812. Una vez culminado su trabajo en la casa natal (1931), Salas recibe el encargo de los murales del Panteón Nacional, los cuales termina en 1942. Aunque su obra como pintor de temas históricos ha opacado su trabajo como paisajista, no se debe olvidar que Salas destaca entre los artista que han contribuyeron a desarrollar la tradición del arte moderno en Venezuela a partir de 1900. Hacia el fin de su vida, retirado en su casa colonial de Petare trabajó intensamente en obras de mediano y pequeño formato. En 1970, poco antes de su muerte, Salas pintó para la residencia presidencial «La Casona», en Caracas, una obra titulada Los Causahabientes, que representa en un conjunto a los presidentes de la República de Venezuela que gobernaron durante el siglo XIX.

Antonio Berni Pintor Argentino 19905-1981

2009-05-06T10:30:00.003-04:00

Antonio Berni nació en Rosario en 1905 y murió en Buenos Aires en 1981. Durante sesenta años se dedicó a la pintura convirtiéndose en uno de los artistas más importantes de la Argentina y de América latina. Fue pintor, grabador, dibujante, muralista, ilustrador, realizó objetos e instalaciones.
Sus padres eran de origen italiano y habían llegado a la Argentina junto con otros miles de inmigrantes. Berni fue un niño prodigio que a los catorce años presentó su primera exposición. Dedicado a pintar paisajes y retratos, realiza tres exposiciones consecutivas y la crítica escribe con entusiasmo sobre sus trabajos. En 1923 expone por primera vez en Buenos Aires y en 1924 comienza sus envíos de obras al Salón Nacional de Bellas Artes que era entonces el concurso público más importante que había en el país para pintores y escultores. Para los artistas argentinos, desde fines del siglo XIX, era fundamental, después de estudiar en la Argentina, perfeccionar el oficio viviendo durante algún tiempo en París o Roma. Se trataba de completar lo aprendido en nuestro país y establecer contacto con lo que pasaba en otras partes del mundo.
En 1925, el Jockey Club de Rosario le otorgó al joven Berni una beca para estudiar en Europa. Se instaló en París y algunos viajes por España, Italia, Holanda y Bélgica le permitieron conocer museos, artistas y obras de la historia del arte que van influenciando sus trabajos. Por ejemplo, en Italia estudia a los maestros del Renacimiento del siglo XV y viaja por ciudades como Florencia visitando sus iglesias, palacios y museos.
Berni inquieto va encontrando constantemente estímulos para sus propias obras. Durante los cinco años que vive en París frecuenta la bohemia intelectual de la ciudad y conoce escritores, poetas, cineastas, políticos, filósofos y artistas de diferentes países que coinciden en la capital francesa. Eran años de fuertes transformaciones culturales después de la Ptimera Guerra Mundial; de la revolución Rusa, de la difusión del socialismo; había aparecido el psicoanálisis y en el campo de la ciencia se presentaban nuevas teorías. Los artistas desde la primera década del siglo,. habían revolucionado el campo del arte con propuestas que se alejaban de la pintura tradicional preocupada por representar la realidad tal cual la vemos con nuestros ojos. Nuevos grupos y movimientos que reciben el nombre de vanguardias, proponen
lenguajes diferentes. El mundo cambia y la función y los problemas del arte también. Bemi asistía a todo aquello atento, junto con otros artistas argentinos que vivían entonces en Europa como Raquel Fomer, Alfredo Bigatti, Horacio Butler y Lino Enea Spilimbergo, uno de sus amigos más cercanos.

El principal descubrimiehto para Berni en esos años fue la relación entre el arte y la política, el rol del artista como hombre de su tiempo y como actor social. Berni se acerca al comunismo y desde su interés por la política asume el compromiso de reflejar en sus cuadros la realidad del mundo que le toca vivir. Desde entonces, para él, la pintura será su manera de reflexionar sobre la realidad y de intentar transformar el mundo marginal de los trabajadores.

Al mismo tiempo, conoce una de las vanguardias artísticas más importantes de aquel momento: el surrealismo, y adhiere durante algunos años a sus postulados. Los surrealistas buscan liberar la imaginación y las fuerzas del inconsciente como en los sueños; tratan de expresar la vida interior del artista sin que intervenga la razón y sus
imágenes, en lugar de ser similares a la realidad, son lo más inconexas posibles entre sí. Ellos reúnen imágenes imposibles de ver juntas en la realidad y alteran los tamaños de los objetos y los ponen en escenarios en los que nosotros, espectadores, no podemos encontrar explicaciones racionales. Por ejemplo, en elóleo de Berni "La puerta abierta", el muro, la puerta, la llave y el alfiler de ganchos gigantescos, los cubos de colores, la cerradura fuera de lugar, el timbre y la letra "T", todas son piezas de un rompecabezas misterioso para inventar historias.
En 1930, Berni regresa a Rosario, junto con su mujer, la artista francesa Paule Cazenave y su hija Lilí. Sigue pintando, exponiendo y participando de los salones de bellas artes y trabaja como empleado en la municipalidad.

Son años muy difíciles en el mundo después de la caída del sistema financiero, conocido como la crack de 1929, y en la Argentina el golpe militar de 1930 había derrocado el gobierno constitucional de Hipólito Yrigoyen. Las.huelgas, la creación de la Central Obrera, la desocupación, el fraude electoral, el avance del fascismo y las persecuciones políticas marcaron el contexto en el que la pintura de Berni se transforma. Su imagen surrealista cambia en cuadros de grandes dimensiones con multitudes de obreros y campesinos, extremadamente realistas en sus descripciones. Berni está utilizando la fotografía como documento para tomar las poses y los retratos de sus personajes. Berni escribe sobre el Nuevo Realismo, una pintura que debe reinterpretar la realidad social, política y económica de nuestro tiempo. En 1934 pinta sobre arpillera y con témpera "Desocupación" y "Manifestación".
Esta responsabilidad del artista como protagonista de su época es una posición que Berni comparte con otros artistas de Latinoamérica, especialmente con los famosos muralistas mexicanos. Precisamente, en 1933 llega de visita a la Argentina uno de ellos, David Alfaro Siqueiros, con quien Berni trabaja y discute sobre la función del arte en la revolución de las clases populares.
Desde 1936, el artista vive en Buenos Aires y, en los próximos años, obtiene algunos de los ptincipales premios de su carrera, como el Premio Adquisición en el Salón Nacional de Bellas Artes de 1943. Al mismo tiempo está dando clases en la Escuela Preparatoria de Bellas Artes, realiza exposiciones, participa de muestras argentinas en el exterior, da conferencias y escribe artículos, recorre el país y viaja por América latina, pinta murales en el Teatro del Pueblo, la Sociedad Hebraica Argentina y la conocida cúpula de las Galerías Pacífico.

En esos años trabaja con temas populares como el "Mercado de Jujuy", el equipo de fútbol del barrio en el "Club Atlético Nueva Chicago" y la orquesta de tango en "Orquesta típica". Berni construye escenas características de las diferentes regiones y culturas de la Argentina. La vida en las ciudades y la vida en el campo, los barrios de Buenos Aires
y la realidad de las provincias. Su compromiso político se manifiesta también en las pinturas realizadas en Santiago del Estero y el Chaco, sobre los obrajes, los peones industriales y los cosecheros golondrinas. En 1950, Bemi se separa de Paule y se casa con Nélida Gerino y en 1952 nace su segundo hijo José Antonio.

Desde principios de los años sesenta, Antonio Bemi trabaja en una serie nueva. Las obras dedicadas a Juanito L.aguna y Ramona Montiel, dos personajes inventados por él para utilizarlos como símbolos de la niñez explotada en América latina, especial-mente en las grandes ciudades como Buenos Aires, Lima, Río de Janeiro y México.
Se trata de dos habitantes de las villas miserias, esos asentamientos suburbanos surgidos alrededor de los centros industriales en los países en de-sarrollo, con sus casas precarias y sus habitantes sumergidos en la pobreza y el desamparo.
Juanito Laguna es un niño que vive en una de esas villas miserias y Berni pinta su vida cotidiana, sus juegos, su familia: Juanito mirando la televisión, Juanito remontando su barrilete, Juanito en la laguna, Juanito en navidad, Juanito yendo a la ciudad, Juanito llevándole la comida a su padre obrero metalúrgico. Ramona Montiel es la chica de la villa miseria convertida en prostituta para poder sobrevivir; Ramona aparece rodeada de los hombres que la explotan, Ramona como costurera, Ramona trabajando en el cabaret, Ramona y la adivina, Ramona y su casamiento.
Ramona esperando en la Panamericana.

Para estas obras Berni utiliza una técnica inventada a principios de siglo: el collage, el agregado a la pintura de materiales reales que son pegados sobre el cuadro. El artista utiliza un abundante collage transformando sus imágenes en superficies cargadas de elementos como latas, plásticos, hierros, maderas, telas, zapatos, juguetes, papeles, señales de tránsito, etc. La idea es incorporar los desechos que el artista recolecta en los barrios marginales de Buenos Aires donde podrían vivir Juanito y Ramona. Los cuadros y sus personajes están construídos con los mismos materiales reales que se encuentran en las villas. Para Bemi la pintura al óleo no es suficiente para expresar su crítica frente a la sociedad de consumo, es necesario utilizar los objetos reales de la vida de Juanito y de Ramona, llevándolos al ámbito del arte y transformando lo culto y exclusivo del arte en algo cotidiano y popular.
Con su ciclo de Juanito Laguna y Ramona Montiel, Antonio Bemi desarrolló hasta los años ochenta, uno de los capítulos más originales de la historia del arte argentino y concluyó su tarea como uno de los artistas claves de la cultura argentina.

«Yo, Picasso»

2009-04-28T07:46:00.017-04:00

«Yo, Picasso»: genio y chamán
Desde su adiós clama Libertad
El «Guernica»— ese extracto de universo sin palomas
El «Guernica»— ese extracto de sangre, rebeldía y llanto

Cristina Castello

«Yo, Picasso» era su frase favorita. Fue un desesperado por la vida y la arrasó. No tuvo límites. Ni para crear, ni para doblegar. Ni para beberse el arte, el alcohol y los burdeles; ni para encerrarse en silencio, para crear. El 8 de este abril se cumplen los treinta y seis años de su adiós (¿A Dios?). Hoy grita, gime, increpa y resiste desde el «Guernica», su obra maestra. Desde ese cuadro que es historia, que escribió la Historia, y que es emblema de libertad, «Yo, Picasso» sigue alertando a los inocentes de la Tierra. En el corazón de este mundo trémulo, su clamor pictórico y vital tiene hoy, aún más entidad.
Niño prodigio y superdotado; comunista y pacifista, o burgués. Tierno y cruel; amigo y traidor... aquella vez. Aunque ardió en su fuego, salió siempre ileso, él. Calcinaba a los otros. A las otras. Las mujeres eran sus diosas, pero también, «frazadas para limpiar pisos» y «máquinas para sufrir». Sus ojos desorbitaban destinos. Lo rodeó la muerte y lo abrazó la vida, hasta los 91, cuando nos dejó. ¿Quién fue: Eros o Tánatos?
Fue un chamán, un genio; el mayor artista del siglo XX y hasta ahora sin parangón. Pintor, escultor, grabador, dibujante, su obra fue decisiva para el desarrollo del arte, incluso para el diseño gráfico, la ilustración y el cómic. Ganó un dinero incalculable; mientras otros artistas morían de hambre, él vivía en castillos y, cuando sus obras los desbordaban, no los vendía: compraba otros.
Se declaraba pacifista y fue miembro del Partido Comunista Francés, hasta su adiós. Pero si bien la obra del Picasso de los 20 años, refleja el desconsuelo de los excomulgados de la humanidad, el de los cuerpos abismados, y el de los ciegos, después nunca mostró explícitamente un compromiso con el dolor universal. Hasta que el demonio nazi aliado a ese otro amo de los infiernos —el Generalísimo español Francisco Franco— se encaramó en pájaros asesinos. Pájaros-aviones que bombardearon la ciudad vasca de Guernica el 26 de abril de 1937, y la muerte puso huevos en la herida. ¡Oh ruiseñor de sus venas! (García Lorca).
El chamán Picasso reaccionó de inmediato en favor de los republicanos. Henchido de ira y pletórico de arte, pintó el célebre «Guernica».
El «Guernica»— ese extracto de universo sin palomas. El «Guernica»— ese extracto de sangre, rebeldía y llanto, a partir del cual hay un antes y un después. Un antes y un después para la pintura; un antes y un después —o debería haberlos— en las conciencias de quienes miran esos tres metros de alto y ocho de largo, de arte, furia y piedad.
Con esta pintura, nada más —y nada menos—, que está en el Museo «Reina Sofía» de Madrid, hubiera sido suficiente para la gloria del genio.
El «Guernica» es un alegato contra la guerra, contra el terrorismo franquista y contra todo fascismo. La violencia, las madres, las mujeres, la maternidad, la sexualidad, laten en esa obra, como un retrato del espanto. Fragmentos de vidas y muertes, son pequeñas imágenes de la gran imagen de un caos organizado, en la obra suprema que exige Libertad.
De un lenguaje pictórico sorprendente, es el trabajo de un maestro de la composición que revela, a la vez, la mirada inocente de un niño.
Así fue Pablo Picasso. De pequeño pintó como un adulto, y recién en su madurez, recuperó su mirada de infante: «Desde niño pintaba como Rafael, y me llevó toda una vida aprender a dibujar como un niño». Cierto, no es fácil recuperar la inocencia.
Pero nunca estuvo solo para buscar su mirada virgen; un año antes de morir, cuando tenía ya 90, dijo que la muerte fue la única mujer que lo acompañó siempre. Y entonces, las trece diosas «oficiales»que fueron sus frazadas para limpiar pisos y que, sin embargo, lo amaron incluso hasta el suicidio... ¿Qué hicieron?
Animal en celo
Quiso ser libre como el mar, y resultó esclavo de su sed hacia todo y hacia todas. Como un animal en celo, necesitaba de las mujeres, con la misma potencia con que las mimaba primero, y maltrataba después. Se desesperaba por las adolescentes, quería probar toda forma de sexo, ahogarse de pasión para mejor emerger. Si hasta fue sospechado de homosexual por el novelista Norman Mailer. ¡Vaya «delito»!
Después de haber pintado «El picador», en La Coruña a los cuatro años, se enamoró de Carmiña. Él tenía diez octubres; ella es «La niña de los pies descalzos», cuadro que el Maestro conservó hasta su adiós.
Jadeante de deseo y tórrido de delectaciones, de allí en más todos sus amores —¿sabía amar?— se convirtieron en pinturas. Por sus etapas: azul, rosa, cubista, la de cercanía al surrealismo, la expresionista, las de las máscaras africanas —por todas, después de Carmiña— desfilaron muchas de sus mujeres. La cupletista célebre Josefa Sebastiá— «La Chelito»; las que surgieron de aventuras, producto de la frecuentación de cabarés de París, Barcelona y Madrid y más.
Hasta que llegó —le llegó— Fernande Olivier. Con ella convivió en el barrio de Montmartre, en París, pero se escapó del hogar para crear otro con Eva Gouel, a quien llamaba «Ma Jolie» («Mi Linda»).
1917 le regaló a Olga Koklova, bailarina del ballet ruso, al que abandonó por Don Pablo Ruiz Picasso, llamado así hasta que —por rechazo hacia su padre— comenzó a firmar sólo son el apellido de su mamá. Al año siguiente se casaron: la princesa fue la única esposa de Picasso ante la ley; a partir de entonces, se integró la «alta sociedad» y vivió como un burgués. La rusa aristocrática, se había presentado ante él, altiva:
—«Soy Olga Koklova, la sobrina del Zar», tronó como si susurrara, al tiempo que descubría su escote de aguas sediciosas frente al sediento de toda sed.
Bellísima sobre su metro 55 de estatura, en las obras de su esposo apareció como una tonta, empecinada, e insatisfecha. ¿Existe la realidad o existen los ojos que la miran?
El primer hijo de ambos, Paulo, nació tres años más tarde, y ayudó a disimular el fin del amor, que se anunciaba. Con sus monerías infantiles, regocijaba a las arenas de la Costa Azul, al tiempo que la decadencia de la pareja encontraba su apogeo.
Como si su vida hubiera sido un best-seller, la historia del Genio estuvo signada también por la tragedia. Paulo, con quien siempre había sido indiferente, murió de cirrosis y alcohólico; y —por una perversión del destino— su nieto Pablito se suicidó el día de la muerte del artista, pues Jacqueline Roque, su última y dictadora compañera, no lo dejó entrar al funeral. El pequeño bebió cantidades de lavandina, y se fue de la Tierra... ¿Con su abuelo, a Dios?
Picasso había fumado opio en París con Apollinaire, Mirbeau, Lautrec y Modigliani. Buscaban semillas de sueños para sembrar la aurora. Fumaban para soñar. Y como un sueño llegó a su vida Marie-Thérèse Walter, cuando ella tenía 17 años y él 46. Era 1927.
El deseo erótico se sumaba al placer de la aventura; el secreto de los encuentros era absoluto, para evitar problemas con la ley, por la edad de la adolescente. Cuando nació María concepción, Maia, la hija de los dos, Olga fue abandonada. Y también, a su turno, Marie-Thérèse, quien, sin embargo, siguió asistiéndole con devoción: le cortaba las uñas y el pelo y las guardaba, en un orden cronológico estricto, pues él temía que le hicieran brujerías. Escribió a su amado durante treinta años; y finalmente, cuando él murió, se suicidó en la casa de Picasso en la Costa Azul.
Los ojos verdes de la fotógrafa yugoslava Dora Maar, le llegaron de la mano de Paul Éluard y su dulce esposa Nush, quienes los presentaron en un café de París. Corría 1936 y el chamán cayó rendido ante su belleza e inteligencia. Pero... ¿Es que él se rendía ante algo o alguien?
No, también desertó de aquella mirada esmeralda, para tomar de la mano a Françoise Gilot, en 1943, con quien tuvo otros dos hijos: Claude y Paloma.
Dora, brillante y talentosa, había fotografiado toda la etapa del Guernica, mientras sufría escenas de celos, que continuaron después de la separación. Cada vez que él la encontraba con alguna posible pareja, hacía escándalos mayúsculos; para su delirio, cada mujer llevaba la «marca Picasso» y a ella se debía. Dora terminó en un manicomio, y finalmente se hizo profundamente religiosa.
Fue Jacqueline Roque, su última mujer, la única que pudo dominarlo, bueno... apenas; trató de aislarlo de sus amistades, hijos y nietos, lo acompañó hasta el final. Después de la muerte de Picasso en 1973 en Mougins, Francia, se pegó un tiro, pues no encontraba un sentido a la vida, sin él. Están enterrados juntos, en los jardines del Palacio de Vauvenargues, que Picasso había comprado, pero donde nunca había vivido, en la Riviera Francesa. Mientras se comía la vida, sin saberlo, había preparado su propio sepulcro, suntuoso.
El arte a quemarropa
Casi todas sus mujeres escribieron libros sobre él. Pero cuando Françoise Gilot, publicó «Mi Vida Con Picasso», él no quiso ver nunca más a los hijos de ambos, Claude y Paloma. Con la única que se frecuentaba a veces, era con Maia, hija de Marie-Thérèse, se recordará. Ya grande, ella reconoció que su padre hubiera deseado guardar consigo a todas las mujeres; como un coleccionista, las clasificaba por color, forma y espíritu. Como a las mariposas.
¿Cuál de sus mujeres fue la más amada, si es que amó a alguna, más allá del ansia de poseerlas todas? Quizás lo fue la más oculta, la poeta Geneviève Laporte, más de 40 años más joven que él, bella, refinada, sutil. Aparentemente la relación duró un lustro, pero jamás la olvidó. «Nunca podré ser más que tus pinceles /Ser obra de tus manos /Estar dentro de ti», reza un fragmento de alguno de sus poemas para él.
Pero todas le escribieron versos. Y también él escribió, entre cuyos libros, el más conocido es la obra de teatro «El deseo agarrado por la cola». Él lo podía todo. ¿Todo?
El poeta Guillaume Apollinaire lo escuchaba y acompañaba, con el afecto de los amigos verdaderos. Curiosa vida: en 1911 un empleado suyo robó algunas estatuillas del Museo del Louvre y las vendió a Picasso. Apollinaire fue detenido por la policía francesa y el genio fue llamado a declarar. Dijo no conocer en absoluto al poeta. Fue una traición.
¿Y cómo llamar a las expresiones de Joan Miró, cuando, con su esposa Pilar, se enteró de la muerte del gran Maestro? «Pilareta —se alegró— desde ahora el número uno soy yo».
Cada palabra es un autorretrato: aquí, el de Monsieur Miró.
Pablo Picasso dejó un imperio y sus herederos viven en torno de su fortuna; salvo Paloma Ruiz Picasso, hija del pintor y de Françoise, que tiene su propio imperio de fragancias, joyas y bolsos. A ella le correspondieron 30.000 millones de la herencia, es dueña... hasta de rascacielos y, con su hermano Claude, compraron la isla Petalious en Grecia, a la cual casi no van. Amaba a su papá: le importaba su inteligencia y su bohemia; ríe cuando cuenta que —ante ciertos gastos— le escuchaba siempre la misma respuesta: «¿Crees que eres la hija de Rockefeller?».
Picasso, ¿Eros, Tánatos, o ambos? Quizá ninguno. Picasso era un genio, y a los genios no se los suele medir con la misma vara que a todos. Tienen la «pasión del Absoluto», de la que escribió Louis Aragon, aunque no se refería a ellos. Son seres para quienes nada es suficientemente «algo».
Aunque tengan una vida social activa, están aislados. Necesitan encontrar-se en la soledad, su único lugar posible. ¿Saben amar? El arte es un amante tan exigente que quiere al hombre todo entero, según Miguel Ángel Buonarroti. «Nunca podré ser más que tus pinceles», había comprendido sabiamente Geneviève.
¿Hay un lugar cierto para alguien más, en la vida de un genio o de un artista? No, salvo si ese alguien sólo acompaña como una «frazada para limpiar pisos»; o si es capaz de no perder su propia libertad interior y de conservar su propio mundo, en lugar de subordinarse al genio y dedicarse a la ceremonia de su adoración. Una de las pocas excepciones fue la conducta de Johann Sebastian Bach, quien tuvo una cotidianidad aparentemente normal. No hay muchas más.
Aunque transiten las sombras, ellos tienen gula de luz. Tienen furia de hurgar en sus propias ventanas, hacia adentro, para encontrar ese nido celeste. Esa parte de Infinito que justifica y explica el arte, para de vivir entre el cielo y la tierra con aspiración de eternidad.
El mundo es hoy una boa devoradora de vidas. Pueda Picasso, pueda el «Guernica» estremecer otra vez el corazón del hombre. Y que la Justicia «rompa sus andrajos grotescos de farándula, se escape de la pista, se meta por la puerta falsa, donde los mercaderes del mundo dirigen los destinos del hombre, y esa Justicia, pida la palabra» (León Felipe).

Vassili Kandinsky 1866-1944

2009-04-20T05:20:00.011-04:00

Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944 Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

Colecciones privadas dejan inaccesible a los ciudadanos valiosas obras. Avaros del arte arrebatan al mundo las obras más importantes de la humanidad.

2009-04-13T15:14:00.009-04:00

Colecciones privadas dejan inaccesible a los ciudadanos valiosas obras Avaros del arte arrebatan al mundo las obras más importantes de la humanidad.

Mónica Mateos-Vega

La avaricia es la responsable de que muchas de las obras de arte más importantes de la historia de la humanidad sean inaccesibles a los ojos del gran público, por estar en colecciones privadas.
La más importante y polémica es la colección Wildenstein, valuada por diversos expertos en no menos de ¡10 mil millones de dólares!
Ahí se encuentran cuadros de Van Gogh, Renoir, Gauguin, Cézanne, Monet, Caravaggio, El Greco, Fragonard, Rembrandt y Rubens, e incluso –se dijo durante un juicio sobre ese patrimonio familiar– una pintura de Vermeer aún desconocida por los críticos.
Si bien casi nadie ha podido inventariar con exactitud la totalidad de la colección, en 2005 salió a la luz una pequeña porción, al ser subastados muebles, tapices y otras obras de arte.
La casa Christie’s, de Londres, calculó entonces en más de 25 millones de dólares el valor del lote ofrecido, que incluía desde cuadros de François Boucher y tapices franco-flamencos, hasta una colección de muebles del famoso ebanista francés André Charles Boulle (1642-1732).
Las piezas estaban impecables, no obstante haber sido adquiridas hace 100 años por el fundador de la dinastía de origen judío, Nathan Wildenstein.
Las obras formaban parte del decorado del hotel de Wailly, en la calle parisina de la Boetie, donde se ubica el instituto Wildenstein fundado en 1970 por Daniel Wildenstein, nieto de Nathan, cuya biblioteca alberga poco más de 400 mil libros, la mayoría dedicados al arte.
Los Wildenstein, quienes han ayudado a conformar otras importantes colecciones privadas en el mundo, se han visto implicados en juicios relacionados con obras de arte robadas por los nazis. En uno de ellos presentaron una demanda por difamación, rechazada por los tribunales, contra un historiador de arte que los acusó de colaborar con Hitler.
En otro lío judicial, los jueces debieron determinar si una colección de libros medievales, robadas por los nazis en 1940, pertenecía al judío Alphonse Kann o a la familia que, sin duda, continúa acaparando las mejores obras en las subastas internacionales.
Depredador del arte
El multimillonario estadunidense Steve Cohen es también conocido como uno de los mayores depredadores del mercado del arte. Es de los mejores clientes de las casas subastadoras de Londres y Nueva York, pues no duda en gastar millones de dólares para mantener al día su colección, la cual integra obras como Bañistas, de Paul Gauguin; Retrato de campesina, de Vincent van Gogh, y una madonna de Edvard Much.
Su debilidad son las obras de arte contemporáneo, por ejemplo, es dueño de dos espléndidos óleos de Willem de Kooning: Police Gazette y Woman III, por los que pagó 64.5 y 137.5 millones de dólares, respectivamente.
También tiene la obra más famosa y polémica de Damien Hirst, el tiburón conservado en formol dentro de una enorme caja transparente, pieza titulada La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, por la que desembolsó 11.8 millones de dólares, la cifra más alta pagada por la obra de un artista vivo.
Según algunas fuentes, Cohen pensaba donarla al Museo de Arte Moderno de Nueva York, pero el cuerpo del animal empezó a descomponerse, por lo cual el artista y el comprador debieron ponerse de acuerdo en las condiciones para remplazarlo, informó en 2006 la revista Art Newspaper.
En estos días, la casa Sotheby’s expone Mujeres, colección sobre la figura femenina de autores como Picasso, Munch, Modigliani, Freud y Warhol. Todos los cuadros pertenecen a Cohen, quien ha causado revuelo con esta muestra, pues es la primera vez que comparte con el público una cantidad considerable de sus tesoros.
Otro ávido coleccionista de arte es Phillipe Niarchos, hijo del magnate naval griego Stavros Niarchos. Es fanático del impresionismo y del arte moderno, entre sus posesiones destacan el Autorretrato con la oreja vendada, el Retrato de Pere Tanguy y La casa de Pére Pilon, de Van Gogh, y la que es posiblemente la obra de Gauguin más importante en manos privadas: Jinetes en la playa, así como el autorretrato Yo, Picasso, que compró en 1989 por casi 48 millones de dólares, un autorretrato de Jean Michel Basquiat por el que pagó 3.3 millones de dólares y Shot Red Marilyn, de Andy Warhol, con quien mantuvo una cercana amistad.
De Escocia es el duque de Sutherland, quien posee una envidiable colección privada de obras de maestros clásicos que incluye un autorretrato de Rembrandt pintado en 1657, así como la Madonna Bridgewater, de Rafael, y la serie entera de Los Sacramentos, de Nicolas Poussin.
Un ataque de generosidad hizo que el aristócrata británico decidiera vender al gobierno de su país dos Tizianos a precio de oferta: 110 millones de euros. Pero Reino Unido, quien inició desde el año pasado una campaña pública para recabar los fondos, lo ha acusado de querer lucrar y evitar pagar impuestos con su venta.
El magnate exige que le paguen ya lo que pide por las pinturas tituladas Diana y Acteón, y Diana y Calisto; molesto por la tardanza comentó: en el mercado libre habría conseguido el triple de dinero.
Por su avaricia, no sólo en cuestiones de arte, la familia del duque ha sido criticada hasta por Carlos Marx, quien dedicó en 1853 un artículo en el que denunció la forma en que esa familia aristocrática se enriqueció, al expropiar terrenos a los pueblos escocés y gaélico, lo que significó la expulsión de unas 3 mil familias entre 1814 y 1820 para convertir esos predios en pastizales para las ovejas de los Sutherland.
En Madrid, los duques de Alba, en Francia, el marido de Salma Hayek, François Pinault, y el ya legendario Charles Saatchi (quien con Cohen se arrebatan las obras de Hirst), son algunos de los personajes más importantes hechizados por la avaricia de coleccionismo privado del arte.

Tamara de Lempicka 1898-1980

2009-04-07T03:00:00.012-04:00

Tamara de Lempicka o Tamara Lempicka, nacida Maria Górska, fue una pintora nacida Varsovia, Polonia en 1898 (en Moscú, Rusia en 1900 según otros biógrafos). Destacó por la belleza de sus retratos femeninos, de pleno estilo Art decó
Nació en el seno de una familia acaudalada, siendo desde pequeña una niña autoritaria y con carácter. En 1910pinta su primer trabajo, el retrato de su hermana. En 1911hace con su abuela un viaje a Italiadonde descubre su pasión por el arte.
En 1916se casó en San Petersburgo con el abogado polaco Tadeusz Lempicki. Aunque llevaban una vida lujosa en San Petersburg , Revolución de Octubre encarceló a Tadeusz, pero ella lo sacó de prisión y se trasladaron a Compenaghe. En 1923 se trasladaron a París, donde nació su hija, Kizette. Tamara tomó clases de pintura con André Lhote
Más tarde expuso en varias galerías de París, ya en estilo art decó, como en la galería Colette Weill.
En 1925 tuvo un lugar en la primera exposición art decó de París, donde se hizo un nombre como artista. Más tarde viajaría con Kizette a Italia para observar de nuevo el arte italiano. En 1927, Kizette en el balcón recibe el primer premio en la Exposición Internacional de Burdeos
En 1929 se divorcia de Tadeusz y conoce al barón, Raoul Kuffner un coleccionista de su obra. Junto a él, viaja a Estados Unidos. Allí, pese a su orientación bisexual, Tamara acepta casarse con el barón. Se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas. En 1933 viaja temporalmente a Chicago donde trabaja con Willen de Kooning y Georgia O´Keeffe En 1938 se van a vivir a Beverly Hills.
En 1941 Kizette se va a vivir con su madre. En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al Abstraccionismo En 1962, muere el barón.
El 18 de marzo de 1980Tamara de Lempicka muere en Cuernavaca (México). Kizette, complaciendo el sueño de su madre, acompañada del escultor Víctor Contreras (heredero de gran cantidad de la obra de la pintora), subieron a un helicóptero y fueron a arrojar sus cenizas en el cráter del Popocatépetl.

Pintora polaca nacida en Varsovia. El arresto de su marido por los bolcheviques la convirtió en una especie de heroína. Después de rescatar a su esposo, viajó a París donde llegó a convertirse en una musa de la pintura Art Decó y deslumbró a la aristocracia con la deliberada sensualidad de su arte. Casada en segundas nupcias con un millonario, la convirtieron en baronesa y sus destellos en los grandes salones comenzaron a mezclarse con el incipiente ascenso del nazismo. Es entonces cuando viajó a Estados Unidos, donde decidió vivir tan espectacularmente como lo había planeado. Fue amiga de Greta Garbo, Orson Welles, Tyrone Power y Rita Hayworth, entre otros. A la muerte de su marido decidió abandonar éste país, yéndose a vivir a Cuernavaca (México), donde siguió pintando y frecuentando los altos círculos sociales hasta su muerte. Tamara de Lempicka murió en 1980 y sus cenizas están esparcidas sobre el volcán Popocatepetl

Es difícil hablar de alguien sobre quien hay tan pocos datos concretos, empezando por su fecha y lugar de nacimiento pues no ha podido aclararse si fue en Varsovia en 1898 o en Moscú en 1900... no se si es una cuestión de falta de documentos o un "capricho ideológico" al estilo de Frida Kahlo, lo cierto es que no es posible determinar con exactitud este dato.
Lo pocos datos concretos sobre su vida, mas allá de su especial obra pictórica profusamente documentada, se limitan a una escueta biografía y a una relación de sus innumerables viajes y a reseñas de una vida social muy activa que yo voy a resumir aun mas limitándome a los sucesos resaltantes de su vida; con certeza, del libro escrito por su hija Kizette, "Pasión por el Diseño", puedan extraerse mas datos, seguramente fidedignos aunque tal vez matizados por la cambiante relación que tuvo con su madre, (en especial en los últimos años de vida de la artista) aunque de cualquier forma será un retrato mas justo y realista que el que hizo de ella Franco Maria Ricci en su libro de 1977, que tampoco he leído pero por indicios encontrados aquí y allá parece ser una exposición amarillista y escandalosa de la vida de Lempicka ...
Tamara de Lempicka, nació en el seno de una familia adinerada y bien colocada socialmente; desde niña dio muestras de su fuerte carácter e independencia y de un bien definido criterio propio así como de su especial habilidad para la pintura, habiendo conseguido eludir una aburrida educación en internados viaja por Europa en compañía de su abuela materna descubriendo que su "gusto" por la pintura es en realidad una pasión que en el transcurso de los 80 - 83 de su vida ejercería con originalidad y maestría.

Negada a volver a su casa y tras una breve temporada de estudio en Lausanne se queda a vivir con su abuela en Petrogrado donde a los 18 años contrae matrimonio con el abogado Tadeus Lempicki y este es un punto crucial en su vida pues pocos años después y en medio de la vorágine de la revolución rusa su marido es arrestado y tras mucho esfuerzo Tamara logra su liberación lo que le dio cierto nimbo de heroína en el que ella se envolverá gustosa.
Tras la liberación viajan a Copenhague y poco después a Paris, donde se instalan y nace su hija Kizette; en este periodo inicial en Paris es cuando Tamara emprende una educación formal en pintura, estudiando bajo la guía de Maurice Denis y André Lothe.

A pesar de las vicisitudes de la vida Tamara mantiene un estatus económico que, reforzado por la venta de sus primeros cuadros, le permite un tren de vida bastante holgado (que sería el signo de toda su vida) y que le permitirá realizar numerosos viajes por Europa en compañía de la alta sociedad en contraste con su intima vinculación con la bohemia de Paris, por aquella época de grandes personajes que harían historia en muchos ámbitos como Cocteau o Picasso.
Con su estilo claramente definido y enmarcado en el Art Deco, en la década de los 20, participa en exposiciones que le abren las puertas del mundo, por así decirlo, logrando espacios de difusión para si misma y su trabajo en revistas como Harper's Bazar.
En esta década se suceden grandes acontecimientos en su vida: se traslada una temporada a Italia donde además de presentar sus obras en exposiciones mantiene relaciones con el dramaturgo Gabrielle D'Anuncio que aunque dura apenas tres breves años dejará profundas marcas emocionales; también en estos años logrará un importante reconocimiento al ganar notorios premios y reconocimientos en Burdeos y en Poznan además de concretar en 1928 su divorcio de Tadeus.
En los años siguientes consolida su posición como artista produciendo sus mas notables cuadros, entre ellos el autorretrato al volante de un Bugatti verde que le proporcionará el reconocimiento, (además de numerosos encargos), como retratista. En 1933 contrajo matrimonio con el Barón Raoul Kuffner, quien será además su mayor coleccionista y marchante.

Avizorando los tiempos difíciles que auguraba la amenaza nazi se traslada a Estados Unidos en 1939 donde además de codearse con lo mas selecto de la sociedad y grandes artistas cinematográficos en su residencia de Beverly Hills, realiza exitosas exposiciones en Nueva York y San Francisco, su hija Kizette se reúne con ellos en esta época y poco tiempo después contrae matrimonio con un geólogo norteamericano.
El brillo de la carrera de Tamara de Lempicka se va apagando poco a poco, intenta un relanzamiento a comienzos de los 60 sin mayor éxito pues la incursión de este icono del Art Deco en la pintura abstracta, en boga por esos años, es un estrepitoso fracaso de profundas consecuencias emocionales, al punto de llevarla a tomar la decisión de abandonar definitivamente la pintura, a esto hay que sumar la muerte de su marido en 1962 lo que la deja definitivamente devastada por lo que al año siguiente muda su residencia de Nueva York a Houston donde vive en compañía de su hija y su familia.
Tal vez nada o muy poco se sabe de estos años, a excepción de lo difícil que hace la vida para su hija y familia, siendo este un periodo de silencio hasta que en 1973 se organiza una retrospectiva de su obra en Paris volviéndola a poner sobre el tapete como una de las grandes artistas del siglo XX; en 1974, ya enferma, se traslada a Cuernavaca donde muere en 1980 y donde, cumpliendo con la voluntad de su madre, Kizette esparce sus cenizas sobre la cumbre del volcán Pococatepetl...

Henry Herbert La Thangue

2009-03-30T18:26:00.008-04:00

Nacido el 19 de enero de 1859: Henry Herbert La Thangue, Inglés pintor que murió el 21 de diciembre de 1929. - La Thangue estudió pintura en Londres y París. Como un artista que estaba en contra de las viejas ideas de la pintura de salón de apoyo de la Academia y alienta a la aceptación de los franceses "plein air" pintura. Él es recordado por las pinturas de la vida en el campo.

- Asistió a Dulwich College, donde se reunió con colegas pintores Stanhope Forbes y Frederick Goodall. Brevemente se matriculó en la Escuela de Arte de Lambeth antes de entrar en la Real Academia de las escuelas en 1874. En diciembre de 1879 fue galardonado con una medalla de oro y una beca de viaje, junto con una carta de presentación de Frederic Leighton a Jean-Léon Géromé, en virtud de los cuales estudió en la École des Beaux-Arts de París. Si bien fue influenciado por los pintores naturalistas rústico del Salón y por Whistler. Esas primeras obras de estudio como en un patio de barcos en la costa francesa (1882) se hacen eco de la obra de Jean-Charles Cazin y Jules Bastien-Lepage. La Thangue pasado los veranos de 1881 y 1882 trabajan en la costa de Bretaña y Forbes con un amplio círculo de los pintores plein-aire, incluyendo Bastien-Lepage. En 1883 él y el escultor James Havard Thomas fue a Donzère en el valle del Ródano, donde la pobreza Thangue pintado, un trabajo similar a la composición Bastien-Lepage Londres Flor del vendedor (1882).

, La Thangue completado su formación con un hechizo de París. Durante tres años, trabajó en el estudio de Jean Géromé Léon (1824-1904), pintor de estilo clásico y upholder de la tradición académica. Paradójicamente, fue también durante este período que se convirtió en La Thangue impresionada por la escuela de Barbizon al aire libre, paisaje pintores, los precursores de los impresionistas Géromé de los cuales era un vehemente crítico. A su regreso a Londres, La Thangue ganó una reputación como un pintor de paisajes y escenas rústicas género. Expone en la Real Academia, la Sociedad Británica de Artistas y el Instituto de Pintores en aceites. Más tarde, sin embargo, se convirtió en un oponente vocal de la Real Academia, la exhibición con el Nuevo Club de Arte Inglés. Vivió por un tiempo en Norfolk, pasando más tarde a Bosham, en Sussex. Walter Sickert (1860-1942) fue uno de la generación de principios del 20 del siglo especialmente los artistas que admiraba la libertad expresiva y la naturaleza de su trabajo. Murió en Londres el 21 de diciembre de 1929.

Victor Edouard Stanislas Lépine

2009-03-23T19:34:00.005-04:00

Victor Edouard Stanislas Lépine nació en Caen en 1836. Al comienzo de su carrera artística adopta el estilo del pintor de marinas Johan Barthold Jongkind y se especializa en la ejecución de este tipo de paisajes, como se puede apreciar en Veleros en el puerto de Caen. En 1855 el pintor se traslada a París y en 1859 acude por primera vez al Salon, exponiendo una obra titulada Puerto de Caen a la luz de la luna. Stanislas Lépine se especializó en la ejecución de paisajes urbanos pintorescos, eligiendo con frecuencia las orillas del Sena y las viejas calles de París. En 1860 Lépine se decantó por un aprendizaje más profesional bajo la dirección de Jean Baptiste-Camille Corot, en cuyo estudio conoció al pintor Henri Fantin-Latour (1836-1904). Buena prueba de la amistad entre ambos es que en numerosas ocasiones Fantin-Latour ayudó económicamente a Stanislas. En el estudio de Corot, Lépine desarrolló un estilo personal a mitad de camino entre el planteamiento pastoral tradicional, típico de las composiciones de su maestro, y los paisajes atmosféricos propios de los impresionistas, cuyo prototipo pueden ser algunas obras como Montmartre, Rue Saint Vincent (1878) y Le Pont de Mondo (1880), ambas en el Musée d'Orsay. Aunque Lépine nunca alcanzó la popularidad de otros pintores de su misma época, lo invitaron a participar en la primera exposición impresionista de 1874, en la que mostró la obra titulada Orillas del Sena. A lo largo de su vida, participó con regularidad en el Salon (Grove Dictionary of Art). Los cuadros de Stanislas Lépine se apreciaron tanto por sus delicados efectos lumínicos como por su carácter contemplativo; en la actualidad la crítica lo considera precursor del movimiento impresionista.

Jean-Paul Laurens

2009-03-15T09:04:00.007-04:00

Jean-Paul Laurens (Fourquevaux, 1838 París, 1921 ), pintor y escultor e ilustrador francés. Estudio en la escuela de bellas artes de Tolosa en 1854 . Adquirió una beca para estudiar en París donde conoció a León Cogniet en 1860. En el estudio de arte de Cogniet conoció a su futura esposa Madeleine Willemsens en 1869 con quien tendría dos hijos, Paul Albert Laurens (1870-1934 ) y Jean-Pierre Laurens (1875-1932 ).
Fue uno de los últimos exponentes del estilo Academicismo francés y de la pintura histórica. Sus trabajos por lo general eran basados en hechos históricos y religiosos, por los cuales quería expresar su anticlericalismo y su oposición a la monarquía. Adquirió reconocimiento con su pintura Le Pape Formose et Etienne VII (El Papa Formoso y Esteban VII ) durante la exhibición del Salón de París organizada por la Academai de Bellas Artes Francia en 1870 . Su maestría técnica y erudicón eran muy admiradas durante la Tercera República Francesa ; se le nombraría caballero de la Legión de Honor en 1874 , y consiguió gran popularidad con su exhibición durante la Exposición Universal de París en 1878 , pero en años posteriores su técnica realista fue vista como demasiado académica. Fue profesor de Rupert Charles Wulsten Bunny,John Collier , Ludwig Deutsch, Francois Flameng, Frederick Carl Frieseke, Thomas Cooper Gotch, William Samuel Horton, Lawton Silas Parker, Ella Ferris Pell, Maurice Brazil Prendergast , Louis Ritman y los pintores venezolanos Federico Brant, Emilio Boggio y Arturo Michelena en la Académie Julian . Impulsaría a Michelena a presentar su obra "El niño enfermo" en el Salón de París, en 1887. Alcanzaría su mayor prestigio cuando fue llamado a remplazar a Jean-Louis-Ernest Meissonier como miembro de la Academia de Bellas Artes París (Academie des beaux-arts) en 1891 . Regresaría a Tolosa y tomaría la dirección de la escuela de bellas artes de esta ciudad en 1893 .
Representación del proceso al cadáver del papa Formoso por Esteban VII, pintado por Laurens en 1870.
Cuando fue reconocido como un gran artista por el gobierno de La Tercera República Francesa (Troisième Republique), obtuvo varios encargos del estado. Su primer trabajo fue para la Municipalidad de París y, poco después, un mural para el Palacio de la Legion de honor (1874-1876). Una serie sobre la vida de Santa Genoveva en el Panteón de París , Mort de sainte Geneviève (La muerte de Santa Genoveva); otro trabajo para el Capitolio de Touluose en la Sala de los Ilustres. También algunas decoraciones para el teatro de l'Odéon (1887-1888). Fue también un notable ilustrador, principalmente por los dibujos que realizó para los Récits des temps mérovingiens (Recuerdos de los tempos Merovingios ) de Agustin Thierry . Muchos de sus diseños y dibujos fueron utilizados por los fabricantes de tapices de la manufacture des Gobelins (manufactura de los Gobelinos) en París. Obtuvo la Gran Cruz (Grand-croix) de la Legion de honor en 1900 .
Fue uno de los miembros fundadores de la Sociedad de Artistas Franceses en 1882, participo en la organización del Salón de París, donde se exhibieron varias de sus pinturas; sus últimos trabajos, "Los mineros" (1904) y "El desastre" (1905), fueron exhibidas en el Salón. Moriría en su estudio de París el 23 de Marzo de 1921.

Las señoritas de Avignon

2009-03-04T00:59:00.009-05:00

En la primavera del 1907, -acaban de cumplirse exactamente cien años-, Pablo Picasso creó “Las muchachas de Avignon”, cuadro con el que dio inicio al cubismo y comenzó una influyente revolución en las artes plásticas. Tenía veinticinco años. Avignon era una calle de Barcelona donde existía un conocido burdel, pero era también la vía en la cual Picasso solía comprar sus colores, su papel de dibujo, sus acuarelas, cuando residía en aquella ciudad.
En esos tiempos Picasso frecuentaba el Museo Etnográfico, en el Trocadero, que luego se llamaría Museo del Hombre: le fascinaban las máscaras africanas y polinesias. Muchos de sus conocidos compraban esos disfraces en la tienda de Pére Sauvage, en la Rue de Rennes. Constituyeron un impacto enorme en la pupila del pintor quien, hasta entonces, había recogido en imágenes el universo de acróbatas y artistas de circo miserables o se había sumergido en la atmósfera sentimental de los azules y rosas que expresaban más adecuadamente sus emociones.
Originalmente Picasso intentó que la figura central del cuadro fuese un marinero, protagonista frecuente en la vida de los prostíbulos, rodeado de prostitutas. Esa representación del hombre de mar se encuentra en muchos de los esbozos preparatorios del cuadro. También aparecía un cesto de frutas del cual las mujeres estaban comiendo. En la versión final el marino y las frutas desaparecieron.
Hasta entonces los artistas pintaban lo que veían, a partir de ese cuadro los pintores pasan a representar lo que conciben. Ya no es lo evidente, como lo reflejan los sentidos, es lo cerebral lo que cuenta, la intuición perceptiva, la realidad pensada es lo válido, no el contexto contemplado. Esa es la gran conmoción que desata Picasso, solamente comparable a la convulsión efervescente que creó Cezanne cuando probó que la obra de arte constituye una parte de la naturaleza vista a través de un temperamento.
Como dijo André Malraux, a lo largo del siglo diecinueve la historia había debilitado la imaginación. El afán de trazar de manera perdurable el hecho político o militar, (vg. Napoleón en campaña o el retratismo de ilustres dirigentes de Estado), no permitía la expansión de la fantasía ni el libre juego creativo. Finalizando el siglo se opera la emancipación de las formas. Cezanne muere en 1906, al año siguiente estalla el grito sedicioso de “Las muchachas de Avignon”. El maestro de Provenza fue esencial en la construcción del ojo que permitiría apreciar el cubismo y todos lo demás que seguiría.
Anterior a ese período Picasso transcurre por un período de grandes penurias. Tiene que vender cuadros y dibujos para poder pagarse una sopa “boullabaise”. Pero el galerista Ambroise Vollard se aparece en su estudio una tarde y compra en bloque todo lo que ve allí y le paga dos mil francos, una suma fabulosa en aquél tiempo. Con ese dinero Picasso se regala un sueño: su retorno al país natal; vive en el campo, en Gosol, cerca de Andorra. Fernande, su mujer, le encuentra menos salvaje, más brillante, más animado, se desprende de él “una irradiación feliz”. Es de retorno de ese arraigo con la cepa de origen cuando pinta “Las muchachas de Avignon.”
Es de esa época el famoso retrato de Gertrude Stein, plasmado como un bloque marmóreo, una presencia imponente, monumental y densa. De ahí surge el comentario: “no se parece”, y la famosa respuesta de Picasso: “ya se parecerá”. Tiempo después Stein se hace recortar el cabello y Picasso la encuentra en la calle y lanza un grito de sorpresa: ¡”qué ha sucedido!” “¿Por qué?” indaga la escritora. “¡Ya no eres mi retrato!” Cuando termina “Las muchachas de Avignon” Max Jacob dice de una de ellas: “se parece a mi abuela”. Desde entonces los amigos íntimos llaman al cuadro “La abuela de Max”. Quien bautizó el cuadro con su nombre actual fue André Salmon. Picasso siempre dijo que ese apelativo lo irritaba, pero no hizo nada por modificarlo.
La audacia creadora y experimental de Picasso creó con “Las muchachas de Avignon” una línea divisoria en el tiempo y dio nacimiento a una nueva escuela de creación. Picasso dijo que al empezar un cuadro se produce una especie de asesinato de lo bello, hay que rechazar muchas tentaciones estéticas y destruir la obra rehaciéndola muchas veces. Y agregó: “El éxito es el resultado de hallazgos rechazados”.
Picasso nunca quiso vender esa obra porque la veía inacabada. Durante muchos años solo sus amigos íntimos lograron apreciarla. Fue Jacques Doucet quien consiguió comprársela en 1920. Fue expuesta solo una vez en Europa, en el Petit Palais, en 1937. Hoy es uno de los cuadros más prestigiosos del Museo de Arte Moderno de Nueva York y su celebridad proviene de ser la obra de creación que terminó un sistema y dio nacimiento a otro.

Carolus-Duran. (Lille, 1837-París, 1917)

2009-02-22T03:56:00.008-05:00

Carolus-Duran. (Lille, 1837-París, 1917). Pintor francés. Hijo de un posadero, se formó en Lille con François Souchon, un discípulo de David. Establecido por primera vez en París en 1853, hizo copias en el Louvre y conoció a través de Astruc, antiguo amigo, a Courbet. Después trabaría amistad en la Academia Suiza con Fantin-Latour y conocería a Berthe Morisot y a Manet, al que le unió también una amistad íntima. Entre 1862 y 1866 estuvo en Roma gracias a una pensión del Ayuntamiento de Lille. La medalla que obtuvo en el Salón de 1866 con El asesinado (Palais des Beaux-Arts, Lille), comprado por el Estado, le permitió viajar a España, donde vivió entre 1866 y 1868. El éxito que alcanzó en el Salón de 1869 con La dama del guante (Musée d'Orsay, París), un retrato de su mujer, le permitió asentarse definitivamente en París, donde siguió en adelante una brillante carrera como retratista y obtuvo todo tipo de distinciones, aunque al precio de perderse en una pintura cada vez más superficial, caracterizada por un virtuosismo y una facilidad engañosos. Como sucede con otros artistas de su tiempo, es probable que el interés de Carolus-Duran por la pintura española procediera de su asiduidad, en la década de 1850, a los círculos realistas parisinos. En todo caso, parece haber descubierto realmente a Velázquez en Roma ante el retrato de Inocencio X (Galleria Doria Pamphilj, Roma), que copió al óleo y del que, al parecer, llevaba siempre consigo una fotografía. Su estancia en España, de la que apenas se tienen noticias pese a que duró más de dos años, que pudo estar alentada por los comentarios que le hicieran Astruc y Manet, quienes habían estado en Madrid en los años anteriores, hay que contemplarla como «un viaje a Velázquez», al que debió de copiar repetidamente, aunque su nombre solo aparece en el registro de copistas del Prado entre el 10 y el 19 de diciembre de 1866. Se conocen una copia de El bufón don Diego de Acedo, «El Primo» (Senado, París) y otra de El bufón Calabacillas (1879, Ministère des Finances, París), pero se sabe que Gautier tenía otra de un Nain barbu (seguramente Don Sebastián de Morra) y las huellas que se encuentran en cuadros suyos posteriores muestran que debió de hacer varias más. Por lo demás, a partir de su estancia en Madrid, la admiración de Carolus-Duran por Velázquez cobró caracteres de práctica exclusividad. Al parecer, para justificar sus pretensiones de ser el legítimo continuador de Velázquez en su época, alardeaba de una lejana ascendencia española y le gustaba repetir identificándose con el maestro: «Velázquez y yo». Por otro lado, el consejo que repetía a sus alumnos era siempre el mismo: «Velázquez, Velázquez, estudiad sin descanso a Velázquez». Las huellas de éste en sus propias pinturas se circunscriben, sin embargo, a algunos retratos realizados en España, como el Retrato del pintor Matías Moreno (Palais des Beaux-Arts, Lille), en el que éste adopta una pose similar a la de Velázquez en Las meninas y que le valió en Madrid una medalla de tercera clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1866, su propio Autorretrato (1867, Prado, catalogado en el Museo como retrato de Matías Moreno) de cromatismo cercano al velazqueño, y algunos otros hechos ya en Francia en los años inmediatamente posteriores a su vuelta. Entre éstos, el Retrato de Hector Brame niño (1871, colección particular), en el que siguió literalmente la pose de El príncipe Baltasar Carlos como cazador, de Velázquez, y empleó una sutil gama de grises, pardos y verdes, es quizá el más cercano al espíritu del maestro y uno de los pocos en que utilizó las enseñanzas de éste en sentido moderno. En cambio, La dama del guante, un cuadro en el que el tratamiento espacial y cromático de los retratos velazqueños es utilizado para revitalizar, «modernizándola», la tradición académica del retrato elegante, mostraba ya, pese a estar realizado justo tras su vuelta de España, las limitaciones de su acercamiento a Velázquez. Su labor como maestro en L'Atelier des Élèves de Monsieur Carolus-Duran, que abrió en la primavera de 1873 y en el que se formaron, entre otros, Stevenson (autor de una trascendental monografía sobre Velázquez, publicada en 1895, en la que se presentaba a éste como padre de la pintura moderna) y Sargent (quien, siguiendo sus pasos, vino a Madrid en 1879 para estudiar las obras del sevillano), sería, sin embargo, básica en el aprecio de la pintura española en el último tercio del siglo XIX.

Umberto Boccioni

2009-02-15T23:35:00.008-05:00

Umberto Boccioni
(Reggio de Calabria, Italia, 1882-Verona, id., 1916) Pintor y escultor italiano. Figura clave del movimiento futurista italiano, fue también uno de sus más destacados teóricos.
Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París, Rusia, Padua y Venecia se instaló definitivamente en Milán

y se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial moderna. Influido por el simbolismo y por el expresionismo de Munch, y tras varios encuentros con Marinetti, Carrà y Russolo, la obra de Boccioni se desarrolló a partir de 1910 alrededor de dos conceptos clave: dinamismo y simultaneidad. Entre sus obras cabe destacar La ciudad que surge (1910) y La calle ante la casa, pinturas que, aun siendo formalmente distintas, hacen referencia al mismo tema, la ciudad, que para los futuristas simbolizaba la modernidad, el movimiento y la velocidad. En cuanto a su actividad escultórica, que desarrolló paralelamente a la pictórica, fue pionero en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el cemento o el hierro, así como en el aprovechamiento de la luz eléctrica.

DEL POSTIMPRESIONISMO AL FUTURISMO
Este artista italiano tuvo una vida breve y hasta cierto punto agitada. Durante su infancia,
cambió de localidad de residencia con relativa frecuencia hasta que en 1901, con 18 años, llega a Roma. Y es allí donde comienza a forjarse la personalidad artística de Umberto Boccioni (1882-1916).

Aunque anteriormente había mostrado interés hacia la pintura será en esa ciudad donde su vocación se encauce definitivamente. Allí toma contacto con otros jóvenes pintores interesados por renovar el mundo artístico italiano. Años después viaja a París, se desplaza a Rusia un tiempo y visita también a Alemania.
Umberto Boccioni: “El Gran Canal de Venecia” (1907). Verona (Italia).
A su regreso a Italia Boccioni se asienta en Milán y decide dedicarse definitivamente a la pintura. Hasta ese momento, en torno a 1907/08, su pintura puede encuadrarse dentro de las corrientes postimpresionistas y sus temas son, hasta cierto punto, los que pueden esperarse de un pintor tradicional: paisajes, marinas, vistas urbanas, etc. Incluso podemos apreciar en esos temas algunos ecos del simbolismo.
Pero en 1909, todo va a cambiar para nuestro pintor: ese año el escritor Tommaso Marinetti publica su “manifiesto futurista” y Boccioni se adhiere al movimiento, de modo que, un año después es uno de los firmantes del primer “manifiesto de los pintores futuristas“, en el que se afirma algo tan rotundo como que “la confeccion de cuadros ha sido hasta hoy estupidamente tradicional“.
Umberto Boccioni: “La carga de los lanceros” (1916). Milán.
Boccioni acaba de pasar a forma parte de una de las vanguardias más interesantes de los comienzos del siglo XX. Y no sólo eso, sino que puede considerarse el verdadero guía del grupo, en el que desempeña una labor importante, organizando exposiciones tanto en ciudades italianas como en algunas de las principales capitales de Europa. Por lo demás,

Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio

2009-02-09T16:26:00.010-05:00

Las últimas investigaciones sobre la biografía de Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio o el Caravaggio por la localidad de donde supuestamente procede, adelantan su fecha de nacimiento a finales de 1571 y trasladan este lugar de origen a Milán. De hecho, hasta la aparición de relevantes documentos, se celebraron distintos actos conmemorativos del cuarto centenario del pintor teniendo en cuenta que había nacido el 28 de septiembre de 1573. Una fecha que se deduce de dos inscripciones fúnebres dedicadas al Caravaggio por el jurista Marzio Milesi, conservadas en un manuscrito de la Biblioteca Vaticana. Ambas inscripciones afirman que el pintor vivió treinta y seis años, nueve meses y veinte días; y que murió el 18 de julio de 1610. Dado que no se ha encontrado en los registros parroquiales ninguna anotación que se refiera al nacimiento o bautismo de Michelangelo Merisi, se tomó como fecha lo escrito por Marzio Milesi, jurisconsulto latinista que componía epígrafes de nombres ilustres por pasatiempo y que distintos documentos posteriores parecen indicar que no andaba muy bien de aritmética cuando calculó los años de vida del pintor.
El primer documento de archivo que adelanta el nacimiento del Caravaggio hasta finales de 1571 fue descubierto por Mia Cinotti y Mario Fara Puggioni. Se trata de una escritura de venta de terrenos firmada por el pintor en 1589, en la que declara tener 18 años. Dato refrendado por dos escritos encontrados posteriormente: el acta de matrimonio de los padres, conservado en la iglesia de Caravaggio, localidad de procedencia de la madre del pintor, con fecha de 14 de enero de 1571; unido a un texto que demuestra que el segundo hijo del matrimonio, el hermano menor del pintor, llamado Giovan Battista, nació en Milán el 21 de noviembre de 1572.
Además de la fecha de nacimiento, las investigaciones documentales también llegan a conclusiones significativas en lo que se refiere a su lugar de origen.
Siempre se pensó que nace en la localidad de Caravaggio porque es conocido con este nombre como pintor. De hecho, su familia procede de esta localidad de Lombardía, en la que poseen tierras y donde el pintor vive, con toda seguridad, durante toda su infancia, antes y después de la muerte de su padre, cuando termina su etapa de aprendizaje en Milán y hasta que vende todas sus propiedades para marcharse a Roma. Solo que el hecho de que su padre, Fermo Merisi, aparezca domiciliado ininterrumpidamente desde 1563 en Milán y que aquí fueran bautizados todos sus hijos induce a pensar que también Michelangelo Merisi nace en la capital lombarda. Este dato no se puede comprobar en la actualidad porque en el año 1906 desapareció en misteriosas circunstancias el registro parroquial de Caravaggio correspondiente al período 1569-1589 en el que debía aparecer su fecha y lugar de nacimiento. Aunque sí consta que un estudioso siciliano del pintor pudo comprobar la exactitud de estos datos antes de su desaparición.

Hacia Roma sin vínculos familiares
En escrituras notariales y parroquiales, consta que su progenitor, Fermo Merisi, es "magister", es decir, un constructor o maestro de obras. De hecho, la familia tiene el mote de <>, una antigua voz lombarda que puede aludir a este oficio. Asimismo lo especifica uno de los primeros biógrafos del pintor, Giulio Mancini, que en el año 1619 afirma que "el padre fue mayordomo y arquitecto del marqués de Caravaggio", un pequeño marquesado menor en la Lombardía, cerca de Bérgamo. Incluso el pintor Giovanni Baglione, que conoció personalmente al Caravaggio y propició un proceso judicial contra él, confirma que "fue hijo de un maestro que levantaba edificios con mucho arte". Significa, por tanto, un nacimiento burgués para el pintor, hijo de un profesional, que además era propietario de tierras. Nada de un nacimiento bohemio: la vida admirada por el Romanticismo vendrá después.

Fermo Merisi muere en el año 1577 a causa de la gran peste que había aparecido el año anterior. Su segunda esposa, Lucia Aratori, que también fallecerá pocos años después, se hace cargo de la tutela de sus cuatro hijos: Michelángelo, Giovan Battista, Giovan Pietro, que muere cuando todavía es un niño, y Caterina.
Parece que Michelangelo Merisi tiene vocación de pintor desde muy temprana edad, ya que en 1584, es decir, cuando tenía escasamente trece años, entra como aprendiz en el taller de un pintor de Milán, que se había formado en Venecia, llamado Simone Peterzano. Un pintor "mediocre", según Rudolf Wittkower, pero que en el Milán de esos años es conocido por ser discípulo de Tiziano. El contrato entre este maestro y Caravaggio se realiza siguiendo las líneas medievales. Peterzano se compromete a tener con él al muchacho, tanto en su taller como alojado en su casa, durante cuatro años, con el fin de enseñarle todo lo necesario para que se convierta en un pintor capaz de establecerse por su cuenta.
Se sabe muy poco de los cuatro años que Caravaggio pasa en Milán. Un cronista antiguo afirma que "estudió con aplicación (...), aunque de cuando en cuando hiciera alguna extravagancia, debido al calor de su espíritu exagerado". Bellori apunta que el pintor pudo hacer una escapada a Venecia motivada por "ciertas discordias" en que se había visto envuelto. Mancini incluso alude a un homicidio que pudo costarle un año de cárcel, apostillado por la frase de Giovanni Baglione "por haber dado muerte a un compañero suyo huyó del país (...) y se puso al abrigo en Roma". Son todo datos que para muchos biógrafos no demuestran la veracidad de los hechos narrados.
Lo que sí consta es que entre 1589 y 1591 la familia Merisi vende varias tierras en Caravaggio y una de ellas precisa que la venta se efectúe para pagar las deudas contraídas por la madre o por los hijos. La frase "vel per dictum Michaelem Angelum" hace pensar en que se refieren concretamente a las deudas del pintor. En el año 1592 los tres hermanos Merisi se reparten los bienes que les quedan, Michelangelo se apresura a hacer numerario lo poco que le toca, seguramente pensando en su viaje a Roma y en que jamás volverá a ver a sus hermanos. Así lo demuestra un episodio que se produce años después. Caravaggio negará que tenga un hermano, delante del propio Giovan Battista, cuando va a visitarle a Roma porque quiere ordenarse sacerdote.

En Roma comienza su obra conocida
Hasta su llegada a Roma no se conoce ninguna obra del Caravaggio. Empieza en talleres de carácter más o menos industrial como la casa del monseñor Pandolfo Pucci, que a cambio de su hospitalidad le exige copias de cuadros religiosos y, tal y como explica Mancini, "lo que es peor, llegaba a la noche con una ensalada que le servía de entremés, comida y postre (...) por lo que dio en llamar a su patrón Monseñor Ensalada". A continuación convive con un pintor llamado Lorenzo, que paga al artista una gorda por cada retrato o cabeza de santo. Pasará luego a instalarse con Antiveduto de la Gramática, creador de imágenes para vender en las tiendas y que acabará siendo imitador del Caravaggio.
El joven Michelangelo da un paso adelante en su carrera cuando es aceptado durante ocho meses en casa de uno de los más activos manieristas de Roma, Giuseppe Cesari d'Arpino. La fama de este joven artista, sólo tres años mayor que él, lleva al papa Clemente VIII a concederle el título de Caballero. Es el autor, por ejemplo, de los medallones de la cúpula de San Pedro o de la decoración de la Sala de los Horacios del Capitolio. Caravaggio entra en su taller como <>, como muchacho, y se especializa en la pintura de guirnaldas de flores y de frutas.
La convivencia con los Cesari termina definitivamente cuando Caravaggio es ingresado en el Hospital de la Consolación a causa de una herida producida por una coz de caballo. De hecho, el Caballero de Arpino no visita al pintor durante todos los meses que permanece hospitalizando, una muestra de la enemistad que ambos pintores se prodigaron a partir de entonces. El caso es que, estando hospitalizado, un fraile ayuda al Caravaggio y le compra pequeñas obras entre las que se incluyen algunos autorretratos.
A continuación se hospeda en casa de alguien llamado Asdrubale y seguidamente donde monseñor Fantin Patrignani. Corre el año 1595 y dos amigos contribuirán a introducirle en un ambiente más selecto. Uno es Prospero Orsi, conocido por el género decorativo <> en el que sobresalió y cuyo hermano, Lelio Orsi, al ser uno de los poetas más famosos del manierismo, presenta el "nuevo estilo de Michele" en los ambientes intelectuales de Roma. El segundo amigo es un marchante de arte, Valentino, que tiene un establecimiento en las inmediaciones de la iglesia de San Luis de los Franceses, muy cerca de donde reside el primer mecenas de Caravaggio: el cardenal Francesco del Monte.
El ingreso del Caravaggio en los círculos del prelado tiene lugar entre finales de 1595 y comienzos de 1596. Del Monte organiza reuniones de corte sensual en las que se hacen interpretaciones místicas y líricas familiarizadas con el lenguaje mítico y religioso. Pero además, su pertenencia a la altas esferas vaticanas, sirve para apoyar al pintor en la candidatura para encargos de obras públicas.

En el año 1599 obtiene ese primer encargo público deseado por todo pintor llegado a Roma. Se trata de la Capilla Contareli de San Luis de los Franceses que el Caballero de Arpino deja sin terminar. Tras una serie de pleitos, Caravaggio pinta los dos lienzos laterales que faltan: la Vocación y el Martirio de San Mateo (izquierda). Ambos tiene que rehacerlos porque su interpretación suscita polémica, tal y como sucederá en otras muchas ocasiones posteriores. Normalmente la pintura religiosa de Caravaggio, decididamente anticlásica y antiacadémica, despertará indignadas reacciones y a la vez pasará a ser la mejor pagada en Roma.
A partir de 1600, Caravaggio abandona su residencia en casa del cardenal Del Monte, a la vez que se evidencia su carácter "muy proclive a peleas y alborotos", según señala Mancini. Después de herir a Gerolamo Stampa de Montepulciano, se sucede una interminable lista de altercados con los guardias del orden, tenencia abusiva de armas, refriegas, alborotos y procesos de difamación como el que inicia el pintor y biógrafo Baglione contra Caravaggio y tres amigos suyos en 1603. Todos estos sucesos obligan a los mecenas del artista a sacarle de la cárcel en más de una ocasión y motivan que Caravaggio decida irse a la localidad de Tolentino entre el 25 de octubre y el 8 de enero de 1604 y posteriormente a Génova en julio de 1605. Vuelve a Roma a las tres semanas, cuando sus valedores liquidan un proceso en el que se le acusa de herir al escribano Pasqualone d'Accumulo por causa de una mujer llamada Elena. A su vuelta, su tumultuosa vida sigue por los mismos derroteros hasta que en el año 1606 comete un homicidio que le hará huir definitivamente de Roma.

Huída dramática
El 29 de mayo de 1606, el Caravaggio juega en un equipo de cuatro personas una partida de pelota en el Campo Marzio. El juego degenera en riña, los ocho jugadores llegan a las manos, y Caravaggio y Ranuccio Tomassoni se baten en una especie de duelo. Michelangenlo, herido de consideración en la cabeza, da muerte a su contrincante y debe huir de Roma. Desde este momento y hasta el final de sus días los amigos de Caravaggio intentarán conseguir su perdón papal, a la vez que el pintor debe desarrollar su profesión escapando constantemente de la justicia.
Encuentra un asilo temporal en casa de Andrea Ruffeti, cerca de la Piazza Colonna. Allí explica a un secretario de lo criminal que las heridas que tiene en la garganta y en la oreja izquierda se las ha hecho con su propia espada al caerse en la calle. Queda sometido a arresto domiciliario y al pago de una multa, aunque un boletín, fechado el 31 de mayo, termina la narración de este suceso afirmando que el pintor se encuentra en paradero desconocido. Podría ser que alguien influyente hubiera evitado la condena de Caravaggio.
El caso es que ese mismo día el agente del duque de Módena, Fabio Masetti, escribía que el Caravaggio estaba huido y se dirigía a Florencia. Efectivamente, Caravaggio ha salido de Roma, pero su rumbo eran los Montes Sabinos, va a Palestrina. Desde allí el pintor manda traer algunas de sus obras inacabadas para terminarlas mientras llega el perdón papal. Masetti escribe en sus cartas que su caso no parece desesperado dado que el crimen cometido no era premeditado y el pintor también había resultado herido. Hay estudiosos que fijan la fecha en la que Caravaggio se traslada a Nápoles entre finales de 1606 o comienzos de 1607, debido a la cantidad de trabajos que realiza en la ciudad. La singularidad del artista fue rápidamente reconocida, sobre todo, por las generaciones más jóvenes.

Sus últimos años de vida
El hecho de que se negociara la adquisición de Virgen del Rosario a través de agentes del pintor, parece indicar que en septiembre de 1607 el Caravaggio ha abandonado Nápoles. En Malta, el famoso pintor es presentado al Gran Maestre, Alof Wignacourt, miembro de la nobleza francesa para el que hace dos retratos. Su éxito hará que entre en la Orden de Malta y se le nombre <>. Sin embargo, una vez más, vuelve a meterse en líos. En este caso es encarcelado por pelear con un Cavaliere de Giusticia. Todavía no se sabe bien como pudo escaparse del Castel de Sant'Angelo, pero el caso es que consiguió hacerlo en una falúa que toma como rumbo Sicilia. Para la Orden este hecho constituye un delito de la mayor gravedad y el 1 de diciembre Caravaggio es "expulsado y apartado, como miembro podrido y fétido de la Orden y de la Sociedad".

En Sicilia sigue pintando al mismo tiempo que se mueve de ciudad en ciudad, Siracusa, Mesina, Palermo, para evitar caer en manos de los numerosos afiliados a la Orden de Malta. Finalmente decide dirigirse a Nápoles donde pinta Salomé con la cabeza de San Juan (arriba) para el Gran Maestre, probablemente con el objetivo de aplacar la ira de la Orden. Pudo no servir de nada. El 24 de octubre de 1609 un aviso publicado en Roma afirma que "el famoso pintor" Caravaggio ha sido muerto o desfigurado en Nápoles. Cuentan con mayor detalle Bellori y Baglione que el artista fue tan salvajemente acuchillado en el rostro por sus enemigos que quedó casi irreconocible. Recuperado de estas heridas sigue pintando en Nápoles, hasta que en junio de 1610 decide embarcarse rumbo a Roma. Está convencido de que va a recibir el perdón papal, aunque todavía no se ha podido averiguar si alguien confirmó al artista que Su Santidad iba a responder a sus expectativas, tal y como consta en un aviso fechado el 31 de julio de 1610. El caso es que durante el viaje se produce un nuevo y fatal incidente. Cuenta Bellori que la guardia española detiene a Caravaggio porque le confunde con otro Cavaliere. Le hacen desembarcar en algún lugar cercano al pueblecito de Port'Ercole, sobre el promontorio de Monte Argentario, donde parte del litoral se encuentra bajo la jurisdicción del Virrey español en Nápoles. Cuando las autoridades se dan cuentan de su error, sueltan al Caravaggio pero su barco se ha ido sin él. Sin ninguna de sus pertenencias, el artista decide ir andando por la costa, infectada por la malaria hasta los años 30. La fiebre acabará con su vida en la playa de Port'Ercole sin nadie conocido a su alrededor. Baglione dirá "murió mal como mal había vivido". De hecho, la noticia de su muerte llega a Roma días después y no se conoce en qué lugar fue enterrado. Sólo se sabe que el Virrey de España escribió a los aduaneros para darles la orden de localizar los bienes del insigne pintor, porque quería que un cuadro de San Juan quedara bajo custodia española. A Roma llegaron dos avisos, el 28 y el 31 de julio de 1610. El primero afirma: "Se ha recibido noticia de la muerte de Michelangelo da Caravaggio, pintor famoso, eminente en el arte del color y la pintura del natural, de resultas de enfermedad en Port'Ercole".

por Milko A. García Torres

La importancia de llamarse Rubens y poder firmar para serlo

2009-02-01T22:02:00.009-05:00

Autor del articulo Jon Juanma
http://www.rebelion.org/noticia.php?id=79219

La obra que analizaremos hoy de Peter Paul Rubens, se llama “Autorretrato con Isabella Brandt en el jardín del amor”. El óleo sobre lienzo en madera se halla en la Alta Pinacoteca de Munich y tiene unas medidas de 178 cm de alto x 136,5 cm ancho.

Rubens fue un gran pintor del Barroco, supo imprimir a sus obras de dramáticas composiciones, el movimiento de sus anatomías representadas y las complejas veladuras de sutiles cambios de tonalidad, muy al gusto de la piedad barroca que después del Concilio de Trento, la Iglesia Católica pretendía insuflar a sus obras propagandísticas. Su cénit artístico lo consiguió sin duda con sus impresionantes “Descencimientos de la Cruz”, tema que abordó en repetidas ocasiones y que alcanzó la categoría de maestro por su fuerza, phatos y poderosa escenografía de corte “claroscurista”.
En la pintura que hoy analizamos, nos centramos en un ejemplo de autorretrato compartido, en él aparece el propio pintor con su primera esposa, Isabella Brandt, hija de un noble de Amberes. Según diversos historiadores del arte burgueses, el cuadro muestra al feliz matrimonio, unidos por el amor y el cariño, con referencias simbólicas clásicas en la iconografía de la época, como es el caso de la planta de madreselva que se halla en frente de la pareja y que simbolizaba por la época (y en los círculos cultos minoritarios que podían entenderlo) el amor y la fidelidad.
Al margen de estas obviedades iconográficas, fácilmente reconocibles para cualquiera que pueda y quiera estudiar la iconografía habitual y estipulada de la época del Barroco, lo más interesante es adentrarnos en la tercera fase de lectura del método de análisis de la imagen de Panofsky: la fase icónica. En esta fase destacaremos/esbozaremos el significado de la imagen en su contexto histórico, su función real. Para ello nos basaremos en el marxismo y en las lecciones críticas del especialista de arte John Berger.
Muchos historiadores liberales se preguntan el porqué Rubens, en este cuadro, prestó tanta atención a la minuciosa representación de los objetos y las calidades de los mismos (brillos, texturas visuales de las telas, etc). Estos autores no pueden desprenderse de su falsa concepción del “arte por el arte”, de las cosmovisión de su propia clase a la que normalmente pertenecen: la pequeña burguesía. Esta cosmovisión no sólo la aplican a su día a día sino a la propia historia falseándola, consciente o incoscientemente, y adecuándola a sus intereses, preocupaciones o ausencia de las mismas. Por esta razón, jamás entenderán algo obvio para personas que busquen la verdad, y un análisis no condescendiente con nada ni con nadie en la obra de arte. Y en este caso, lo cierto es que el sencillo motivo por el que Rubens se esmeró tanto en la recreación fidedigna y verosímil de las cualidades de los vestidos que vestían a su persona y a su esposa era porque quería hacer un alarde de las riquezas materiales que podía poseer. Todos esos vestidos caros, y su mujer, de “buena familia”, no eran sino posesiones que merecían ser inmortalizadas en un lienzo, documento ilustrativo de las propiedades de su público-propietario.
En aquellos años no existían las cámaras fotográficas y Rubens (de 33 años y en carrera ascendente) necesitaba pregonar al posible público de su lienzo (gentes de su círculo económico-social) lo que él valía por medio de lo que él podía poseer y de hecho poseía (ya se sabe “tanto tienes, tanto vales” máxima del capitalismo actual y pasado).
Por tanto y pese a la falta de poesía que esto pueda suponer para los críticos de arte burgueses, lo cierto es que Rubens pintó de este modo porque quería presumir de buena ropa y estatus, del mismo modo que si un rico de nuestra época se fotografiara junto a su piscina o su Ferrari. Lamentable pero cierto, tanto ayer como hoy.
Como decía Suzi Gablick, para entender una obra de arte, debemos también entender su función social en su contexto histórico. Su función social real, no la que nos quiere hacer ver o la que oficialmente se nos esgrime como auténtica, añado yo.
Rubens fue un importante diplomático y quizás el artista más cotizado de su época. Precisamente el año que realizó este cuadro, el pintor fue contratado como pintor de la corte del archiduque Alberto y su esposa Isabel, gobernadores españoles en los Países Bajos. El contrato lo liberaba de las normas de los (todavía) fuertes gremios y lo eximía de pagar impuestos, además de percibir un salario anual base de 500 florines, sin contar encargos (un buey costaba en la época 90 florines y un buen retrato se cobraba aproximadamente a 60 florines, cuando según Arnold Hauser en su mejor momento Rubens cobraba 100 florines por día de trabajo).
Además Rubens, pudo realizar una obra ingente gracias a su taller pictórico, en el que aplicaba métodos de manufactura en la organización del trabajo artístico. La escrupulosa selección de artistas especializados de primer orden como Van Dyck y Jordaens (que llegaban a realizar en algunos casos todo el cuadro excepto manos y rostros) también le ayudó a aceptar gran número de encargos en breve plazo. Por otra parte, dicen que en su taller había un número no inferior a un centenar de asalariados y esclavos que ayudaban con las tareas más penosas de la producción pictórica. Sólo así se entiende que se le atribuya al pintor flamenco la autoría de una ingente cantidad de cuadros, muy por encima de los más prolíficos autores de su tiempo.
Rubens fue un buen artista, un gran maestro, pero también un hombre de alto standing de su época, un alto funcionario de la Corte que rodeado de importantes influencias supo aprovecharse de las mismas para impulsarse como pintor y vivir en la riqueza típica de una fortuna principesca, lo que entre otras cosas le hizo construirse su famoso palacio-taller de Amberes y vivir una vida rodeado de lujos. Un tipo listo este Rubens, quizás no tan pillo/pícaro/cara-dura como Miquel Barceló, pero seguro que mucho mejor pintor y más confiado autor. Como prueba un botón, en boca del propio aristocrático flamenco:
“Mi talento es tal que ninguna empresa, por muy grande y variada en su objeto que sea, podría superar mi confianza en mí mismo”
En la confianza, desde luego que no. Descanse en paz.

El Greco (1540-1614).

2009-01-26T02:07:00.009-05:00

Tanto la vida como la persona del Greco, hasta hace poco han sido un misterio. Y aún ahora desconocemos casi por completo la vida de este extraño personaje, griego de origen, que ha sido uno de los más grandes pintores de la historia del arte español. Las investigaciones en los archivos de Toledo y de Venecia han ido arrojando luz sobre estos temas.
La fecha de su nacimiento nos la proporcionó él mismo en 1606, durante un proceso en Illescas (Toledo), en el que confiesa tener 65 años. Doménikos Theotokópoulos nació, pues, en Candia, capital de la isla de
Creta, a finales de 1540 principios de 1541, donde recibiría su primera formación como pintor y alcanzando título de maestro.
Se sabe que muchos pintores de Candia estaban organizados en una Cofradía colocada bajo la advocación de San Lucas (Roma) y que el proceso de aprendizaje estaba regulado de manera que los aprendices entraban en los talleres a los 14 o 15 años y no podían conseguir el título de maestro hasta los 20. Pues bien: en una de aquellas escuelas de humanidades y en uno de estos talleres candiotas debió formarse Doménikos. Y esto si es que no recibió una formación integral en el propio taller.
Aún así, el problema de la formación inicial del pintor presenta aún grandes sombras. Hoy sabemos que en la pintura cretense del siglo XVI existía una doble dirección. Había una rama tradicional, fiel a los modos bizantinos heredados de la época de los Paleólogos, y otra "moderna", ecléctica, en cuyo desarrollo jugó un gran papel el comercio de estampas y en la que se mezclaban elementos de raigambre bizantina con otros italianos (estos últimos, sobre todo, de índole compositiva e iconográfica). Por otro lado, está documentada la existencia de pintores que trabajaban, según los casos, en una u otra manera, practicando lo que se ha denominado un "bilingüismo". El dato de que el cuadro vendido por El Greco en 1566 mediante el sistema de lotería era dorato (esto es, hecho "a la griega") hace presumible que El Greco -que ya firmaba como "maistro" en 1566- debió ser adiestrado en las dos maneras usadas en la isla. Es decir: que también él fue en su extrema juventud un pintor "bilingüe". Y también parece acertada la idea de que el taller al que asistió debió ser uno de los más avanzados.
Por otra parte, su nombre también ha sufrido varias transformaciones, desde el auténtico Domenikos Thotokopoulos (hijo de Dios) hasta el españolizado Doménico Theotocópuli o simplemente Doménico Greco, debido tal vez a la dificultad de su nombre.
Pero entre diciembre de 1566 y agosto de 1568, lo más probablemente a lo largo de 1567 y quizás antes de julio, El Greco abandonaría Creta para instalarse durante unos tres años en Venecia.

El Greco en Venecia
En fecha aún desconocida pero situada con toda seguridad entre enero de 1567 y agosto de 1568, El Greco se traslada a Venecia para convertirse en un pintor occidental. No sabemos cómo realizó el viaje ni cuáles eran los apoyos con que contaba en la ciudad, aunque cabe suponer que estos estarían entre el círculo de relaciones de su hermano Manussos -diez años mayor que él y que gozaba de un buen "status" siendo recaudador de impuestos-, o pertenecerían a la colonia de artistas cretenses que trabajaban allí.
No tenemos ningún dato seguro de la estancia del Greco en Venecia (salvo, obviamente, que su presencia está documentada allí en agosto de 1568). Una serie de testimonios contemporáneos sugieren que estuvo en el taller de Tiziano.
En las obras del Greco se aprecian elementos de neta estirpe tizianesca, pero también otros que proceden de Tintoretto, de Bassano e incluso de Veronés. A este propósito no deja de ser significativo que buena parte de estos cuadros estuviesen hasta la segunda mitad del siglo pasado atribuidos a Tintoretto (el Retrato de Giovanni Battista Porta o La huída a Egipto) a Veronés (La expulsión de los mercaderes de Minneapolis y La curación del ciego de Parma (arriba)) o alguno a Bassano (El Soplón de Nápoles, La adoración de los pastores del Duque de Buccleuch y la Curación del ciego de Dresde (abajo)). No ha de extrañar, por tanto, que muchos críticos hayan puesto en cuestión el aprendizaje del cretense junto a Tiziano.
Tal vez El Greco obtuvo del Tiziano la promesa de consejos ocasionales y el permiso para asistir al taller o para copiar alguna obra. Pero es difícil creer en una relación prolongada y firme entre ambos. De hecho El Greco no se comportó durante el tiempo que permaneción en Venecia como el discípulo leal de un solo maestro. Llegó allí en un momento de esplendor pictórico, con Tiziano viviendo una gloriosa senectud y Tintoretto, Veronés, Bassano y Schiavone en plena expansión vital. Y ante este panorama y como un pintor ya formado, reaccionó con independencia de juicio recogiendo, eclécticamente, de cada uno aquello que convenía a su propia naturaleza expresiva. En sus obras se harían innegables las enseñanzas técnicas de Tiziano pero también la profundidad del color y el sentido escenográfico del Veronés, la actitud ante la naturaleza o el interés por los problemas lumínicos artificiales de Jacopo Bassano y, sobre todo, la inquietud espirutual, el dramatismo, el gusto por los escorzos y las actitudes contrapuestas y algo del sentimiento especial de Tintoretto.

El Greco en Roma
En el verano o el otoño de 1570 Doménikos abandonó Venecia para dirigirse a Roma. No conocemos sus razones. Como se ha señalado con frecuencia, en Venecia la competencia era demasiado fuerte como para aspirar a abrirse camino con rapidez. Pudo pensar que en Roma, donde tras la desaparición de Miguel Angel en 1564 no quedaba nadie que pudiera codearse con los grandes pintores venecianos, había mejores expectativas, pero ello parece improbable. El era aún un pintor en proceso de formación, totalmente desconocido y además educado en los principios venecianos de primacía del color sobre el dibujo. Y aunque el sentimiento de su propio valer parece haber sido siempre muy elevado, debía ser consciente de que ésas no eran precisamente las mejores cartas de presentación en una Roma donde los seguidores de Miguel Angel dominaban el panorama artístico y acaparaban los encargos. Es muy posible, por tanto, que la estancia romana fuese concebida en principio únicamente como una etapa más, la final, dentro de su proceso de conocimiento y asimilación de los modos renacentistas.
Se sabe que estuvo en Parma donde pintó la cúpula de la Catedral, la Magdalena de La Virgen con el Niño, San Jerónimo y María Magdalena de Correggio, que hasta 1712 estuvo en su emplazamiento original, la iglesia de San Antonio.
En cuanto a su estancia en Roma, El Greco vivió en palacio trabajando al servicio del Cardenal Farnesio, seguramente por recomendación de Giulio Clovio, miniaturista croata nacido en 1498 que trabajaba en Roma al servicio de los Farnesio.
Dos cuadros del Greco, El soplón del Museo de Capodimonte y La curación del ciego de Dresde, pertenecieron a la colección Farnese, y en el inventario de la de Fulvio
Orsini, bibliotecario del Cardenal, se registran otros siete: una Vista del Monte Sinaí (que debe ser la que hoy se halla en Viena), el Retrato de Giulio Clovio (arriba) del Museo de Nápoles, y cinco más hoy desaparecidos. Y esto, unido a la vaga alusión a un "pittore greco" que se hallaba al servicio del Cardenal en 1572 (contenida en una carta enviada el 18 de julio de ese año por Ludovico Tedeschi, mayordomo de los Farnesio, a su señor) parece certificar, aunque sea de modo indirecto, la presencia de Theotocopuli en el palacio al menos durante dos años.
Bajo la protección del Cardenal Alessandro, El Greco accedió a un círculo selecto de eruditos, literatos y artistas, que debió colmar inicialmente todas sus espectativas. Sin embargo éstas no se cumplirían sino a medias ya que, por lo que sabemos, los Farnesio no llegaron a ofrecerle la posibilidad de explayar sus dotes mediante la realización de algún gran encargo. Los dos cuadros que pintó para ellos, El Soplón de Nápoles y La curación del ciego de Parma, aunque muy importantes para seguir su trayectoria, son obras de formato bastante reducido y fueron realizadas muy probablemente por sugerencia de Fulvio Orsini. Por otra parte no deja de ser significativo que no fuese utilizado para retratar a los miembros de la familia cuando éste era un género de cuyo dominio se vanagloriaba.
Es probable que durante su estancia en palacio su "status" no sobrepasara el de un simple ayudante de Giulio Clovio en sus tareas de miniaturista.
Hacia 1575 El Greco tenía bastantes razones para intentar la aventura española. La primera, seguramente, era la de su propia situación personal en Roma, la de un pintor ya maduro y, con toda seguridad, orgulloso de su propio valer, que sin embargo no lograba abrirse camino. Y este hecho, unido a su incapacidad para abrirse paso en los medios de la Curia y quizá la enemiga de los sectores de Miguel Angel, pudo persuadirle de que Roma se había cerrado para él. Al menos, la parte de Roma que a él le interesaba primordialmente.

El Greco en España
No se sabe la fecha exacta en que El Greco llegó a España ni quién lo trajo. Sólo se afirma que su viaje a España no estuvo motivado por ningún asunto de índole privada, y hay quienes piensan que debió originarse por el deseo de encontrar remuneración digna de sus aspiraciones en las obras de El Escorial, que por el año 1575 se impulsaron con febril actividad.
Nuestro pintor ya había dejado en Venecia a Tiziano ocupado en concluir sus últimos cuadros para el monarca español, Felipe II, y había hallado a Clovio en Roma pintando miniaturas encargadas por el mismo rey. La atmósfera era, pues, propicia para que El Greco se acercase a la corte española. Fuera esto o que, directamente de Roma fuera traído por el deán de Toledo don Diego de Castilla, cofundador de la nueva iglesia de Santo Domingo el Antiguo, lo único cierto es que las primeras y más antiguas noticias de su estancia en España consisten en la fecha del 2 de julio de 1577, en que El
Greco recibe 400 reales a cuenta del Expolio (arriba), para la Catedral de Toledo. En esta ciudad trabajaba ya para la iglesia de Santo Domingo el Antiguo, cuya Asunción lleva, con la firma, la fecha de 1577 (la fecha de este último contrato es del 8 de agosto del mismo año).
Algunos investigadores afirman que vivió en Madrid alguna temporada, aunque no se ha encontrado prueba documental de ello, por lo que se acuerda que desde entonces vivió en Toledo para cuyas cercanías -Madrid, El Escorial, Illescas,...- pintó sus grandes obras.
En el pueblo toledano, Doménicos se ubicaría, aunque no todo el tiempo, en las casas principales del marqués de Villena, que ya no existen y que ocupaban, en general, todo lo que es hoy el paseo del Tránsito. Estas eran en realidad un viejo palacio gótico-mudejar construído en el siglo XIV y que, en el siglo siguiente pasaron a ser propiedad de los Marqueses de Villena que las conservaban, sin habitarlas, en época del Greco. La que se conoce hoy por Casa del Greco, reconstruída y convertida en Museo por el Marqués de la Vega Inclán a comienzo de nuestro siglo. El Greco comenzó a vivir en estas casas en agosto de 1585 y permaneció allí al menos hasta 1589. Después, en fecha desconocida, se mudó a unas casas propiedad de don Juan Suárez de Toledo en las que también debió de residir unos años. Pero en 1604 volvió a las casas del marqués de Villena y ya no las abandonaría jamás.
Fruto de su relación con Jerónima de las Cuevas, de familia bastante relevante, nació su hijo Jorge Manuel, su más fiel ayudante y aprendiz. Pero la existencia de Jerónima es conocida solamente a través del poder que el pintor dio a su hijo en 1614 para que realizase testamento en su nombre. En él, Doménico consignaba que por su enfermedad no podía "... hazer ni otorgar ni hordenar mi testamento" y afirmaba que "...tengo tratado e comunicado con Jorge Manuel Theotocopuli mi hijo y de Doña Gerónima de las Cuevas, que es persona de confianza y de buena conciencia lo que cerca de ello se a de hazer". No ha vuelto a encontrarse ni una sola referencia más a doña Jerónima, por lo que su personalidad y la naturaleza de sus relaciones con el pintor son un enigma. Sin embargo es seguro que El Greco no se casó con ella.
Toledo le dió la fama y consolidó al artista. En 1580 Felipe II le encargaría el Martirio de San Mauricio para una capilla del monasterio de El Escorial. Poco después, en octubre de 1584, Andrés Núñez, párroco de la iglesia de Santo Tomé en Toledo, recibiría la aprobación de la curia para el encargo del Entierro del conde Orgaz. Es la recompensa y el éxito del artista, que se ve saturado de trabajo y de encargos.
En 1591 llegaría a Toledo su hermano Manusso, que se quedaría a vivir con él hasta su muerte. En este mismo año El Greco se compromete con la iglesia de Talavera la Vieja.

Sus últimos años de vida
El año 1607 marcó un punto de inflexión en la vida del Greco. En ese año el pintor acabó por plegarse en el largo litigio que le había enfrentado con los administradores del Hospital de la Caridad de Illescas, Tristán abandonó el taller y Preboste salió inopinadamente de su vida, ambos dos amigos y discípulos.
El Greco recibiría aún dos grandes encargos en 1608 -el retablo para la Capilla Iballe en la Iglesia de San Vicente y el mayor y dos laterales para la iglesia del Hospital de Afuera- pero todo hace suponer que ya la edad y los achaques le impedían mantener su anterior capacidad de trabajo. Sus facultades se mantendrían intactas hasta el final: los retratos de estos años y cuadros como la Asunción de la Capilla Oballe (entregada en 1613) o el Laocoonte, son claros testimonios de una gloriosa vejez. Pero el gran número de obras dejadas sin terminar (entre ellas, algunas tan importantes como las del Hospital de Afuera) y la cada vez más patente intervención de su hijo Jorge Manuel en lienzos en los que en cierto modo se jugaba su prestigio, demuestran que Doménico era incapaz de un trabajo continuado.
Ya en estos sus últimos años, decoraría la Capilla Oballe, el Hospital de Tavera, y pintaría su Laocoonte (arriba), La Vista, el Plano de Toledo, algunos cuadros de devoción como La expulsión de los mercaderes del templo, y algunos retratos (Licenciado Jerónimo Cevallos, Retrato del Cardenal de Tavera, de Fray Hortensio Felix de Paravicino, o el de Giacomo Bosio).
El Greco murió, con 73 años de edad, el 7 de abril de 1614. Día antes, sintiéndose ya tocado por la muerte, había otorgado un poder (equivalente a un testamento) para que Jorge Manuel testase en su nombre. En él dejaba a su hijo como heredero universal y nombraba como albaceas al propio Jorge Manuel, a don Luis de Castilla y a fray Domingo Banegas, un dominico del monasterio de San Pedro Mártir. Y siguiendo las fórmulas habituales en los testamentos, aludió a la gravedad de su estado e hizo fervientes protestas de su fe católica y de su fidelidad a los mandatos de la iglesia. Según se dice en el testamento que redactó su hijo casi dos años después, el 20 de enero de 1616, el cretense fue "metido en un ataud y depositado en una bóveda de la iglesia del monasterio de Santo Domingo". Esta bóveda, frontera a la Capilla de los Gomaras, había sido cedida en 1612 a Jorge Manuel y su padre por el pago de 32.600 reales. Sin embargo, en 1618 y ya muerto don Luis de Castilla (que como patrón del convento lo habría evitado), las monjas de Santo Domingo obligaron a Jorge Manuel a renunciar a la sepultura que le habían cedido en 1612 "para siempre jamás" y quedó en Toledo la fama del traslado que nunca se hizo de los restos de su padre a nuevo enterramiento familiar que construyó en la iglesia de San Torcuato. Después, esta iglesia desaparecería.
Los restos del Greco se encuentran hoy en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo donde descansan al auspicio de las monjas.

Frederick Childe Hassam

2009-01-18T23:55:00.006-05:00

Dorchester, 1859 - East Hampton, 1935

Frederick Childe Hassam, hijo de un comerciante de Boston, nació el 17 de octubre de 1859 en Dorchester, Massachusetts. Estudió en la Mather School de Dorchester, donde recibió formación en dibujo y acuarela. Hassam tuvo como maestro a George E. Johnson, un grabador de Boston, pero en 1879 se convirtió en un ilustrador que trabajaba por libre y proporcionaba dibujos a periódicos tales como Harper's Century y Scribner's. Durante esta época estudió también en el Boston Art Club en el Lowell Institute, donde tuvo como maestro a William Rimmer. Recibió clases particulares de Ignaz M. Gaugengigl, quien había estudiado en Múnich.
En 1883, Hassam hizo el primero de los que con el tiempo se convertirían en cinco viajes a Europa. El pintor Edmund H. Garrett le acompañó en su periplo por Escocia, Inglaterra, Francia, Países Bajos, Suiza, Italia y España. Al volver a casa recibió clases en el Boston Art Club y se convirtió en miembro del Boston Paint and Clay Club, una organización que reunió a artistas y críticos. Hacia el año 1885 comenzó a pintar vistas diurnas y nocturnas de la atmósfera de la ciudad de Boston con sus calles envueltas por la niebla, la lluvia o cubiertas por la nieve. Cuando Hassam volvió a Europa en 1886, pasó la mayor parte de su tiempo en París. Asistió a clases en la Académie Julian, en la que tuvo como maestros a Gustave Boulanger y Jules-Joseph Lefebvre. Expuso El otoño y Sol y flores en el Salon de París del año 1889, así como cuatro pinturas en la Exposition Universelle, en la que recibió una medalla de bronce. Antes de regresar a América, pasó parte del verano de aquel año en Inglaterra.
En 1890, Hassam conoció y se hizo amigo de John Twachtman y de J. Alden Weir. Expuso en la muestra final de la Society of Painters in Pastels, formó parte del Players Club y se convirtió en miembro de la Society of American Artists y de la American Watercolor Society. Volvió a Appledore, islas Shoals, pequeña isla cercana a la costa de New Hampshire, lugar que conocía desde su juventud, y continuaría pintando durante los siguientes quince años. En Appledore la actividad literaria y artística se centraba en torno al salón de la poetisa Celia Thaxter, la primera discípula de Hassam; ilustró su libro An Island Garden, que fue publicado en 1894.
En 1895, Hassam visitó La Habana, Cuba, y en 1896-1897 viajó de nuevo a Europa, donde pasó un año en Francia, Inglaterra e Italia. Tras dimitir del puesto que ocupaba en la Society of American Artists en 1898, Hassam entró a formar parte del Grupo de los Ten American Painters. Hassam publicó Three Cities en 1899, un libro ilustrado con las vistas que el pintor había ejecutado de París, Nueva York y Londres. En 1902 fue elegido miembro asociado de la National Academy of Design y en 1906 se convirtió en académico. Hassam viajó fuera del oeste en 1904, 1908 y 1914; viajó de nuevo a Europa en los años 1910 y 1911. En 1915 Hassam empezó a interesarse en el grabado al aguafuerte y a lo largo del año 1917 empezó a ejecutar litografías. Entre los años 1916 y 1919 pintó sus conocidas Pinturas de banderas, una serie de unas treinta vistas de la Quinta Avenida decorada con estandartes, empavesados y banderas colocadas para conmemorar varias celebraciones patrióticas. Estos cuadros se expusieron por vez primera en las Galeries Durand-Ruel en 1918. Hassam se trasladó a East Hampton, Long Island, NY, en 1919, lugar que convirtió en su residencia permanente durante el verano. Fue elegido miembro de la American Academy of Arts and Letters en 1920. Hassam murió el 27 de agosto de 1935 en East Hampton.

Jules Joseph Lefebvre (1834-1911)

2009-01-10T20:07:00.013-05:00

Jules Joseph Lefebvre (1834-1911) Pintor francés que practicó el clacisismo académico.

Hijo de Martín Lefevbre y Caroline Adelaide. La familia Lefebvre se instala en Amiens, donde el joven Jules, reconocido ya por sus dotes artísticas, obtiene una beca anual de 1000 francos para continuar sus estudios, ingresando a la escuela de Bellas artes en el año 1852.

Participa del primer salón de París en 1855 y en 1861 obtiene el primer premio por su obra "La muerte de Priam". En la casona Médicis, estudia a los grandes maestros italianos. En ese período aumenta su interés por los desnudos femeninos, pintando el primero en 1863. Este mismo año, la pérdida de sus padres y su hermana lo sumergen en una severa depresión, superada la cual, regresa a Paris con una visión y un acercamiento diferente al arte.

Reconocido retratista, su obra "La verdad" le otorga la consagración y el reconocimiento del público. En 1870 es nombrado Caballero de la legión de honor y nombrado profesor de la Academia Julien, reconocida por la formación de artistas de ambos sexos, en una época donde las mujeres no eran admitidas en la escuela de bellas artes. En 1889 gana el Grand prix de la Exposición Universal y se convierte en miembro de la academia de Bellas Artes. En 1898 es ascendido al grado de Commandeur de la Légion d’Honneur.

Jules Lefebvre fallece el 25 de febrero de 1912 a la edad de 78 años. Sus obras son expuestas en los principales museos del mundo y en numerosas colecciones privadas. Entre sus obras se destacan: "La verdad", expuesta en el Musée d'Orsay de Paris; “Maria Magdalena en la gruta”, expuesta en el State Hermitage Museum de San Petersburgo y "Pandora" y "Diana sorprendida", expuestas en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires

Henri Matisse

2009-01-03T00:06:00.008-05:00

(Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés. Cursa estudios de jurisprudencia entre 1887 y 1888, en la Universidad de París, que se ven interrumpidos por una larga y grave enfermedad que le retiene en cama hacia 1890. Durante su convalecencia empieza a pintar, y en 1891, ya recuperado, vence la oposición de sus padres y abandona la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde estudia bajo la dirección de Bouguereau. En 1892 entra en el Estudio de Gustav Moreau, en la Escuela de Bellas Artes, donde cursa estudios de pintura durante cinco años. Es allí donde conoce a Rouault y a Manguin. Asiste también a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Decorativas, donde entabla amistad con Marquet.

Su primera exposición data de 1896-97 en el Salón de la Sociedad Nacional. Ese mismo verano conoce a Rodin y Pisarro y se interesa por la pintura impresionista. En 1898 viaja a Londres, animado por Pissarro, y allí descubre la obra de Turner; también visita Córcega y Toulousse. Las obras producidas durante estos viajes son las conocidas como protofauvistas, por la riqueza de su colorido y el grueso empaste; son fundamentalmente paisajes. De vuelta a París, asiste durante algunos meses a las clases de Carrière, en cuyo taller conoce a Derain y a Puy. Descubre en estos momentos a Cézanne (le compra a Vollard las Tres Bañistas).
Se inicia en la escultura siguiendo las enseñanzas de Rodin. En 1901 expone en el Salón de los Independientes y conoce a Vlaminck. Reconoce que la obra de Vlaminck y Derain es cercana a la suya y en 1903 participa en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin. En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, que será adquirido por Signac, donde muestra su interés por las teorías y técnicas del divisionismo, que muy pronto abandonaría en favor de la exaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo.
1905 es el año de la presentación de una nueva tendencia que el crítico Vauxcelles bautizaría como Fauve, es decir, fieras, en el Salón de Otoño. Los Stein adquieren en ese momento la obra Mujer con Sombrero. Su obra Retrato de la Sra. Matisse causa, a pesar de sus reducidas dimensiones, un gran impacto en el Salón debido a la sabia saturación de los colores chillones. Matisse utiliza aquí el color en todas sus posibilidades expresivas.
En 1906 expone de nuevo con el grupo de los Fauves (Manguin, Marquet, Puy, Derain, Van Dongen, Rouault) en el Salón de Otoño y realiza su primer viaje a África, donde le impresionan los trabajos de arte popular, sobre todo los tejidos y las cerámicas. Pinta Naturaleza muerta con tapete rojo. En 1907, por medio de Gertrud Stein, conoce a Picasso y realiza su primer viaje a Italia.
En 1908, ilusionado por transmitir sus ideas a los artistas más jóvenes, abre una academia que sólo mantendría hasta 1911 y realiza su primera exposición individual en Nueva York, en la galería de Alfred Stieglitz. En 1908 pinta su famosa obra Armonía en Rojo, una escena de interior con naturaleza muerta, figura y paisaje visto a través de la ventana, donde Matisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente sólo se reservaba a los desnudos; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje, en el fondo, que se presenta como un preludio de lo que más tarde realizaría en África.
En 1909 recibe del coleccionista ruso Schukin el encargo de pintar dos grandes paneles: La Danza y La Música; la primera, puede ser interpretada cómo una demostración anticubista de como las figuras pueden unirse a través del arabesco y de los intensos contrastes de color contra el fondo abstracto;... las fuentes de este mural son variadas, desde las figuras de los vasos griegos a las imágenes greco-romanas de las Tres Gracias. También en 1910 esculpe su primer altorrelieve, La Espalda 1.
En 1910 realiza una amplia muestra individual en París, en la galería Bernheim-Jeune y viaja con Marquet a Munich para visitar la exposición de arte islámico. En 1911, viaja a Moscú para instalar los paneles en casa de Schukin y conoce los iconos y las artes decorativas bizantinas, que pasarán a ser un elemento esencial en su repertorio estilístico. Es claro ejemplo de ello El Estudio Rojo, en el que destaca la simplicidad del colorido. La superficie del cuadro es mate y plana y representa el estudio del artista, esta vez sin el artista y sin modelo, solamente con cuadros y algunos otros objetos.
Poco después viaja a Marruecos con Camoin y Marquet; pasa en el Norte de Africa los veranos de 1911-12 y 1912-13. Del primer verano data Jardín Marroquí, una composición casi abstracta de verdes y rosas. En 1913 participa con varias obras en el Armory Show neoyorquino y en la Secesión berlinesa. El estallido de la guerra provoca el traslado de él y su familia (se había casado en 1898 con Amélie Parayre, con quien tenía dos hijos) a Collioure, donde conoce a Juan Gris. En 1915 realiza una exposición individual en la galería Montross de Nueva York.

En 1916 pasa el invierno en Niza por primera vez. La placidez y el lujo de la Costa Azul resultan ser muy de su agrado y decide pasar allí la mayor parte del tiempo. Comienza en su obra una etapa de intimismo, con interiores, desnudos, odaliscas y naturalezas muertas como temas predominantes. En 1919 realiza su primera muestra individual en Londres, en las Leicester Galleries. En 1920 colabora con los ballets rusos de Diaghilev realizando las escenografías de obras de Stravinski.
En 1925 realiza un nuevo viaje a Italia y su estilo se hace mas robusto, como muestra Figura Decorativa, que es considerada la obra culmen de la preocupación de Matisse por el desnudo en un decorado oriental: la figura se presenta esquemática y monumental. Empieza a alcanzar un éxito evidente (en 1927 obtiene el premio del Carnegie International de Pittsburg, y vende prácticamente todo en la exposición de Dudensing Gallery en Nueva York).
Data de estos años Odalisca con pantalones grises, donde retoma la temática orientalista fuera del lugar de origen, en el estudio de París. Entre 1929 y 1933 se le organizan exposiciones retrospectivas en Berlín, Basilea, Nueva York y París. Recibe encargos del coleccionista americano Barnes para su fundación en Merion, Pennsylvania. Estos murales retoman el tema de la danza, en un esquematismo que se adapta perfectamente a su función decorativa.
En 1940, tras la derrota francesa, Matisse piensa en emigrar a Brasil, pero finalmente retorna a Niza; en 1941 sufre una grave enfermedad intestinal; tras su recuperación retoma el trabajo con fuerzas. En 1944 su mujer es arrestada y su hija deportada, Matisse se vuelca en su arte. Al finalizar la guerra, expone con Picasso en el Victoria and Albert Museum de Londres; después presenta una gran retrospectiva en el Salón de Otoño de París. Entre 1948 y 1950 trabaja en la decoración de la Capilla del Rosario de Vence (donde residía desde 1944). Se publica Jazz, una colección de reproducciones de los famosos papiers découpés (papeles recortados), acompañados de un texto poético del propio Matisse. La obra más ambiciosa hecha con papeles recortados es La Piscina de 1952, donde las figuras están distorsionadas para crear el efecto de hallarse bajo el agua.
En 1949 vuelve a Niza. El Museo de Lucerna le organiza su primera gran exposición antológica, con más de trescientas obras. En los últimos años de su vida, los reconocimientos a su trabajo se suceden con la concesión del premio de la Bienal de Venecia (1950), la retrospectiva del Museo Nacional de Tokio (1951), la apertura de un museo dedicado a su obra en su ciudad natal y la individual en el Museo de Arte de San Francisco (1952). Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de ochenta y cinco años.
Aunque Matisse sea conocido fundamentalmente como pintor, fue también un excelente escultor y dibujante. A lo largo de su dilatada carrera recibió las influencias de diversos movimientos del siglo XIX (Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Post-Impresionismo) que transformó en un lenguaje moderno. Los maestros a los que más estudió fueron Poussin, Chardin, Watteau, Courbet, Manet y Cézanne. Su posición histórica como iniciador del Fauvismo no debe oscurecer sus logros personales al margen de un movimiento que, en realidad, duró poco y no tuvo programa. Su rival en magnitud e influencia fue Picasso, con quién mantuvo una distanciada relación de amistad y respeto durante muchos años. Los temas principales de su pintura fueron la naturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno (el estudio).

Rufino Tamayo (1899-1992)

2008-12-23T02:48:00.006-05:00

Rufino Tamayo

Rufino del Carmen Arellanes Tamayo nace el 26 de agosto de 1899, en la ciudad de Oaxaca, en una familia de indios zapotecas.
1910
Huérfano, en 1911 se traslada, con su tía Amalia, a la ciudad de México. Ingresa como alumno regular a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde comienza su vida de pintor
1920
La iniciación de Tamayo coincide con el apogeo de la pintura mural mexicana, Tamayo decide no repetir a otros y busca no reducir su arte a una forma más de la retórica política. Opone al estilo nacional un estilo personal La pintura de su primer periodo tiene composiciones que revelan su afinidad, inevitable y natural, con la pintura de la época. Pronto se alejará de ella, Su incursión en el campo de la gráfica va de la mano con las posibilidades de la experimentación.
1930
Entre 1926 y 1938, Tamayo pinta naturalezas muertas y paisajes urbanos en linea con Cézanne: Escuela de Composición. Por ese camino llegará después a Braque. No es pintura cubista; es una de las consecuencias de ese movimiento. Otras telas de esos mismos años aparecen con una inspiración, más libre y lirica, definida con la exaltación por el color de la vida cotidiana. Sensualidad más que erotismo: Matisse, pero aunado a la exasperación y ferocidad ausentes en el maestro francés. Durante estos años, su labor gráfica tiene un alcance internacional.
1940
Primer gran periodo creador Coincide con su estancia en Nueva York cerca de veinte años. En 1949 viaja por primera vez a Europa y expone en París, Londres, Roma, entre otras ciudades de ese continente. Es en esta década donde surgen los verdaderos contemporáneos de Tamayo: Dubuffet, Fautrier Bacon, Balthus y Willem De Kooning, con los que comparte más afinidades que con Matta y Lam. En estos ands pinta una serie de telas violentas, a veces sombrías, otras exaltadas y siempre intensas y reconcentradas. Es aqui donde
Tamayo descubre la facultad metafórica de los colores y las formas, el don del lenguaje Que es la pintura. El cuadro se convierte en la contrapartida plástica de la imagen poética, no en la traducción visual del poema verbal como en los surrealistas, sino en una metáfora plástica: un arte de la transfiguración. El sitio de Tamayo y sus signos al empezar una exploración del mundo de la pintura son puntos de partida hacia sí mismo.
1950
Tamayo ha consolidado su fama y reputación. En los primeros años de esta década, finaliza los murales Nacimiento de nuestra nacionalidad, México de hoy, Homenaje a la raza india, La noche y el dia, Naturaleza muerta, América y dos versiones de Prometeo. Al finalizar la década, retoma el quehacer gráfico y aprovecha los avances técnicos para imprimir en la obra seriada una insólita delicadeza y una sorprendente originalidad, otorgando a sus formas una gran elegancia. La litografia es para Tamayo una técnica acorde a su sensibilidad y también un campo de innovación.
1960
En 1964 Tamayo regresa definitivamente a México. Finaliza seis murales más, entre los que se encuentra Dualidad el cual ha devenido en un icono del arte mexicano. En la gráfica sus últimas creaciones revelan un gran refinamiento.
1970
Creación pictórica y gráfica corren paralelas. En pintura elimina lo superfluo, con inteligente disciplina ordenadora y depuradora. En la gráfica introduce diversos materiales y usa el collage logrando ilimitadas posibilidades en la textura y calidad de sus obras, A mediados de la década, comienza a experimentar con un nuevo proceso llamado mixografía, en los talleres de Luis Remba. Ambos diseñan nuevas herramientas y maquinaria especial, con lo que integran color y textura, que se fusionan al papel, convirtiéndose en sustancia y parte del mismo.
1980
El rigor plástico y la imaginación que transfigura el objeto son los polos que definen la pintura de Tamayo. La compleja síntesis a la que ha llegado el artista incluye el arte precolombino, el arte popular y las vanguardias del siglo, Trabaja la serigrafía, potencializando la fuerza del color creando contrastes insólitos, que no existían en esta técnica tan limitada, La última etapa del artista puede sintetizarse en un comentario de Octavio Paz: "el elemento reflexivo es la mitad de Tamayo, la otra mitad es la pasión que nunca se degrada... la belleza no es proporción ideal ni simetría sino carácter energía, ruptura: expresión",
1990
Termina el que será su último cuadro: El muchacho del violón. Muere el 24 de junio de 1991, Sus restos descansan en el museo que lleva su nombre, Deja inconcluso un retrato de mujer Tamayo había expresado: "En cierta forma toda mi obra habla de amor llegué a la conclusión de que el amor es la mejor razón para vivir... amor en un sentido... universal: amor a la naturaleza, a los objetos, al trabajo mismo... contemplo la tierra y el espacio, observo pinto y siento que va surgiendo en mí un gran amor".

Rufino Tamayo (1899-1992) Uno de los principales artistas en la historia de México

Nació en Oaxaca y vivió desde 1907 en la Ciudad de México. En 1917 se inscribió como alumno en la Escuela Nacional de Bellas Artes; pocos años después fue jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología. Residió 29 años entre Nueva York y París. El manejo del color, las líneas y las luces en vibraciones revelan una fuerte y original personalidad.

Es uno de los maestros de la pintura nacional que ha dejado honda huella en muchos otros artistas, con su obra plena de significados y expresiones étnicas, en un lenguaje de formas propias, resultante de la asimilación de las tendencias más modernas de la plástica, con lo que aborda temas como la preocupación cósmica, el destino humano, y la vida erótica. En su obra, Tamayo expresaba su propio concepto del México tradicional, nunca siguió la corriente de otros pintores mexicanos contemporáneos cuyos trabajos estaban cargados de mensaje político (José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, por ejemplo). Lea Remba y él crearon un nuevo tipo de obras de arte impresas llamadas mixografía, que son trabajos artísticos impresos sobre papel a los que se les añade profundidad y textura. Una de sus mixografías más famosas es "Dos Personajes Atacados por Perros". Sus pinturas y mixografías han sido expuestas en museos como The Philips Collection de Washington, DC y el Museo Guggenheim de Nueva York, Estados Unidos. En la Ciudad de México, el museo que lleva su nombre expone buena parte de su obra. Fue Doctor Honoris Causa por la universidad de Manila, en 1974; por la UNAM, en 1979; por la de Berkeley, en 1982; y por la Veracruzana, en 1991.
Juventud Florentina Tamayo, madre del pintor, murió en 1907, dejando a Rufino a cargo de su tía Amalia. En 1911 ambos se mudaron a Ciudad de México. Atendió en su adolescencia un puesto de frutas en el Mercado de La Merced y en 1917 ingresó en la Academia de San Carlos de bellas artes. Nombrado jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología. Carrera
Expuso sus primeros cuadros en 1926, año en que viajó a Nueva York y expuso en el Art Center. De retorno en 1929, fue profesor en la Escuela de Bellas Artes y tres años más tarde trabajaba en la Secretaría de Educación Pública al frente del Departamento de Artes Plásticas. Posteriormente residió catorce años en Estados Unidos, exponiendo y realizando diversos murales. Se dio a conocer en Europa en la Bienal de Venecia de 1950. Vida personal
Casado en 1934 con la pianista Olga Flores Zárate, el matrimonió duró hasta la muerte de él, mas no tuvieron hijos. Muerte En 1991, tras contraer una pneumonia, Rufino Tamayo fue internado en el Instituto Nacional de Nutrición en Ciudad de México, donde después de caer en coma, expiró el 24 de junio de 1991. Sus restos fueron cremados y tras la muerte de su esposa, las cenizas de ambos colocadas en un nicho del Museo Rufino Tamayo. Obra
La obra de Tamayo evolucionó desde el uso de perspectiva lineal e influencias cubistas hasta desarrollar un estilo propio. Su trabajo goza de gran reconocimiento internacional y ha sido expuesto prácticamente en todo el orbe, incluyéndose en colecciones de museos con prestigio internacional. Sus murales también decoran los más diversos lugares como el edificio de la UNESCO en París. Reconocimientos Tamayo está considerado como uno de los principales artistas en la historia de México a la par de hombres como Diego Rivera o José Clemente Orozco, si bien su obra no posee un enfoque tan político como la de éstos. Aparte de los honores universitarios mencionados ut supra, Tamayo se ha hecho acreedor a multiples premios y condecoraciones, mencionamo entre ellos:

2º Premio de la Pittsburgh International Exhibition (1952)
Gran Premio de Pintura de la II Bienal de Saõ Paulo (1953)
Premio Nacional de Artes (1964)
Premio Colouste Gulbenkian del Instituto de Artes de París (1969)
Legión de Honor de Francia (1970)
Comendador de la República Italiana (1971)
Denominación de Hijo Predilecto por el gobierno de Oaxaca (1972)
Copa de Oro de Florencia (1975)
Medalla Albert Einstein del Instituto Technion de Israel (1983)

Amadeus Modigliani

2008-12-13T17:33:00.008-05:00

(Livorno, Italia, 1884-París, 1920) Pintor y escultor italiano. Se formó en las escuelas de Bellas Artes de Florencia y Venecia, y bajo la influencia de las obras maestras del Renacimiento italiano, pero en 1906 se estableció en París, donde desarrolló toda su carrera artística. Creó un estilo muy personal mediante la integración de las tendencias más diversas (Botticelli, Klimt, Cézanne, el Jugendstil), que tradujo en una línea muy bien definida y de función constructiva y en la yuxtaposición de grandes masas cromáticas. Después de realizar algunos cuadros, como El violoncelista, en 1909 conoció a Brancusi y juntos descubrieron la escultura negra. Por entonces abandonó por completo la pintura y se centró en la realización de Cabezas en piedra, altamente influidas por las máscaras negras, y de Cariátides. La imposibilidad de encontrar materiales escultóricos durante la Primera Guerra Mundial, le hizo volver a la pintura, y entre 1915 y 1920, fecha de su prematuro fallecimiento por tuberculosis, realizó el conjunto de obras que mejor caracterizan su estilo, todas ellas retratos, con algunas excepciones paisajísticas. Retrató a amigos, conocidos y desconocidos (Campesino, La criadita) en obras de una enorme economía de medios, caracterizadas por las formas simplificadas y muy alargadas, dotadas casi siempre de gran vitalidad rítmica. Entre sus retratos, los más apreciados fueron los de modelos desnudas (Desnudo recostado, Desnudo rojo con los brazos abiertos), objeto también de fuertes censuras por su gran carga sensual y erótica.

(Livorno, 1884 - París, 1920) Pintor italiano cuya vida artística transcurrió en París, en circunstancias extremas en ocasiones, que hicieron de él una leyenda de la bohemia del París de principios de siglo. Su madre, Eugenia Garsin, fue una mujer culta y sensible que alentó al joven Modigliani a seguir su carrera de pintor. Comenzó a estudiar pintura con el pintor livornés Gugliemo Micheli. Hacia 1899 abandona los estudios para dedicarse exclusivamente a la pintura. En 1900 cayó enfermo, probablemente a causa de una lesión pulmonar producida por el tifus que había padecido dos años antes. En 1902, ya recuperado, viaja a Nápoles, Capri y Amalfi; después a Roma, Florencia y Venecia. En 1902 se inscribe en la Escuela Libre de Florencia, dirigida por Fattori. En 1903 se traslada a Venecia, donde conoce a Boccioni y Soffici.
En 1906 decide trasladarse a París, donde frecuenta la Academia Colarossi; traba amistad con Utrillo y Severini; vive en los famosos estudios del Bateau-Lavoir en Montmartre; en estos primeros momentos su obra se deja influir por Picasso, Gauguin y Toulouse-Lautrec. Al año siguiente conoce al doctor Paul Alexandre, que se convertirá en su protector, y lo convence para que se inscriba en el Salón de los Independientes.
De 1908 data la Cabeza de joven mujer, uno de los pocos cuadros que han sobrevivido de su primera llegada a París, obra en la que es evidente su admiración por Touluse-Lautrec y que se encuentra cercana a los expresionistas alemanes por las líneas gruesas que perfilan la figura y los labios rojos muy marcados, aunque no puede darse esta cercanía por influencia, pues muy pocos expresionistas alemanes habían expuesto en París en esas fechas. Un año después realizó los retratos de la familia Alexandre, entre ellos, el del Doctor Paul Alexandre, que aparece retratado delante del cuadro titulado La Judía, también propiedad de la familia.
En verano y primavera de 1909 trabaja enfermizamente en varias esculturas; el exceso de trabajo, el alcohol y la escasa alimentación minan seriamente su salud y vuelve a Livorno. En El mendigo de Livorno expresa su simpatía por los oprimidos y marginados (aunque Modigliani provenía de una familia acomodada, en París vivió como un marginado); la obra es una interpretación de un cuadro antiguo que había en su casa familiar.
Pocos meses después vuelve a París y alquila un estudio al lado de Brancusi, con quien entabla amistad. En 1910 expone con éxito seis obras en el Salón de los Independientes, entre ellas El violonchelista, donde se advierte claramente la influencia de Cézanne. Se interesa vivamente por la escultura sin abandonar la pintura; el poeta Guillaume Apollinaire le vende algunos cuadros.
En 1911 visita Normandía con su tía Laura y presenta sus esculturas y dibujos de cariátides. En 1912 expone de nuevo en el Salón de los Independientes, esta vez esculturas (Cabeza, conjunto decorativo); también es de 1912 el Desnudo sentado, donde ya quedan definidas las características inconfundibles de los desnudos femeninos de Modigliani: el torso pintado de manera más o menos naturalista, casi de cuerpo entero, y la cara con el manierismo típico del artista, sin elementos decorativos que acompañen a la figura o la escondan. En el verano viaja a Livorno, donde se encuentra con la incomprensión de sus amigos con respecto a sus esculturas.
En 1913 comienzan sus problemas con el alcohol; pinta varios desnudos con modelos; conoce a Lipchitz y se hace muy amigo de Soutine. En 1914 conoce, por medio de Max Jacob, a Paul Guillaume, quien empieza a comprarle casi toda su producción y le proporciona un estudio en la calle Ravignan. En ese mismo año conoce a Beatrice Hastings, poetisa y periodista, de quien hace numerosos retratos. En 1915 participa, junto a Kisling, Matisse y Picasso, en la exposición organizada por Paul Guillaume en el número 6 de la calle Huyghens.
Conoce a un nuevo benefactor: el poeta polaco Léopold Zborowski. Su obra empieza a ser reconocida por poetas (Apollinaire, Salmon, Cocteau) y por coleccionistas (Descaves, Netter, Lavel). En 1917 conoce a Jean Hébuterne, quien será su compañera hasta la muerte. En diciembre de ese mismo año realiza su primera exposición individual en la galería de Berta Weill; el día de la inauguración, la policía retira cinco desnudos por ofensas al pudor y no se vende ningún cuadro; a pesar de ello, es un año de intensa producción; los desnudos de estos años ponen de manifiesto la perfecta comunión espiritual entre el artista y sus modelos.

Amedeo Modigliani
(Livorno, 1884 - París, 1920) Pintor italiano cuya vida artística transcurrió en París, en circunstancias extremas en ocasiones, que hicieron de él una leyenda de la bohemia del París de principios de siglo. Su madre, Eugenia Garsin, fue una mujer culta y sensible que alentó al joven Modigliani a seguir su carrera de pintor. Comenzó a estudiar pintura con el pintor livornés Gugliemo Micheli. Hacia 1899 abandona los estudios para dedicarse exclusivamente a la pintura. En 1900 cayó enfermo, probablemente a causa de una lesión pulmonar producida por el tifus que había padecido dos años antes. En 1902, ya recuperado, viaja a Nápoles, Capri y Amalfi; después a Roma, Florencia y Venecia. En 1902 se inscribe en la Escuela Libre de Florencia, dirigida por Fattori. En 1903 se traslada a Venecia, donde conoce a Boccioni y Soffici.
En 1906 decide trasladarse a París, donde frecuenta la Academia Colarossi; traba amistad con Utrillo y Severini; vive en los famosos estudios del Bateau-Lavoir en Montmartre; en estos primeros momentos su obra se deja influir por Picasso, Gauguin y Toulouse-Lautrec. Al año siguiente conoce al doctor Paul Alexandre, que se convertirá en su protector, y lo convence para que se inscriba en el Salón de los Independientes.
De 1908 data la Cabeza de joven mujer, uno de los pocos cuadros que han sobrevivido de su primera llegada a París, obra en la que es evidente su admiración por Touluse-Lautrec y que se encuentra cercana a los expresionistas alemanes por las líneas gruesas que perfilan la figura y los labios rojos muy marcados, aunque no puede darse esta cercanía por influencia, pues muy pocos expresionistas alemanes habían expuesto en París en esas fechas. Un año después realizó los retratos de la familia Alexandre, entre ellos, el del Doctor Paul Alexandre, que aparece retratado delante del cuadro titulado La Judía, también propiedad de la familia.
En verano y primavera de 1909 trabaja enfermizamente en varias esculturas; el exceso de trabajo, el alcohol y la escasa alimentación minan seriamente su salud y vuelve a Livorno. En El mendigo de Livorno expresa su simpatía por los oprimidos y marginados (aunque Modigliani provenía de una familia acomodada, en París vivió como un marginado); la obra es una interpretación de un cuadro antiguo que había en su casa familiar.
Pocos meses después vuelve a París y alquila un estudio al lado de Brancusi, con quien entabla amistad. En 1910 expone con éxito seis obras en el Salón de los Independientes, entre ellas El violonchelista, donde se advierte claramente la influencia de Cézanne. Se interesa vivamente por la escultura sin abandonar la pintura; el poeta Guillaume Apollinaire le vende algunos cuadros.
En 1911 visita Normandía con su tía Laura y presenta sus esculturas y dibujos de cariátides. En 1912 expone de nuevo en el Salón de los Independientes, esta vez esculturas (Cabeza, conjunto decorativo); también es de 1912 el Desnudo sentado, donde ya quedan definidas las características inconfundibles de los desnudos femeninos de Modigliani: el torso pintado de manera más o menos naturalista, casi de cuerpo entero, y la cara con el manierismo típico del artista, sin elementos decorativos que acompañen a la figura o la escondan. En el verano viaja a Livorno, donde se encuentra con la incomprensión de sus amigos con respecto a sus esculturas.
En 1913 comienzan sus problemas con el alcohol; pinta varios desnudos con modelos; conoce a Lipchitz y se hace muy amigo de Soutine. En 1914 conoce, por medio de Max Jacob, a Paul Guillaume, quien empieza a comprarle casi toda su producción y le proporciona un estudio en la calle Ravignan. En ese mismo año conoce a Beatrice Hastings, poetisa y periodista, de quien hace numerosos retratos. En 1915 participa, junto a Kisling, Matisse y Picasso, en la exposición organizada por Paul Guillaume en el número 6 de la calle Huyghens.
Conoce a un nuevo benefactor: el poeta polaco Léopold Zborowski. Su obra empieza a ser reconocida por poetas (Apollinaire, Salmon, Cocteau) y por coleccionistas (Descaves, Netter, Lavel). En 1917 conoce a Jean Hébuterne, quien será su compañera hasta la muerte. En diciembre de ese mismo año realiza su primera exposición individual en la galería de Berta Weill; el día de la inauguración, la policía retira cinco desnudos por ofensas al pudor y no se vende ningún cuadro; a pesar de ello, es un año de intensa producción; los desnudos de estos años ponen de manifiesto la perfecta comunión espiritual entre el artista y sus modelos.
window.google_render_ad();
En 1918 nace su hija Jeanne y pasa una temporada en Niza y Cannes. Al año siguiente vuelve a París y comienza a ser un pintor conocido y estimado por sus colegas; expone en Londres en la Hill Gallery; es consciente de su grave estado de salud pero no deja de beber. De 1919 data uno de los retratos de Jeanne Hebuterne, uno de sus últimos cuadros (si no el último), en el que retrata a su esposa embarazada con ternura y comprensión. Murió el 24 de enero de 1920, víctima de una meningitis tuberculosa. Dos días más tarde, Jeanne Hébuterne se suicidó tirándose desde la ventana del quinto piso de su casa.
Los temas de la obra de Modigliani fueron el retrato y los desnudos. Desde 1915 hasta 1920, año de su muerte, realizó su obra más significativa, constituida mayoritariamente por retratos y desnudos femeninos. Los retratos son a menudo de amigos y personajes conocidos como Max Jacobs (1916) o Jacques Lipchitz y su mujer (1917), pero frecuentemente representan a personajes anónimos como La criadita (1916). Sus múltiples desnudos femeninos,como Desnudo rojo con los brazos abiertos (1917, Kunsthaus, Zurich) rebosan una sensualidad lánguida y complacida; la línea que perfila los cuerpos es sutil, melodiosa y elegante; los ojos almendrados de los rostros dotan a las figuras de una mórbida melancolía que recuerda a Botticelli.
En ocasiones se le cita como un expresionista, pero es difícil dar ese calificativo a la finesse típica de Modigliani. El artista que más veneraba fue Cézanne, aunque nunca se interesó por representar la naturaleza; sólo pintó tres paisajes y no se conoce ninguna naturaleza muerta suya. La influencia de la vanguardia no sería determinante para la creación de su característico estilo. El canon alargado de sus figuras evidencia el gusto por el manierismo y enlaza sus personajes femeninos con las imágenes de los cuadros de Parmigianino. La estilizada geometrización de las formas denota el impacto que sobre él ejerció el descubrimiento del arte africano, que realizó gracias a su amigo Brancusi.
La influencia del arte primitivo se manifiesta especialmente en sus esculturas. Los numerosos esbozos y dibujos preparatorios de las Cariátides se concretaron en una única escultura que realizó entre 1913 y 1914 y que se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su práctica escultórica fue determinante para la configuración de su pintura. Entendía que el único modo de hacer escultura era tallando directamente la piedra y en muchas ocasiones se sintió más escultor que pintor. Las estatuas que han sobrevivido (unas veinticinco) no se ajustan a ninguna de las dos tendencias predominantes en la época (cubismo y futurismo); en ellas se encuentra un alto grado de sentido plástico, una solidez en las formas y una tendencia hacia el ritmo y la esquematización que también son características de su pintura.

René Magritte.

2008-12-06T12:20:00.006-05:00

Pintor belga. Es una de las figuras más destacadas del surrealismo. Pero también en su obra hay influencias del cubismo, orfismo, futurismo y purismo, y un marcado estilo llamado realismo mágico. Expuso en Nueva York, Roma, Bruselas, París, Londres, etc. Entre sus pinturas se destacan: "El tiempo amenazador" (1928), "Esto no es una pipa" (1928-1929), "La condición humana II" (1935).
Puro surrealismo
Nació el 21 de noviembre de 1898 en Lessines, Bélgica. En 1910 su familia se trasladó a Chatlet, donde René asistió a un curso de pintura. Cuando tenía catorce años, su madre se suicidó. En 1913, al año siguiente de esta tragedia, cursó el bachillerato en Charleroi. Entre 1916 y 1918 estudió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas.
En 1922 se casó con Georgette Berger, una amiga de su juventud. La obra que realizó durante el periodo 1920-1924, mostraba las influencias del cubismo, orfismo, futurismo y purismo. También, durante estos años tuvo muy marcado su estilo, llamado realismo mágico.
Magritte conoció en 1923 el arte de Giorgio de Chirico, que lo acercó de a poco al mundo surrealista. Tres años más tarde conoció personalmente al líder de este movimiento, André Breton, y a su grupo. Residió desde entonces y hasta 1930, en París, año en que regresó a Bruselas.
En 1926, época de gran producción artística, pintó "El jockey perdido", la cual es considerada su primera obra surrealista. Al año siguiente llevó a cabo su primera exposición individual en la galería Le Centaure. Además, durante ese año, y durante tres, participó de las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relacionó con Eluard, Breton, Arp, Miró y Dalí).
En 1928 expuso en la galería L´Epoque, en Bruselas. También participó de la primera exposición colectiva de los surrealistas en París. En 1933 expuso tanto en Bruselas como en Paris; y tres años más tarde hizo su primera exposición en Nueva York. Asimismo, participó en la International Surrealist Exhibition (en Londres) y en la Fantastic Art Dada and Surrealism (en Nueva York).
A lo largo de los años cuarenta expuso con asiduidad en la galería Dietrich de Bruselas. En 1953 pintó el mural "Reino encantado" para el salón comedor del casino de Knokke-le Zoute; y expuso por primera vez en Italia (Roma). También a partir de ese año expuso con frecuencia en la galería Alexander Iolas de Nueva York, en París y en Ginebra. Al año siguiente mostró su retrospectiva en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas.
En 1956 recibió el Premio Guggenheim. En 1957 pintó el mural "El hada ignorante", para el Palacio de Bellas Artes de Charleroi. Tres años más tarde exhibió su retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston; y en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Además, expuso en Rotterdam y Estocolmo. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas, a los 68 años.

El surrealismo

A partir de los primeros años veinte, tanto la producción de obra como la difusión de Magritte experimentan una aceleración. Sus contactos con los vanguardistas franceses, como Francis Picabia, se intensifican y crece el núcleo de artistas, escritores y músicos belgas alineados con las nuevas corrientes creativas. A partir de 1925, Magritte comienza a pintar en un estilo inconfundiblemente surrealista, con potentes influencias de De Chirico y Max Ernst, de quien toma la idea de trabajar con papeles pegados sobre los cuadros. Entre 1926 y 1930, a raíz de un contrato con la galería Le Centaure de Bruselas, Magritte pintará 280 telas, una cuarta parte de su producción pictórica total. El 24 de agosto de 1928 fallece en Bruselas su padre, Léopold.
La relación de Magritte con los surrealistas, sobre todo con André Breton, experimentará a partir de entonces una serie de altibajos que continuarán hasta 1947, en que el pintor belga será excomulgado por el Sumo Pontífice surrealista, que condenará un escrito de Magritte titulado El surrealismo a pleno sol en el que apunta una concepción más optimista del surrealismo futuro, con la palabra "placer" como punto clave. Entretanto, la fama de Magritte ha cruzado el Atlántico y su reputación se afianza en Estados Unidos a través de exposiciones como la individual de la galería neoyorquina Julien Levy, o la colectiva organizada por Alfred Barr en el flamante Museo de Arte Moderno de Nueva York, titulada Fantastic Art. Dada. Surrealism.
Durante esos años de plenitud entre mediados de los treinta y finales de los cincuenta, René Magritte consolida, investiga y expande su peculiar universo plástico. Es la etapa de sus Metamorfosis, ejemplificada en cuadros como In memoriam Mack Sennet (1936), Le Grand Siècle (1954) o los ocho grandes cuadros realizados en 1953 para la decoración mural del casino de la localidad belga de Knokke, que el artista titulará Le domaine enchanté (El territorio encantado). Un texto escrito por Magritte en 1958 a propósito de su cuadro Les vacances de Hegel esclarece su aproximación cada vez más filosófica y metafísica hacia sus imágenes y ayuda a comprender sus fuentes de inspiración y su método de trabajo: "¿Cómo podía mostrar un vaso de agua en un cuadro de forma que no fuera indiferente, ni fantasioso, ni arbitrario, ni débil, sino -osemos decirlo- genial? (sin falsa modestia). Empecé por dibujar muchos vasos de agua, siempre con un solo trazo para el vaso: al cabo de 100 o 150 dibujos, el trazo se fue ensanchando y adoptó la forma de un paraguas; después situé el paraguas dentro del vaso y, para acabar, debajo del vaso, que es la solución exacta a la pregunta inicial: ¿Cómo pintar un vaso de agua con genio? Después pensé que a Hegel (otro genio) le habría interesado este objeto, que tiene dos funciones opuestas: no querer agua (rechazarla) y quererla (contenerla). Se habría sentido seducido, creo, o divertido (como en vacaciones) y por eso titulé el cuadro Les vacances de Hegel".
Los últimos 10 años de vida de René Magritte estuvieron jalonados de exposiciones retrospectivas en todo el mundo (en Dallas y Houston en 1960-61; en Knokke en 1962; en el MOMA neoyorquino en 1965 y en Chicago, Pasadena y Berkeley en 1966; Rotterdam y estocolmo en 1967), honores y estudios sobre su vida y su obra. Pese a la fama y el reconocimiento mundiales, Magritte padeció hasta el final dificultades financieras y siguió llevando junto a su esposa la existencia tranquila de siempre. En enero de 1967 tuvo la idea de realizar esculturas a partir de ocho de sus cuadros. Su último viaje fue en la primavera de ese año a la fundición Gibiesse de Verona (Italia), donde corrigió y firmó los moldes en cera de sus obras. Las versiones originales en bronce no las vería nunca, porque falleció el 15 de agosto de 1967 a causa de un cáncer de páncreas, llevándose a la tumba el secreto profundo de su obra única y fascinante.

El Cubismo

2008-11-29T07:33:00.008-05:00

Características conceptuales

El cubismo presenta los objetos tal y como son concebidos por la mente y como existen, no como son vistos. Existen tres etapas en el cubismo: El Cubismo primitivo o Período Cézannesco (1907-1909): representado por las señoritas de avignon.Pablo Picasso
Cubismo analítico (1910-1912): presenta una descomposición de objetos simples en colores ocre, verde oscuro y gris.
Cubismo sintético (1913- 1914): emplea signos plásticos que se comparan con metáforas poéticas en el aspecto pictórico tiene mucha relación con el cubismo primitivo. Se caracteriza por la ruptura de todo procedimiento imitativo.
El cubismo tuvo una gran influencia por las teorías relativistas de Albert Einstein, el cual, estableció que es imposible determinar un movimiento. Un objeto puede parecer estar quieto o moviéndose según la perspectiva desde la cual se considera.
Características en la pintura representa los objetos seleccionados en cubos como si fueran cristales. Describe una naturaleza muerta por medio de una monocromía definida por claro-obscuros, sombras, No se recurre a las perspectivas.

El cubismo:
Se inicia con la obra "las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso. [ En éste cuadro, su parte derecha se apoya de forma exclusiva en el dibujo, y el conjunto aparece totalmente desprovisto del efecto del "claroscuro" ]
Los autores de esta corriente son austeros con el color utilizan colores neutros, grises, marrones. Los dos autores principales de esta corriente son Pablo Picasso y Braque. Se renuncia a la perspectiva traditional a los colores reales, a ver las figuras desde el punto de vista único. Temas menos importantes que el tratamiento. Buscan figuras cotidianas: tren, automóvil. Se exalta el plano, se rescatan escenas interiores. Pintura figurativa que "destroza" las formas. Se crea al gusto del pintor, se rompe con los tabúes del arte occidental, no se pinta con normas. El pintor más famoso es Pablo Ruiz Picasso que pinta en 1907 "las señoritas de Avignon", en la que se elimina la profundidad y es una representación dimensional lo que se llama el Cubismo Puro.
Dentro del cubismo podemos distinguir dos fases: el cubismo analítico y el cubismo sintético. Cubismo analítico: hace irreconocibles a las figuras. Braque, "el portugués", superpone planos geométricos, colores oscuros. Después se hacen cuadros con recortes periodísticos la definición de aglutinantes como las colas y los pegamentos.

Desarrollos del cubismo:
Además de los dos grandes maestros mencionados hubo otra serie de artistas que realizaron un cubismo cercano al de Picasso o Braque, pero con toques personales, como Juan Gris y los pintores franceses Fernand Léger, Albert Gleizes y Jean Metzinger. Cuando esta estética se difundió por toda Europa aparecieron una serie de grupos o tendencias con sus propias características: el cubismo órfico, del francés Robert Delaunay, que daba una gran importancia al color y empleaba elementos compositivos inventados por el artista, el grupo de Puteaux, con el también francés Marcel Duchamp, que aportó un cubismo dinámico y muy intelectual, el neoplasticismo del holandés Piet Mondrian, el suprematismo ruso de Kazimir Maliévich, el constructivismo escultóricos de su compatriota Vladimir Tatlin, y el purismo, estética racional y geométrica impulsada por los franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret. Este último, de origen suizo y llamado Le Corbusier, aplicó luego sus principios a la arquitectura.
Se puede decir que, con la guerra de 1914, el cubismo>, que había tenido una vida intensa desde 1907, se desintegró como vanguardia artística, aunque su influencia fue enorme a lo largo del siglo XX. De hecho, la mayor parte de los pintores citados ejercieron un decisivo impulso en el desarrollo de la abstracción geométrica.

El Cubismo tuvo como centro neurálgico la Ciudad de París, y como Jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los Franceses Georges braque y Fermand Léger . La realidad del movimiento efectivamente se inicia con el cuadro "Las Señoritas de Avignon" (Demoiselles D'Avignon) .- Como elementos precursores del cubismo debemos destacar la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).
Pablo Picasso y George Braque establecieron estrechas relaciones artísticas en el año 1907 el mismo año en el que el marchante de Arte Kahnweiler abrió en París la Galería de Arte que serviría como santuario al grupo de pintores Cubistas. en 1908 el ya afamado grupo "Bateau Lavoir" (nombre derivado del estudio y vivienda donde residían Picasso, Gris y el escritor Max Jacob) inició las reuniones en las que participaron todos los llamados "Dirigentes del Cubismo" incluidos los pintores Henri Matisse y André Derain junto con Gertrude Stein y Guillaume Apollinaire poeta y publicista del efervescente movimiento cubista.
Jean Cocteau y el Mexicano Diego Rivera acudían de tanto en tanto a las reuniones del grupo del cubismo.
Braque aportó una importante severidad en las formas y consiguió sujetar entre sus lienzos el color y las formas que provenían de la corriente postimpresionista, mientras que su compañero Picasso realizaba grandes trabajos en los dibujos que consiguió adaptar en su pintura bidimensional.
La problemática principal del cubismo en sus principios y por ende en su desarrollo ha consistido en poder representar el volumen de los colores sobre las superficies planas. Bajo la base de la cristalización geométrica de las pinturas de Cézanne tanto Braque como Picasso realizaron sus trabajos de definición bajo la perspectiva de poder mantener las propiedades de los objetos representados y la estabilidad en los espacios cerrados, sin lugar a la perspectiva clásica o a las modificaciones de los volúmenes derivados de la luz o el encuadre de las obras.
Por lo general el Cubismo aborda escasos temas de la pintura paisajística y se centraron primordialmente en las naturalezas muertas, los instrumentos musicales y con Picasso la derivación y descomposicion de los planos de la figura humana.

Etapas del Cubismo

2008-11-20T23:09:00.000-05:00

Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.

Cubismo Analítico.

caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.
Cubismo Sintético.
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.

Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.

Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.
En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo
El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas.

Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son características sus naturalezas muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.

En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y transparencias.
También introducirá en sus pinturas los collages. Sus obras más destacadas son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller del pintor.

El Impresionismo

2008-11-13T16:45:00.009-05:00

Impresionismo:

De forma contraria a los simbolistas, que buscaban en el arte lo elevado y lo significativo como evasión del cambiante mundo que les tocó vivir, Manet y el resto de impresionistas se sentían contentos y protagonistas de la época moderna. De forma espontánea pintaron los grandes bulevares de París, el ferrocarril, los barcos que corrían por el Sena… Con este afán de pintar el presente, lo cotidiano, lo real, la vida, la pintura de fines del siglo XIX y los pintores impresionistas se convirtieron en el eco de su contemporaneidad, del mundo que les rodeaba.

A finales del siglo XIX se produce una revolución espiritual. Cézanne, Van Gogh y Monet buscaron nuevos medios pictóricos, acordes al nuevo pensamiento. La nueva difusión del pensamiento científico, uno de cuyos fines era el dominio de la naturaleza a través del conocimiento racional desencadenó una progresiva laicización del pensamiento. Estos aspectos encuentran su reflejo en el marco de la pintura a través de la representación de la naturaleza bajo el dominio técnico y visual, fiel a la realidad.
Se plasma lo verdadero, lo perceptible, lo lógico. El ambiente artístico se despoja definitivamente de sus mecenas tradicionales debido al auge de la pequeña burguesía urbana. Los impresionistas prescindirán del sentido literario, narrativo, dramático o retórico del lienzo en pos de dibujar y pintar escenas reales. Monet, Renoir, Sisley, Pisarro Cézanne y Berthe Morisot, van a fundar la asociación Société Anonyme des artistes Peintres, Sculpteurs et Graveus en 1873, inaugurando un ciclo de ocho exposiciones bajo el nombre de «exposiciones impresionistas».

La pintura impresionista no posee argumento, sino estampas, escenas urbanas y campestres. El mundo más representado va a ser el de ocio, en interiores (cabaretes, cafés), y en los exteriores naturales usados como divertimento. El Sena como lugar de recreo, Argenteil, donde se hacían excursiones. En estos lugares es donde encuentran multitud de motivos los jóvenes pintores. Al pintar al aire libre, la transformación de los lugares y de las acciones, así como de las luces implica una pincelada rápida. Con ello se plasma el ambiente general más que detalles y menudencias. La realidad sensible, lejos de ser material, se convierte en una impresión, en una visión que permanece en la retina. No se representa lo que se percibe, sino el momento mismo de la percepción. El medio que favorece la impresión es la luz o el color puro.
Sus paletas tomaron como punto de referencia las nuevas investigaciones realizadas sobre los colores primarios y secundarios, cargándose así de tonalidades puras, rojo, amarillo, azul, verde, violeta y naranja. A partir de estas coloraciones el grupo desarrolló una serie de principios destinados a desarrollar una mayor luminosidad y una intensidad colorista, como la alternancia de colores puros con sus complementarios y la pincelada «de toque», muy corta. Esta forma de pintar hacía que las sombras y los contornos dejaran de existir, la impresionista no es una técnica basada en el dibujo, sino en el color, el sello de la escuela impresionista. La desmaterialización de la realidad en función a una impresión era un hecho.

David Alfaro Siqueiros - (1896-1974)

2008-11-04T21:50:00.015-05:00

David Alfaro Siqueiros aseguraba que había nacido en la ciudad de Santa Rosalía, hoy Camargo, Chihuahua el 29 de diciembre de 1896, hijo de Cipriano Alfaro Palomino, un abogado de Irapuato, y Teresa Siqueiros Feldmann, hija de Felipe Siqueiros, político y poeta de Chihuahua. Sin embargo, Raquel Tibol dió a conocer en el 2004 el acta de nacimiento de Siqueiros donde se asienta que nació en la ciudad de México. Su abuelo paterno, Antonio Alfaro, nativo de Michoacán, peleó en el ejército de Juárez. Siqueiros estudió en el Colegio Franco Inglés; sus estudios en la Escuela Nacional Preparatoria y en la Academia de San Carlos en la ciudad de México fueron interrumpidos en 1913 a causa del golpe de estado de Victoriano Huerta contra Francisco I. Madero. Ese mismo año fue invitado por el Dr. Atl a contribuir en el periódico La Vanguardia, órgano oficial de las fuerzas carrancistas. Siqueiros se unió al ejército constitucionalista y en 1914 perteneció al grupo del general Manuel D. Dieguez. Aquí tomó parte en numerosas batallas en los estados de Jalisco, Guanajuato, Colima, Sinaloa, entre otros, alcanzando el grado de Capitán Segundo. Al término de la Revolución fue enviado a Europa, con su salario de capitán, para continuar sus estudios de pintura. Visitó España, Francia, Bélgica e Italia. Hizo amistad con Diego Rivera y se involucró con los movimientos del cubismo, futurismo y dadaísmo. Un año después regresó a México y junto a José Clemente Orozco, Diego Rivera, Fernando Leal, Fermín Revueltas, y otros artistas, realizaron algunos frescos de la Escuela Nacional Preparatoria. Organizó además el Sindicato de Trabajadores Técnicos, Pintores y Escultores. Fue asistente de Amado de la Cueva en Guadalajara; al morir éste en 1925, Siqueiros abandonó la pintura y se dedicó al movimiento laboral llegando a ser Secretario General de la Confederación Sindical Unitaria de México. El 1° de mayo de 1930, fue enviado a prisión donde permaneció por un año, estando en ella, retomó la pintura. En 1932 impartió un curso de pintura mural en la Chouinard School of Art en Los Ángeles, CA. Inició una serie de innovaciones técnicas en el uso de materiales e instrumentos para pintar, así como en la composición que a la fecha distinguen su trabajo como artista plástico. Regresó a México en 1934, desempeñando el cargo de Presidente de la Liga Nacional contra el Fascismo y la Guerra. En 1935 tuvo una discusión con Diego Rivera lo que constituyó el primer ataque crítico contra todo lo que hasta ese momento se había realizado en las artes plásticas en México después de la Revolución. En 1938, organizó un taller experimental en Nueva York, donde investigó las posibilidades de un "accidente pictórico". Su estudiante, Jackson Pollock, fue quien desarrolló las posibilidades accidentales de la pintura e inició la escuela de "pintura en acción". En 1936 fue a España a tomar parte en la guerra civil, fue promovido al rango de teniente coronel. Después de un periodo de intensa actividad artística, Siqueiros tomó parte en la lucha política contra Trotsky; fue arrestado por esto y exonerado, abandonando México hacia Chile donde realizó un importante mural. Visitó varios países sudamericanos durante los años de la segunda guerra mundial, involucrándose en las actividades antifascistas. Vuelve a México en 1944 y establece el Centro de Arte Realista con la intención de realizar nuevos experimentos en el campo de la pintura y las artes gráficas. Representó a México por primera vez en la Bienal de Venecia, haciéndose acreedor al segundo premio de artistas extranjeros, el primer lugar lo ganó Matisse. Siqueiros junto a Diego Rivera realizaron importantes contribuciones con sus obras de esculto-pintura en Ciudad Universitaria. En esta época produjo su más importante mural: el encomendado por el Seguro Social. Recorrió entonces nuevamente Europa, la Unión Soviética, Asia y África. Pintó en México el mural del Museo Nacional de Historia y el del Hospital de Cancerología. En 1960 pasó 4 años en prisión por sus actividades a favor de los presos políticos, tiempo durante el cual realizó un gran número de obras. Fue absuelto gracias a sus servicios a la nación, al arte y a la revolución. En 1966 se le otorga el Premio Nacional de Arte y en 1967 fue invitado a celebrar el Cincuenta Aniversario de la Revolución Socialista en la URSS donde acude acompañado de su esposa y el matrimonio Carrillo Gil. Muere el 6 de enero de 1974 en Cuernavaca, Morelos.

Berthe Morisot (1841-1895)

2008-10-28T22:48:00.005-04:00

Berthe Morisot (1841-1895)
Nacida en Bourges en 1841, con siete años se traslada a París con su familia y allí comienza su educación, primero en la música, siguiendo sus padres el consejo de su amigo Rossini, y más adelante con lecciones de dibujo y pintura.
Alumna del famoso pintor paisajista Camille Corot, el aprendizaje en su taller será muy importante para su formación estilística llegando a presentar dos telas en el Salón de 1865. En 1868 conoce a Edouard Manet, uno de los pintores más contestatarios y escandalosos del París del momento estableciéndose entre ellos una gran amistad. Ella posa para alguno de sus cuadros y aprende mucho con él pero sin llegar a considerarse oficialmente su maestro. A través de Manet conoce al grupo de pintores impresionistas: Degas, Renoir, Sisley... En contra del parecer de Manet, expone con ellos en la célebre muestra que tiene lugar en el estudio de Félix Nadar en el Boulevard des Capucines en 1874, momento en que el Impresionismo da sus primeros pasos y recibe las primeras feroces críticas y entre ellas la del periodista Louis Leroy quien se ensaña con Berthe.
Alumna de Manet y asociada a los impresionistas, dos condiciones negativas en la presentación de una mujer que quiere triunfar en el mundo del arte, pero ella sigue adelante y, además, ejerce un papel importante en la formación del grupo impresionista y en su desarrollo.
En 1874 se casa con Eugéne Manet, hermano de su maestro. Muere en 1895 y un año después Mallarmé, Degas, Monet y Renoir organizan una exposición con la obra de Berthe en la Galerie Durand-Ruel.

Son famosas sus delicadas escenas familiares en interiores cuyos protagonistas son su madre su hermana o su hija. Su técnica, basada en grandes pinceladas aplicadas libremente en todas direcciones, propia del Impresionismo, dio a sus obras unas calidades transparentes, iridiscentes y tornasoladas.

Olga Sinclair

2008-10-19T07:11:00.008-04:00

Olga Sinclair nació en Panamá en 1957. A la edad de 14 años participó en una exhibición colectiva de artistas profesionales. Inició sus estudios bajo la tutela de su padre, el pintor Alfred Sinclair En 1976 ingresa a laEscuela de Artes Aplicadas y oficios Artisticos de Madrid, España. Durante su estadía en Madrid recibe tres años de instrucción de dibujo clásico en los Estudios Arjona.
De 1979 inicia sus estudios superiores en la Universidad Santa María la Antigua de la ciudad de Panamá, obteniendo en 1984 su Licenciatura eniseño de Interiores, participando simultáneamente, en 1982, en cursos de grabados del Taller de Gráficas Panarte, bajo la dirección del maestro Giangrandi. En 1985 desarrolla estudios de Investigación en Londres, Inglaterra.

Se casa en 1987 con Hans Risseeuw y el trabajo de su marido les lleva a Bolivia, donde Olga fue agregada cultural de la Embajada de Panamá. Luego residen en Jakarta, Indonesia, por 5 años donde nacen sus dos hijas, Natasha y Suzanna. Actualmente residen en la ciudad de Panamá.

En 1997 la B'nai B'rtih Irving Zapp de Panama le otorgó el premio B’nai B’rtih como personalidad del año. Así mismo el Círculo de Mujeres Intelectuales de Panamá, CIMIP, la distinguieron con la Orquídea Intelectual de año 1999. Por su aporte cultural a la sociedad dando charlas a las escuelas y universidades públicas y privadas, la Fundación ACDE, Agencia de Ayuda Conjunta por el Desarrollo, le confiere homenaje en el marco del Centenario de la República 2003. La revista Glamour le concedió el Premio de las lectoras, Mujer del Año 2004. También recibió una distinción por la Soka Gakkai Internacional de Panamá.

Sensible a los problemas sociales y al desarrollo del país, desde hace unos años ha aceptado formar parte de diferentes fundaciones y comités nacionales. Es miembro de la Fundación para el Desarrollo de la Libertad Ciudadana; Consejo Nacional de Educación CONACED; Vital Voices Capítulo de Panamá; Consejo Ciudadano del Proceso de Concertación Nacional para el Desarrollo, PNUD; Fundación Déjame ser tu Amigo; FundaAyuda, en campañas contra el cáncer de mama; y ha sido nombrada Embajadora de CATHALAC, organismo de Naciones Unidas Centro del Agua del Trópico Húmedo para América Latina y el Caribe 2006 y 2007, para quienes diseñó el Premio Latinoamericano PLACA.

Gustave Courbet 1819 - 1877

2008-10-13T09:51:00.005-04:00

Pintor francés muy prolífico y de gran influencia que, junto a sus compatriotas Honoré Daumier y Jean François Millet, fue pieza fundamental en el origen de la escuela realista de pintura del siglo XIX. Hijo de una familia acomodada de agricultores del Franco Condado, Courbet nació el 10 de junio de 1819. Llegó a París alrededor de 1840, según parece para estudiar derecho, sin embargo, se dedicó a pintar, cosa que aprendió copiando las obras maestras del Museo del Louvre. En 1850 expuso Los picapedreros (1849, en la Gemäldegalerie de Dresde, destruida por un bombardeo en 1945), cruda representación de unos obreros arreglando una carretera. En esta obra Courbet evita deliberadamente el elemento exótico, de gran carga emocional, característico de la tradición romántica y no sigue las reglas de composición de la pintura académica. Siguió escandalizando a los académicos con su obra de enormes proporciones Entierro en Ornans (1850, Museo Orsay, París), en la que un friso de campesinos pobremente vestidos rodea una tumba de grandes proporciones. El desafío a las convenciones se hace aún mayor en otra pintura de colosal tamaño, El estudio del artista (1855, Museo Orsay), que subtituló Alegoría real sobre siete años de mi vida artística. En el centro se halla retratado el propio Courbet pintando un paisaje, con un niño, un perro y una voluptuosa mujer desnuda, a la izquierda, un grupo de personajes con aire aburrido le ignora manifiestamente, a la derecha, una multitud de amigos llenos de vida y entusiasmo admira su obra. En esa misma época publicó un provocativo manifiesto en el que exponía con todo detalle su credo social y realista sobre el arte y la vida, que le proporcionó una gran popularidad. Para entonces su estilo ya estaba totalmente maduro y se caracterizaba por una técnica magistral, una paleta limitada aunque vigorosa, composiciones sencillas, figuras de modelado sólido y severo (como puede apreciarse en los desnudos) y gruesos trazos de pintura muy empastada que a menudo aplicaba con espátula, lo cual se manifiesta sobre todo en los paisajes y las marinas. Courbet, tan radical en política como en pintura, fue nombrado por la revolucionaria Comuna de París en 1871 director de los museos de la ciudad, puesto desde el que logró salvar las colecciones del Louvre del incendio de las Tullerías y del saqueo de las masas. Sin embargo, tras la caída de la Comuna, Courbet fue acusado falsamente de haber permitido el derribo de la columna triunfal de Napoleón ubicada en la Plaza Vendôme, fue encarcelado y condenado a pagar la reparación. En 1873 fue obligado a expatriarse, se trasladó a Suiza y allí continuó pintando hasta su muerte, el 31 de diciembre de 1877 en Verey

El Origen del Mundo

2008-10-07T04:35:00.004-04:00

Gustave Courbet. Óleo sobre lienzo, 46 x 55 cm. Museo d' Orsay, París. Francia.

El cuadro que se convirtió en una novela
El 26 de junio de 1995 se exponía por primera vez, en el Musée d'Orsay de París, L'origine du monde (El origen del mundo), una tela de Gustave Courbet pintada entre 1865 y 1866 y que llevaba 130 años oculta, sólo accesible a la mirada de sus sucesivos compradores. Durante mucho tiempo no sólo no había existido imagen pública de esa imagen púbica, sino que también había permanecido sin nombre, sin título, víctima de esa misma pudibundez que impide llamarle sexo al sexo y que impulsa a la invención de mil y un nombres, elusivos, poéticos o procaces, para referirse a la cosa.
Bernard Teyss-edre acaba de publicar Le roman de l'origine (La novela del origen), un relato de 420 páginas protagonizado por la pintura de Courbet. Todo arranca cuando Jalil-Bey, embajador turco en Paris, visita, en 1866, el taller del artista. Quiere comprar una tela escandalosa, Vénus et Psyché, pero ésta ya tiene propietario. Pide una copia, pero Courbet propone a cambio Les dormeuses, también de tema lésbico. Jalil-Bey logra que le regalen, sin que conste en la factura de 25.000 francos, un pequeño cuadro de 55 por 46 centímetros que reproduce el vientre de una mujer o, más concretamente, unas caderas y un pubis en el centro, los muslos en la parte inferior y el vientre y el torso, incluidos los pechos, en la superior. En el cuarto de baño del embajador, detrás de un cortinaje verde, quedará oculto el cuadro sin nombre ni firma.
En 1868 el courbet pasa a manos de Jean Baptiste Faure, barítono de la ópera de París. Ahora el cuadro se esconde detrás de un paisaje nevado, obra del propio Courbet. Son pocos los que lo han visto, pero ha generado ya suficiente literatura, desde versos de Gautier hasta esa constatación de Edmond de Goncourt: "Un vientre tan bello como la carne de un correggio". Pero a la esposa del cantante no le gusta el tiempo que su marido pierde ante la tela, ni las risas de los amigos privilegiados que la descubren. En 1888, la pintura aun innominada está en posesión de un marchante, De la Narde, que la exhibe en la trastienda sólo a clientes de confianza. Hasta 1912 nada se sabe del cuadro, del que se rumorea que pudo haber pertenecido a un gobernador civil puritano y pervertido, a un ginecólogo que lo utilizaba como reclamo o a un burdel. Sea cual sea la verdad, en 1912 una galería prestigiosa compra la tela a una tal señorita Vial.
La carrera internacional comienza cuando François de Hatvany, un coleccionista de Budapest, se lleva el courbet a su ciudad. En 1935, Charles Léger, especialista en Courbet, se refiere por primera vez a la obra como L'origine du monde. En marzo de 1944 los nazis destituyen a Hodhy, su cómplice en Hungría. L' origine du monde es robado por el ejército de ocupación y Bernard de Teyss-edre propone las dudas del coronel Schweinkopf, que sopesa el pro -el pintor era ario, despreciaba a los burgueses, pintaba bien y era atlético- y el contra -participó en la Comuna, simpatizaba con los anarquistas y probablemente era de moral abyecta-. La razón determinante es una estimación rápida del propio Hatvany: vale 300.000 dólares. Pero tanta vacilación da tiempo a que llegue el Ejército Rojo y a que el coronel Tatastrov aplique las normas del realismo socialista: ¿acaso las mujeres socialistas no tienen vientre?; ¿acaso liberar el desnudo de retórica no es tarea de los ingenieros de almas?; ¿acaso ése no es un vientre feliz, de una estajanovista capaz de parir cantando?. Las respuestas fueron positivas y el cuadro se salvó.
En 1955, Sylvia Lacan, la protagonista de La regla del juego, de Renoir, le pide a su marido, psicoanalista, que le regale L'origine du monde: por 1.500.000 francos el cuadro es suyo. Pero descubre que crea problemas: "Los vecinos y la mujer de la limpieza no lo comprenderían". El cuñado, André Masson, hará una nueva obra para esconder la de Courbet, un desnudo abstracto.
El sexo de Joanna Hiffernan, la pelirroja amante de Courbet, sirvió durante años de motor de las cogitaciones de Lacan sobre las diferencias "entre el objeto de la pulsión, del fantasma y del deseo" o de sus conversaciones con Heidegger sobre "lo real, la verdad y lo auténtico", para concluir que "la mirada es la erección del ojo". En 1967, el sexólogo Zwang publica la primera foto de la obra. En 1977, por primera vez, la pintura es reproducida en un libro de arte. En 1988, el cuadro cuelga, también por vez primera, de las paredes de un museo: The Brooklyn Museum of Art. En 1994, Jacques Henric publica la novela Adoratíons perpétuelles, cuya cubierta reproduce la tela y lleva al secuestro del libro. El 26 de junio de 1995, el ministro de Cultura, Douste-Blazy, hace el discurso de ingreso de la tela en las colecciones nacionales. Evita ser fotografiado junto a ella y en su discurso se sirve de opiniones ilustres. No citó, sin embargo, la frase flaubertiana de Courbet: "El coño soy yo

La creación - de Miguel Ángel Buonarroti

2008-09-15T12:40:00.000-04:00

Miguel Ángel Buonarroti escultor de profesión y prácticamente esclavo del vaticano para realizar los murales en la capilla Sixtina.

Sin embargo no deseo abordar la calidad de su trabajo ni retocar temas de su biografía, simplemente deseo aportar un elemento, personal, de apreciación sobre una de sus principales obras - más conocida y emblemática - de las artes.

La creación, ese famoso mural en la que magistralmente el maestro Miguel Ángel expone su visión de la misma. Esta obra es un emblema en la pintura, con temas bíblicos decoran el techo de la Capilla Sixtina del Vaticano. Tal vez el más reproducido, éste que vemos aquí, en la imagen, la creación del primer hombre, Adán. El creador desciende (volando) a gran velocidad, rodeado de ángeles se dispone a tocar la mano de Adán para insuflarle vida, aunque en el génesis se narra que lo acaba formando a partir de barro y con un hálito divino lo va a transformar en un ser vivo, la cumbre de la creación. Cuerpos prodigiosos, sensación de fuerza, vitalidad y movimiento; es arrebatadora esta escena del Génesis.

Las manos de la creación de Dios y de Adán, son manos que expresan en esencia el pensamiento mismo del hombre, tan claro en este mural. No hay en el pensamiento de Miguel Ángel como en toda la historia de la pintura. En ella, y esto es muy personal, en mi interpretación, la creación de Adán no es de Dios si no del hombre mismo y a la pintura me remito, mostrando pues, cómo la imagen de Dios, es el cerebro, materia gris del hombre, que por necesidad o inherente a él, el miedo a la muerte, así imbuido por temores, crea a Dios. Y para muestra de ese miedo, he ahí, las imágenes, tanto de la obra como del cerebro.

Adolfo Payés.

Un aporte escrito por un compañero salvadoreño

2008-09-12T21:40:00.000-04:00

Quiero compartir con ustedes este articulo que muy amablemente el compañero salvadoreño realizó este mes en su pagina blog, desde aquí gracias por sus comentarios y en especial por acercarse a los nuestros los de siempre. Nuestro pueblo.

Galería de Fin de Semana: Arte Nuestro en la Diáspora.
Hay una entera nueva generación de artistas salvadoreños, entre ellos, los que residen en la Diáspora, y que quizás debido a su orientación política, las puertas les han sido cerradas por agentes mercantilistas obtusos gubernamentales que tienen en cerrojo las oportunidades del talento en la Diáspora.

Hoy quiero compartir muestras de trabajos de uno de ellos.
ADOLFO PAYES
Payés, el hijo del reconocido pintor y escritor Joaquín Aguilar Guzmán, actualmente radica en Canadá.

No soy examinador, crítico, o experto en arte pero eso no me impide disfrutar, y opinar al contemplar una obra de arte como esta, donde una bandera es cuidadosamente recogida. El escudo al centro de la bandera es observado por la mirada apreciativa de un hombre de edad. Adolfo Payés tiene varios cuadros donde la temática evoca el nacionalismo honrado y honesto, muy diferente del patrioterismo fanático y virulento.

La bandera gringa encapucha el cráneo de una calavera que, a su vez, da la espalda a un sujeto irradiando dolor y sufrimiento. El artista Payes, en su adolescencia, fue miembro del Movimiento Estudiantil Revolucionario –MERS-, y participó en gestas donde la represión militar, armada y alentada por los gobiernos gringos, ocasionó el sufrimiento y dolor del pueblo salvadoreño.

Una alegoría a la pobreza, la inocencia, el abandono… Una niña sosteniendo una escoba en un fondo oscuro y desordenado simplificando la carestía, la necesidad, el abandono. El artista Payes tiene varias obras con esta temática, que para un emigrante como yo en la diáspora, la primera impresión es un regreso a los orígenes.
La sensibilidad artística del artista es plasmada en esta realida nuestra. Esta es una de mis obras favoritas de Adolfo, porque yo he estado allí.

Escrito por Tame

Fernando Botero: Administración Bush será recordada como el gobierno de la tortura

2008-05-21T15:34:00.001-04:00

El pintor expresó su deseo de que el próximo presidente estadounidense cambie radicalmente de tendencia en cuanto al trato ejercido sobre los prisioneros de guerra.

20 de mayo 2008. - El pintor colombiano Fernando Botero expresó este martes su convencimiento de que las "violaciones a todos los principios humanos" en la cárcel iraquí de Abu Ghraib han marcado la etapa de George W. Bush al frente a la Administración de Estados unidos, la cual será recordada como "el gobierno de la tortura".

Botero se refirió así a los motivos que le llevaron a pintar la serie "Abu Ghraib", expuesta desde este martes en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de la ciudad española de Valencia, junto a la serie "El Circo", inédita hasta ahora.

A través de medio centenar de obras, el pintor nacido en Medellín hace 76 años aborda desde su particular visión artística las torturas y vejaciones físicas y psicológicas que padecieron los presos de la cárcel iraquí y que fueron desveladas en 2004.

"Es un tema tan importante que va a marcar el Gobierno de Bush; será recordado como el Gobierno de la tortura", dijo el artista, y expresó su deseo de que el próximo presidente estadounidense cambie radicalmente de tendencia en cuanto al trato ejercido sobre los prisioneros de guerra.

"Espero que el nuevo presidente sea un demócrata", añadió Botero con ironía, e insistió en que estas prisiones deben ser "abolidas" y los encarcelados han de tener juicios justos "como todo el mundo", volviéndose así "a la ley de la civilización".

Tras reiterar sus críticas a la "hipocresía" de una potencia mundial que se presenta "como modelo de humanidad y compasiones, para después ir a torturar", recordó cómo la "injusticia y la monstruosidad" de las imágenes difundidas por todo el planeta le produjeron una "ira profunda" que le "envenenó".

"Tragedias hay todos los días y las de la naturaleza son inevitables. Pero ésta se mezcló con la hipocresía y la tragedia del hombre", y dio lugar -añadió- a una "violación de todos los principios humanos".

En cuanto a la respuesta recibida por esta serie en Estados Unidos -a donde regresará definitivamente, donada a dos universidades-, Botero dice que recibió correos "de odio" pero también de apoyo y agradecimiento.

La serie "Abu Ghraib" ya ha sido expuesta en salas de Estados Unidos, Italia, Alemania y México. Los cuadros recrean con sus habituales "gorduras" plásticas muchas de las imágenes emitidas y publicadas mundialmente de las torturas y abusos sexuales a los presos.

En cuanto a "El circo", Botero explicó que pintó esos cuadros como forma de librarse de las fuertes emociones que quedaron en él luego de "Abu Ghraib".

La serie "El circo" es un homenaje a los "colores desproporcionados" del mundo de payasos, arlequines, domadores y trapecistas.

Botero pretende que su trabajo sea "una celebración de la vida" y reconoce que la serie de "Abu Ghraib" es "una excepción" temática en su trayectoria "optimista", aunque, según el comisario, Fernando Castro, ya había dado muestras de su condena social de la violencia a través de obras ambientadas en su Colombia natal.

"Pero son dos tipos de violencia -replica Botero-. En Colombia es popular, producto de la ignorancia, mientras que la otra -la ejercida por los militares estadounidenses- era oficial", un "atropello consentido de la dignidad humana" a través de la tortura.

La exposición estará en Valencia hasta el próximo 6 de julio, para luego ser trasladada a la ciudad española de Vigo (noroeste).

Tomado de aporrea.org

Poemas de Roque Dalton ll

2008-05-11T04:28:00.000-04:00

POEMA DE AMOR

Los que ampliaron el Canal de Panamá
(y fueron clasificados como "silver roll" y no como "gold roll"),
los que repararon la flota del Pacífico
en las bases de California,
los que se pudrieron en la cárceles de Guatemala,
México, Honduras, Nicaragua,
por ladrones, por contrabandistas, por estafadores,
por hambrientos,
los siempre sospechosos de todo
("me permito remitirle al interfecto
por esquinero sospechoso
y con el agravante de ser salvadoreño"),
las que llenaron los bares y los burdeles
de todos los puertos y las capitales de la zona
("La gruta azul", "El Calzoncito", "Happyland"),
los sembradores de maíz en plena selva extranjera,
los reyes de la página roja,
los que nunca sabe nadie de dónde son,
los mejores artesanos del mundo,
los que fueron cosidos a balazos al cruzar la frontera,
los que murieron de paludismo
o de las picadas del escorpión o de la barba amarilla
en el infierno de las bananeras,
los que lloraran borrachos por el himno nacional
bajo el ciclón del Pacífico o la nieve del norte,
los arrimados, los mendigos, los marihuaneros,
los guanacos hijos de la gran puta,
los que apenitas pudieron regresar,
los que tuvieron un poco más de suerte,
los eternos indocumentados,
los hacelotodo, los vendelotodo, los comelotodo,
los primeros en sacar el cuchillo,
los tristes más tristes del mundo,
mis compatriotas,
mis hermanos.

POEMA

Las leyes son para que las cumplan
los pobres.
Las leyes son hechas por los ricos
para poner un poco de orden a la explotación.
Los pobres son los únicos cumplidores de leyes
de la historia.
Cuando los pobres hagan las leyes
ya no habrá ricos.

Poemas de Roque Dalton l

2008-05-11T03:53:00.000-04:00

AMÉRICA LATINA

El poeta cara a cara con la luna
fuma su margarita emocionante
bebe su dosis de palabras ajenas
vuela con sus pinceles de rocío
rasca su violincito pederasta.

Hasta que se destroza los hocicos
en el áspero muro de un cuartel.

SOBRE DOLORES DE CABEZA

Es bello ser comunista,
aunque cause muchos dolores de cabeza.

Y es que el dolor de cabeza de los comunistas
se supone histórico, es decir
que no cede ante las tabletas analgésicas
sino sólo ante la realización del Paraíso en la tierra.
Así es la cosa.

Bajo el capitalismo nos duele la cabeza
y nos arrancan la cabeza.
En la lucha por la Revolución la cabeza es una bomba de retardo.
En la construcción socialista planificamos el dolor de cabeza
lo cual no lo hace escasear, sino todo lo contrario.

El comunismo será, entre otras cosas,
Una aspirina del tamaño del sol.

DECIRES

«El marxismo-leninismo es una piedra
para romperle la cabeza al imperialismo
y a la burguesía.»

«No. El marxismo-leninismo es la goma elástica
con que se arroja esa piedra.»

«No, no. El marxismo-leninismo es la idea
que mueve el brazo
que a su vez acciona la goma elástica
de la honda que arroja esa piedra.»

«El marxismo-leninismo es la espada
para cortar las manos del imperialismo.»

«Qué va! El marxismo-leninismo es la teoría
de hacerle la manicure al imperialismo
mientras se busca la oportunidad de amarrarle las manos.»

¿Qué voy a hacer si me he pasado la vida
leyendo el marxismo-leninismo
y al crecer olvidé
que tengo los bolsillos llenos de piedras
y una honda en el bolsillo de atrás
y que muy bien me podría conseguir una espada
y que no soportaría estar cinco minutos
en un Salón de Belleza?

Una Carta Muy Personal

2008-05-08T19:21:00.000-04:00

Txanba Payés.

Roque Dalton nace el 14 de mayo de 1935 en San Salvador, El Salvador. Estudia derecho y antropología en las Universidades de El Salvador, Chile y México.

Por su militancia política, sufre cárceles y destierros. Vive emigrado en Guatemala, México, Cuba, Checoslovaquia, Corea, Vietnam del Norte y otros países. Muere asesinado por sus propios compañeros el 10 de mayo de 1975.

pincha aqui para leer sobre Roque Dalton.

A Roque Dalton.

Se va a cumplir otro año más de tu asesinato. Fuiste un poeta y un revolucionario, y, revolucionaste la poesía del pulgarcito de América. Tus libros los leímos y los volvimos a leer una y otra vez en la ciudad, en el monte, en la selva, en las casas clandestinas y los cafés de aquélla universidad pública de El Salvador en la que estudiaste. Por vos llegamos muchos a conocer las otras historias prohibidas del pulgarcito y también nos hiciste cómplices con tus versos para cantárselas a quien nos enamoraba, que algunas veces, ella, ya iba con quien le gustaba de la mano o a su lado. Pero en fin nos diste tanto en literatura, sobre todo en poesía, que todavía recuerdo a much@s que se quedaron en algún monte, vereda, montaña, zulo, con tus libros y algún que otro poema tuyo en sus bolsillos o en la mochila.

Quería compartir con vos Roque una de las cosas que me comen la cabeza casi todos los días. Hubo – y hay - una generación de poetas que lucharon, algunos siguen luchando, por transformar ese paisito en algo parecido al socialismo. Muchos anónimos dieron sus vidas por sus ideales y en esos muchos, se quedaron, te repito muchos jóvenes poetas, silentes de la literatura y entregados al amor. Personas que dejaron su juventud por algo en que creían - algunos todavía creen - pero no creas, no son muchos, son muy pocos. Yo suelo recordar a muchos que llenos de solidaridad no volvieron, se quedaron en algún rio o callejuelas del País, y eso es lo que me come el coco. La juventud que valió la pena, esa – aquell@s jóvenes llenos de sueños, tus sueños, ellos quisieron cambiar las estructuras injustas que todavía siguen intactas, no lo consiguieron. Algunos le llaman la juventud perdida. Pero para eso están los puntos de vista. Unos dicen esto, otros dicen aquello etc. etc.

Sin embargo vos y tu poesía sigue palpitando por aulas, por montes, por montañas y algún que otro café clandestino del pulgarcito de América, también fuera de él porque muchos todavía lloran a moco tendido y borrachos por el himno nacional, otros por las pupusas con queso de lorocos y un gran etc.

Quien te asesinó y te dejó en el playón sigue en sus andanzas, en sus mentiras y maquiavélicos negocios. Es compinche de ejércitos que masacran a su pueblo como el de Colombia. A quien te asesinó le pagan dólares para que vaya a dar alguna que otra charla de cómo controlar a la masa que lucha por un mundo más justo. Vive con el imperio al que vos muchas veces, y en tu poesía, desenmascaraste y denunciaste, él, Joaquín Villalobos, se regodea de lo mal que lo pasa la gente más humilde de El Salvador, y se presta a lo que le diga - y le pague - el imperio. Insulta y denigra a presidentes del continente que han ganado elecciones - varias elecciones - democráticas. Joaquín Villalobos se ha convertido en un lábil y pátina de los usamericanos, o ¿siempre lo fue?. Pero ya sabes, y eso vos lo sabés muy bien, siempre hay lacayos con notoria insania que se prestan - y se vende - por unas cuantas monedas de oro.

Bueno, Roque, me gustaría poder compartir cosas buenas, que las hay, sobre todo de poetas y su poesía que los hay, muy buenos. Escribientes anónimos y no anónimos que también los hay. Me gustaría poder decirte que las cosas en el pulgarcito de América han mejorado, pero las cosas no pintan nada bien para los mismos de siempre, para los más pobres y más pequeños, para ellos la situación económica y social, sigue siendo igual - o peor - de lo que la conociste y viste. Eso sí, quiénes decían luchar por cambiar esas estructuras injustas, ellos, la dirigencia, participa del juego electoralista de la misma burguesía y oligarquía que por aquellos años mataba, y masacraba al pueblo. Hoy lo sigue haciendo pero de una manera más sutil, menos violenta en la mayoría de casos, muertes silentes de miles de anónimos que nadie los ve. Pero también los hay más violentos con los mismos métodos de antaño, si antes eran los escuadrones de la muerte hoy se los disfraza con la delincuencia común. Está bien que se pueda participar “democráticamente”, lo que intriga es ¿A qué precio?. Como vos dijiste en uno de tus poemas “…ser salvadoreño es ser medio muerto/ eso que se mueve/ es la mitad de la vida que nos dejaron/ Y como todos somos medios muertos/los asesinos presumen no solamente de estar totalmente vivo.” Pero también en este mismo poema nos das la solución casi al final nos dices: (…) “Todos juntos/ tenemos más muerte que ellos/ pero todos juntos/ tenemos más vida que ellos.” Del poema: Todos.

Como ves Roque, he compartido con vos y de paso algunas de las cosas que pasan por aquellos lares. Si alguien te cuenta maravillas del pulgarcito, no es cuestión de dudar sobre lo que se diga, no, para eso están los puntos de vista, pero eso sí, no van a poder tapar el sol con un dedo por más que quieran. Todo punto de vista es la vista de un punto. El mío como ves, es el mío y el de muchos, de eso sí estoy seguro.

Un recuerdo afectivo y revolucionario para vos en estos días que se va a cumplir otro año más de tu vil asesinato.

Científicos revelan técnica de composición que Da Vinci utilizó en Mona Lisa

2008-04-22T20:26:00.000-04:00

Científicos franceses revelaron por primera vez la utilización en la "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci de una técnica pictórica de los flamencos primitivos llamada "glacis", informó este martes el Centro Nacional de Investigación Científica francés (CNRS).

Un desbarnizado virtual practicado sobre el famoso cuadro del artista italiano permitió a los científicos fijarse en los colores inalterados de los pigmentos, con especial atención en la cara de la Gioconda.

En esa cara descubrieron una capa de sombra como único pigmento de la capa superficial y una superposición de capas de un mismo color muy diluido, característica que define la técnica del "glacis".

Este procedimiento utilizado en la pintura al óleo fue inventado por los flamencos primitivos e introducida en Italia de la mano del pintor Antonello Da Messina (segunda mitad del siglo XV), destacó el CNRS.

Leonardo Da Vinci un siglo después la adoptó para pintar alguno de sus cuadros, entre los que se encuentra su obra más famosa, la "Mona Lisa".

Para su trabajo, publicado ahora en la web de la revista estadounidense "Applied Optics", los investigadores del CNRS utilizaron distintos métodos como la fotografía con una cámara multiespectral que permite medir la luz de cien millones de puntos del cuadro.

Este procedimiento permitió comparar la "Mona Lisa" con otras pinturas del siglo XVI, con el objetivo de cuantificar digitalmente la cantidad de barniz e identificar los pigmentos de la capa superficial de la cara de la Gioconda.

Se barajaban dos hipótesis: La utilización de mezclas de blanco y de pigmento colorado en distintas proporciones o la aplicación del "glacis", con mucha más saturación de color.

Las investigaciones determinaron que Da Vinci utilizó el "glacis" en la "Mona Lisa" compuesto en un uno por ciento de bermellón y en un 99 por ciento de blanco plomo.

Los pintores italianos de la época ya aplicaban esta combinación pero lo hacían en la capa pictórica superficial y no en la primera, como es en el caso del "glacis".

Sistematizar la estratificación de los compuestos pictóricos es el objetivo de estos científicos, que pretenden elaborar una base de datos con las propiedades ópticas de muchos pigmentos y de fondos de referencia, explicó el CNRS.

Gracias a eso, se dispondría de un método de análisis de obras de arte "totalmente no-destructivo", portátil y cuyos resultados serían explotables en unos minutos, señaló.

Aimé Cesaire 1913-2008

2008-04-18T01:28:00.001-04:00

Aimé Cesaire 1913-2008 nació en Basse-Pointe Martinica, escritor y hombre político, es uno de los mas grandes poetas y escritores contemporáneos de la lengua francesa y África es uno de los escritores mas celebres del mundo.

Su celebridad se debe tanto a la poesía de la denegrida, como ha su combate cotidiano por conquistar la liberación definitiva del hombre negro como el dialogo entre las diferentes culturas y civilizaciones.

En Aime Cesaire su obra poética es in disociable del compromiso político, no es un espectador aguerrido y rebelde de las realidades especialmente en el Caribe, en particular con Martinica y Guadalupe, llega a París, y realiza estudios en la Escuela Normal Superior y se mezcla a la vida literaria de la epoca, el surrealismo.

(Poète de la négritude) Poeta de la denegrida, en 1934, funda con Léon-Gontran Damas y Léopold Sédar Senghor, "l'Etudiant Noir", El Estudiante Negro, una revista destinada a reagrupar los africanos y caribeños en el inventario de las riquezas culturales del pasado y en las luchas contra el colonialismo político e intelectual.

En 1938, el edita el "Cahier d'un retour au pays natal" Cuaderno de un regreso al pais de origen, pues es el que regresa a la Martinica en 1939, y publica la revista "Tropiques" Tropicos, en 1948, escribe "Soleil coupé" El Sol partido, en 1948, "Corps perdu" Cuerpos perdidos en 1949, todos publicados siendo ya un militante políticamente.

Diputado de la Martinico en 1945 no deja de ser elegido hasta 1993, alcalde del Puerto de Francia desde 1946, se incorpora al Partido Comunista Francés PCF, y en 1956 se sale del mismo, es fundador del PPM en 1956, Partido Progresista de Martinico, siempre milito por y lucho por la independencia de las colonias francesas de África, siempre lucho también por la autonomía de la Martinico y de la Guadalupe.

En cuanto a su poesía Cesaire desea conseguir a toda medida, poner fin a la imitación de los europeos y crear una poesía de exploración llegando sin trucos, hasta las raíces de el mismo y sus hermanos.

El hombre encuentra en sus imágenes, sus ritmos, sis palabras que son la verdadera naturaleza de su pueblo, lo lírico y la violencia no dejan a un lado, el universo de felicidad. Después "Cadastre" en 1961, "Une saison au Congo" Una temporada en el Congo, 1967, "Une tempête" Una tormenta 1969 sus obras completas aparecieron en Puerto de Francia en 1976.

Cesaire Aimé insistia en rescatar y entregar a los desendientes de esclavos, el orgullo y el honro perdido, no por mantener la nostalgia de una vida de antes, pero dando con ello una fraternidad nueva, una sociedad moderna. Y siempre conto para ello con lo potente que es la poesia que etimológicamente hace y no se contenta solo con escribir o de evocarlos

Kees Van Dongen

2008-04-17T21:57:00.001-04:00

Pintor francés de origen holandés

Kees Van Dongen nació el 26 de enero de 1877 en Delfshaven. Kees Van Dongen pinta desde los quince años y sigue cursos de Bellas Artes en Rotterdam. Kees Van Dongen viaja a Francia en 1897 y para sobrevivir, trabaja de cargador, retratista callejero y pintor de edificios. Kees Van Dongen llamado a colaborar en la Revue Blanche, ilustra varias publicaciones satíricas. Kees Van Dongen formó parte en el año 1905 del primer grupo de fauvistas con los que expuso en el Salón de Otoño. Kees Van Dongen instalado en el barrio de Montparnasse, foco de la vida artística de París, en 1912, se convierte -gracias a la marquesas Casati y Jasmy Jacob- en el retratista de la sociedad mundana, para la cual organiza recepciones y fiestas burlescas. Finalizada la II Guerra Mundial, Kees Van Dongen recibió numerosos encargos. En sus pinturas muestra la ambición por el poder y el dinero. Kees Van Dongen falleció en Montecarlo en 1968.

Expresionismo

2008-03-29T14:26:00.001-04:00

Expresionismo.

2008-03-29T14:07:00.000-04:00

Expresionismo. Pintura Expresionista

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.
Precedentes del Expresionismo
Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de Goya, que rompe con las convicciones con las que se representaban las anatomías para sumergirse en el mundo interior. Sin embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.
Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda en la cual el artista, limitando la pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch.
Ensor (1860-1949)
Ensor pinta desfiles fantasmales de personajes enmascarados y caricaturescos. La máscara se convierte en la expresión de lo amenazador y lo desconocido que refleja la ironía sobre la condición humana. El asombro de la cámara de Wouse, La máscara y la muerte.
Edvard Munch (1863-1944)
El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.
En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.
Expresionismo Alemán
El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania.
Die Brücke ( El Puente)
En 1905 se constituye en Drede el grupo Die Brücke (El Puente), coetáneo al movimiento fauvista francés. Mientras los fauves se movían por intereses meramente plásticos cuyos temas eran intrascendentes, los alemanes, con una técnica similar en cuanto a la intensidad de las siluetas y las masas cromáticas, prefiriendo los tonos oscuros, difieren por la plasmación de las angustias interiores del hombre y sus preocupaciones existenciales.
En el grupo Die Brücke, influido por Munich, destacan Nolde y Kirchner. Son artistas comprometidos con la situación social y política de su tiempo.

Kirchner intenta demostrar con su paleta estridente y sus trazos angulosos los oscuros deseos que laten en el fondo de los seres humanos. Mujer del busto desnudo con sombrero.
Nolde conseguirá pintar la desnudez de las almas humanas. Bailarinas de las velas, Susana y los viejos.
Der Blaue Reiter ( El Jinete Azul)
El grupo Der Blaue Reiter se formó en Munich en 1911, recibió una importante aportación internacional sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que lo integraron numerosos artistas extranjeros. Además del alemán Franz Marc, encontramos al ruso Kandinsky, al suizo Klee, a August Macke y a Gabriel Münter entre otros.

El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les importa más el cómo de la representación que el qué. Los artistas creían que el significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador. El artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos.
Sus componentes evolucionarán rápidamente a formas abstractas, como es el caso de Kandinsky. La representación del objeto en sus pinturas es secundaria, ya que la belleza residía en la riqueza cromática y en la simplificación formal.
Paul Klee perteneció al Jinete Azul, pero seguiría su propio camino alejándose de dicho movimiento. Quiere despojar las cosas de todo formalismo. Su mundo surge de su propia realidad interior. Parte de su obra es abstracta, aunque conserva en general cierta referencia al objeto. Mantiene el vínculo con la realidad acercándose a ella por vía simbólica. Frutas en fondo azul, en el estilo de Bach son algunas de sus obras.
La Primera Guerra Mundial destruye el grupo, pero el Expresionismo no se extingue, al contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros artistas a traducir el dolor provocado.
El austriaco Oscar Kokoschka (1886-1980) con su personalidad vigorosa, busca la expresión a través de la pasta y el color. En La noria del viento trasciende lo puramente figurativo y anecdótico para expresar contenidos interiores a través de sus composiciones. En La tempestad plasma al artista y a la mujer amada y refleja la perduración de la pasión amorosa en medio de circunstancias adversas.
En Francia, Roault es un ejemplo de cómo se puede pasar del fauvismo al Expresionismo sin cambiar los aspectos formales, simplemente con un cambio en la concepción.
Chagall y Modigliani formaron parte del grupo expresionista de la llamada Escuela de París. El italiano Modigliani destaca por sus obras humanas alargadas y nostálgicas que recuerdan al Greco.

A partir de 1950, los norteamericanos se apropiarán del nombre en lo que se ha conocido como el Expresionismo Abstracto.